Collage

Début : 1912

Les débuts

Prédécesseurs

Au XIIe siècle, les Chinois et les Japonais collaient couramment des morceaux de papier aux couleurs vives sur divers objets, appliquant parfois une couche de laque pour sceller la surface et obtenir un effet plus permanent. La technique s'est répandue dans l'Europe médiévale, où des matériaux supplémentaires, tels que des coquillages, des pierres précieuses ou des feuilles d'or, ont été incorporés dans les compositions. Au XVIIIe siècle, le découpage, du français "découper", est devenu un passe-temps populaire dans l'aristocratie européenne, notamment chez Madame de Pompadour, Marie-Antoinette et Beau Brummell. Une lettre du XVIIIe siècle décrit cette tendance : "Nous sommes ici au sommet d'une nouvelle passion pour le découpage de gravures colorées.... Ces découpages sont collés sur des feuilles de carton-pâte puis vernis. On en fait des panneaux muraux, des paravents et des planches à feu".

Le découpage de Mary Delany, Pancratium maritimum L. (1775), illustre son approche de l'exactitude botanique dans une présentation esthétique.

À la fin des années 1700, Mary Delany est devenue célèbre pour ses œuvres représentant des spécimens de fleurs, ce qui a fait d'elle l'une des favorites de la cour britannique. Après avoir soigneusement étudié une fleur particulière, Delany découpait souvent des centaines de morceaux de papier pour créer ses compositions plus vraies que nature. En 2019, la critique d'art Claudia Massie a déclaré que les "Mosaïques de papier" de Delany, comme elle les a appelées, "jaillissent des murs avec une vivacité qui dément le fait qu'elles ont été créées il y a 250 ans à partir de minuscules morceaux de papier teintés à la main par une artiste "amateur" de soixante-dix ans".

L'utilisation de coupures de papier pour créer une variété d'œuvres inventives et imaginatives est devenue une tendance culturelle dominante à l'époque victorienne. Bien que la Royal Academy of Art n'ait pas reconnu cette forme d'art, les artistes du découpage ont néanmoins souvent eu des adeptes, et leur travail semble plus contemporain que jamais. Comme l'écrit Maisie à propos du découpage victorien, "les signes avant-coureurs du modernisme abondent. Le photomontage est largement utilisé pour créer des portraits de groupe qui défient l'espace ou des illusions trompeuses. Un album de Mary Watson, datant de 1821 et composé de mots et de portraits découpés en tranches, se lit comme la poésie aléatoire pratiquée 100 ans plus tard et ressemble à un graphique punky constructiviste."Simultanément, à la fin des années 1800, les magazines populaires combinaient fréquemment des images et des fragments d'images pour les publicités. Culturellement, l'utilisation de coupures de presse pour la réalisation d'albums, de cartes et d'écrans décoratifs était omniprésente à l'aube du XXe siècle, même si cette pratique était considérée comme un passe-temps, un artisanat ou comme relevant du domaine domestique, comme en témoigne son emploi généralisé dans les magazines de mode féminins.

Pablo Picasso et Georges Braque

Si le découpage a une longue histoire dans l'art populaire occidental et l'artisanat décoratif, ce n'est qu'avec les expériences de Georges Braque et de Pablo Picasso, au début du XXe siècle, que le collage est entré dans le lexique des beaux-arts. Les deux artistes se sont rencontrés en 1907, ont travaillé en étroite collaboration et ont développé ensemble ce qui allait être connu sous le nom de cubisme. Ils expérimentent avec des natures mortes et des paysages, décomposant la composition en perspectives complexes à multiples facettes.

La Tête (1913-14) de Pablo Picasso illustre son approche du papier collé. 

En 1912, plus intéressés par les aspects compositionnels plats du plan pictural, Picasso et Braque commencent à explorer le collage, le papier collé et les assemblages tridimensionnels. En mai 1912, Picasso incorpore une bande de toile cirée imprimée d'un motif de cannage de chaise dans une peinture et utilise une corde pour encadrer la toile de forme ovale. La Nature morte au cannage de chaise (1912) qui en résulte ouvre la voie au collage en tant qu'art et lance une nouvelle phase du cubisme. Au cours de l'été 1912, Braque et Picasso travaillent ensemble dans le sud de la France, lorsque Braque, en se promenant dans Avignon, remarque un rouleau de papier peint avec un grain de bois dans une vitrine. Braque découpe et colle des morceaux du papier dans son Plat à fruits et Sorgues de verre (1912). Après avoir partagé le papier collé avec Picasso, il déclare : "J'ai ressenti un grand choc et ce fut un choc encore plus grand pour Picasso lorsque je le lui ai montré." Un mois plus tard, Picasso crée Violon et feuille de musique (1912) et, au cours des deux années suivantes, le nouveau cubisme synthétique des artistes, comme on l'appelle désormais, incorpore des morceaux de papier de la vie quotidienne dans des peintures et des dessins, explorant la convergence du haut et du bas, de l'art et de la vie, ainsi que la planéité de l'image.

Le Petit Déjeuner (1914) de Juan Gris étend les papiers collés jusqu'au bord du plan pictural.

Si Picasso et Braque ont suivi des chemins divergents dans la vie et dans l'art après la Première Guerre mondiale, leurs découvertes ont été largement adoptées par les artistes. Fasciné par l'utilisation du papier collé par le cubisme synthétique, Juan Gris a commencé à expérimenter cette technique en 1914. En incorporant du papier avec des impressions de grain de bois, des chutes de papier peint et des morceaux de journaux, Gris crée des surfaces aux textures multiples qui jouent sur la matérialité de l'œuvre d'art et la planéité de la toile. Il disait de ses papiers collés : "J'essaie de concrétiser ce qui est abstrait.... Mon art est un art de synthèse.... Je considère que le côté architectural de la peinture est mathématique, le côté abstrait, je veux l'humaniser."

Dada et le collage

Après la Première Guerre mondiale, Dada s'est imposé comme l'un des mouvements artistiques européens les plus radicaux. Déclarant que l'accent mis par les cubistes sur le formalisme esthétique était une impasse, le dadaïsme a adopté le collage et l'a radicalement transformé. Hannah Hoch est la pionnière de l'utilisation avant-gardiste du photomontage, une technique qui, au lieu d'utiliser des coupures de papier, emploie des images découpées dans les publications des médias de masse. Hans Arp, quant à lui, s'est appuyé sur le hasard pour disposer des carrés de papier déchirés dans des collages abstraits. Kurt Schwitters a été le premier à réaliser des collages qu'il appelait "dessins Merz", un mot qu'il avait inventé pour signifier "la combinaison de tous les matériaux imaginables à des fins artistiques". Schwitters collectait les détritus de la vie quotidienne, des emballages de bonbons aux tickets de cinéma en passant par des objets tridimensionnels, et composait des œuvres entières à partir de ces morceaux d'éphémère apparemment "sans valeur" pour remettre en question les valeurs et les perceptions traditionnelles de l'art et, surtout, faire passer les idées de collage dans le domaine de la sculpture d'assemblage et de l'installation.

Incorporant du cuir, du métal, du liège et du grillage qu'il a récupéré dans les rues, Das Undbild (L'image et le tableau) (1919) de Kurt Schwitters est un exemple précoce de ses œuvres pionnières de Merz.

Le concept du readymade de Marcel Duchamp, qui combinait des objets utilitaires pour créer des objets d'art, peut également être lié à des expériences de collage tridimensionnel ou d'assemblage. Man Ray a exploré les rayographies, une technique photographique sans caméra pour réaliser des collages. Il posait des objets de la vie quotidienne directement sur du papier photosensible et l'exposait à la lumière, créant ainsi des silhouettes fantomatiques qui semblent à la fois représentatives et abstraites.

Plutôt que de mettre l'accent sur la nature morte comme l'avaient fait les cubistes, les dadaïstes ont élargi le sujet du collage pour créer des portraits, des scènes à plusieurs figures et des panoramas sociaux qui soulignaient l'absurdité des systèmes et des personnages politiques. Le collage dada a eu une influence considérable sur le Pop Art et les mouvements de l'après-guerre, notamment l'Assemblage, les Happenings et l'Art de la performance.

Le surréalisme et le collage

Issu de Dada, le surréalisme a également adopté le collage dans son exploration de l'automatisme et du flux de conscience dans la création d'œuvres. À bien des égards, le collage, en tant que médium, a pu résumer la description qu'André Breton a faite de la dislocation surréaliste, qu'il a empruntée à l'écrivain Comte de Lautréamont : "la rencontre fortuite d'une machine à coudre et d'un parapluie sur une table d'opération. "Max Ernst a expérimenté diverses formes de collage pour créer des compositions inquiétantes et oniriques. Il explique : "La technique du collage est l'exploitation systématique de la rencontre, provoquée accidentellement ou artificiellement, de deux ou plusieurs réalités étrangères à un niveau apparemment incongru - et de l'étincelle de poésie qui franchit le fossé lorsque ces deux réalités sont réunies". Pour les surréalistes, les juxtapositions créées par le collage donnaient de nouvelles significations passionnantes, permettaient d'explorer les mécanismes inconscients de l'esprit et d'exploiter de nouveaux sujets.

Néo-Dada

Au début des années 1950, Néo-Dada a marqué une rupture avec la peinture traditionnelle dans le monde de l'art de l'après-guerre. Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Allan Kaprow se sont détournés de l'expressionnisme abstrait pour mettre l'accent sur l'utilisation des médias de masse, des objets trouvés et de la performance. Leurs œuvres utilisent souvent la technique du collage pour remettre en question les distinctions entre les différents supports artistiques et les conventions artistiques. Influencé par Kurt Schwitters, Rauschenberg a créé Untitled (Man with White Shoes) (1954) en combinant des parties de vieux meubles, une poule taxidermisée, diverses photographies, des chaussures et des marques gestuelles. Bien qu'il ressemble à une peinture à l'encaustique assez simple, Flag (1954-5) de Johns était en fait un collage de papier journal, provenant de publicités et d'articles non politiques, et de bandes de tissu. L'exploration du collage et de l'assemblage par Néo-Dada a eu des conséquences sur les expériences contemporaines de l'art de la performance et du pop art.

Bed (1955) de Robert Rauschenberg est un exemple précoce de ses "combinaisons".

Pop Art

Le Pop Art britannique a débuté en 1947 avec les collages d'Eduardo Paolozzi, plus précisément décrits comme des photomontages puisqu'ils étaient composés d'images découpées dans des magazines de médias de masse. Avec Richard Hamilton et Peter Blake, il a exploré, critiqué et parfois célébré la culture de consommation de l'après-guerre. Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing (1956) de Hamilton est à la fois une parodie et une célébration des intérieurs domestiques de l'après-guerre, remplis de nouveaux biens de consommation et de technologies qui promettaient un avenir meilleur. Les artistes pop américains tels qu'Andy Warhol et Roy Lichtenstein se sont également inspirés de l'imagerie populaire, en mettant principalement l'accent sur la culture de la consommation et de la célébrité. Le tableau de James Rosenquist intitulé President Elect (1960-61) combine des images partielles d'une part de gâteau rassis, d'une automobile et d'un président John F. Kennedy souriant, pour remettre en question le rôle de la publicité dans la culture et la manière dont on absorbe et traite le bombardement d'images dont on fait l'expérience tous les jours dans la culture de consommation en plein essor.

Le collage d'Eduardo Paolozzi intitulé J'étais le jouet d'un homme riche (1947) est considéré comme la première œuvre du Pop Art.

Concepts et tendances

La nature du collage lui confère une incroyable polyvalence. Lorsque les artistes ont commencé à incorporer des éléments de la vie quotidienne dans leurs peintures et leurs compositions, ils n'ont plus eu à se soucier des matériaux qu'ils utilisaient, ce qui a entraîné le développement et la prolifération de diverses tendances ou techniques en matière de collage.

Collage et sculpture : Assemblage

Braque a été le premier à construire des sculptures en collage avec du carton peint, mais ces œuvres ont été perdues pendant la Première Guerre mondiale, et sa contribution à cette technique a donc été éclipsée par Picasso, dont la Maquette pour guitare de 1912 est l'un des premiers collages cubistes tridimensionnels qui nous soient parvenus. Tout au long de sa carrière, Picasso a réalisé des constructions similaires, explorant de nouveaux matériaux, tels que le bois, comme dans son Taureau (1958), et le métal, comme dans sa Chaise (1961).

La Maquette de guitare (1912) de Pablo Picasso, réalisée avec du carton, de la ficelle, du fil de fer enrobé et d'autres matériaux, est l'exemple le plus ancien d'une sculpture construite à l'aide de collages.

Par la suite, les artistes ont adopté et innové en matière de collage tridimensionnel, et la technique a donné naissance à des assemblages et à des œuvres qui ont brouillé les frontières entre la sculpture et la peinture. Kurt Schwitters a développé son Merzbau (Merz Construction) (1923-37), une colonne composée de coupures de journaux, de détritus et de cartons, pour en faire une installation dans plusieurs pièces de son atelier, créant ainsi un environnement immersif avant l'heure. Influencé par Schwitters, Robert Rauschenberg crée ce qu'il appelle des "combinaisons", des hybrides de peinture et de sculpture qui intègrent des matériaux de tous les jours, comme dans son Canyon (1959).

Avec son aigle taxidermisé, comme s'il émergeait du tableau, Canyon (1959) de Robert Rauschenberg illustre l'évolution du collage tridimensionnel vers ce que la critique d'art Roberta Smith a appelé un "hybride multimédia".

Dans les années 1940, Louise Nevelson a commencé à créer des œuvres qui ont été décrites comme des sculptures, des assemblages et des collages de bois. En utilisant des matériaux prêts à l'emploi, tels que des caisses, des parties de meubles mis au rebut et des éléments architecturaux, elle réalise de grandes œuvres rectangulaires, souvent peintes en monochrome, comme le montre Sky Cathedral (1958).

Collage sur toile

Le collage de toile consiste à coller des morceaux de toile peinte sur une autre toile. De nombreux expressionnistes abstraits, dont Lee Krasner et Conrad Marca-Relli, ont utilisé cette technique. Au début des années 1950, frustrée par son processus de peinture, Krasner déchire une grande partie de ses peintures et dessins en cours, mais dans les mois qui suivent, elle commence à créer de nouvelles œuvres à partir de ces morceaux, en les collant sur d'autres toiles et en y ajoutant des passages peints supplémentaires, comme on peut le voir dans Milkweed (1955). Marca-Relli crée des collages de toile, dans lesquels il colle des morceaux de toile peinte découpés sur des toiles beaucoup plus grandes afin que les courbes et les angles imbriqués soulignent ce qu'il appelle "l'architecture de la figure humaine". Créées à une échelle monumentale, ses œuvres ont influencé plusieurs artistes néo-dada.

Photomontage

La dadaïste allemande Hannah Höch a innové avec ses photomontages, des collages composés non pas de morceaux de papier ordinaire, mais de diverses images photographiques tirées de publications de masse. La technique du photomontage est issue de la culture populaire de la fin du siècle, lorsque les cartes postales et les gravures combinaient souvent des images. Comme l'a noté l'historienne de l'art Kathy Halbreich, les dadaïstes "appréciaient les connotations mécaniques - et prolétaires - associées au terme et l'utilisaient pour distinguer leur travail des collages cubistes, ou papiers collés, dont ils considéraient l'abstraction formaliste comme un cul-de-sac". George Grosz, ainsi que d'autres dadaïstes, ont utilisé cette technique, combinant généralement des coupures de journaux, des photographies et des textes.

Hannah Höch : Couper avec le couteau de cuisine Dada à travers la dernière époque culturelle de la bière de Weimar en Allemagne (1919)

 

Comme le note Halbreich, depuis le mouvement Dada, "le terme photomontage en est souvent venu à avoir un sens plus restreint : une image composite sans couture obtenue soit en manipulant des négatifs dans la chambre noire, soit en rephotographiant un collage de photographies, techniques privilégiées par des artistes aussi disparates que John Heartfield et les constructivistes russes, d'une part, et les surréalistes, d'autre part". En conséquence, le photomontage est devenu une forme d'art indépendante, bien que les artistes aient continué à explorer les frontières entre le photomontage et le collage, comme le montrent les Projections de Romare Bearden, qui sont des copies photostatiques agrandies en noir et blanc de ses collages en couleur.

Le photomontage de John Heartfield, Adolf the Übermensch : Swallows gold and spouts junk, AIZ 11. no. 29, July 17 (1932) combine une photographie d'Hitler avec une radiographie anatomique.

Décollage

Le décollage a été attribué pour la première fois à Léo Malet, auteur de romans policiers surréalistes, dans le Dictionnaire Abrege du Surréalisme (1938) et défini comme "le procédé qui consiste à arracher des parties d'une affiche afin de révéler des fragments de l'affiche ou des affiches... pour désorienter et égarer...". Cependant, le terme a surtout été associé au Nouveau Réalisme, un mouvement artistique français des années 1950, dont faisaient partie Raymond Hains, Jacques Mahé de la Villeglé, François Dufrêne et l'artiste italien Mimmo Rotella. Les affiches publicitaires, collées les unes sur les autres et souvent déchirées ou fragmentées, étaient monnaie courante dans les environnements urbains. Rotella a déclaré à propos des affiches de Rome : "J'ai été littéralement envoûté, et ce d'autant plus qu'à cette époque, j'étais convaincu que la peinture était finie, qu'il fallait trouver quelque chose de nouveau, de vivant et de moderne". Les artistes ont arraché des couches et des fragments de ces affiches et les ont ensuite collés sur une surface, comme le dit Rotella, "en les laissant exactement comme elles étaient, exactement comme je les voyais". Également appelé technique de l'affiche déchirée, le décollage fait à la fois référence à la société et évoque des œuvres d'art abstraites et texturées. Wolf Vostell, un artiste allemand, a associé le terme à un avion qui s'écrase au décollage, signifiant ainsi que l'art doit briser les signifiants du passé pour créer de nouvelles réalités.En 1962, il lance De-coll/age : Bulletin Aktueller Idee, un magazine expérimental d'art et de théorie. En 1963, il crée Nein 9 Decollagen (1963), qui reprend des images de l'écran de télévision pour les placer dans un nouveau contexte.

Développements ultérieurs

Le pouvoir formel et critique des différentes techniques de collage continue de se répercuter dans le monde de l'art. Dans les années 1960, les ready-mades de Duchamp et le concept de Merz de Schwitters ont eu des conséquences profondes sur le développement de l'assemblage et, plus tard, de l'installation. Bien qu'il ne s'agisse pas à proprement parler de collage, l'esthétique du collage a également influencé une grande partie du travail des photoréalistes comme Audrey Flack, dont les œuvres juxtaposent souvent des images peintes disparates, et des artistes de la Pictures Generation, comme Richard Prince, qui s'est approprié l'imagerie des médias de masse pour créer des photomontages.

Georges Braque : Coupe à fruits et verre (1912)

Au XXIe siècle, le collage reste une technique vitale pour l'innovation, comme le montre l'œuvre de l'artiste conceptuel britannique John Stezaker, qui combine des photographies découpées des années 1950 dans des juxtapositions surprenantes qui remettent en question les conventions artistiques et culturelles. L'artiste américano-kényane Wangechi Mutu' The Bride Who Married a Camel's Head (2009) utilise le collage pour examiner des questions contemporaines urgentes, notamment la colonisation, le genre et l'environnement. Dans sa série de maisons fantastiques, Matthias Jung utilise le collage pour réimaginer l'architecture et sa place dans le paysage, et le travail de Jean-François Rauzier exploite la technologie numérique pour créer des images altérées de villes et de lieux, créant des compositions surréalistes et illogiques.

Pablo Picasso : Nature morte au cannage de chaise (1912)

Alors que les artistes continuent d'explorer et de pousser le collage dans de nouveaux domaines, l'exposition Cut and Paste : 400 Years of Collage qui s'est tenue en 2019 aux National Galleries of Scotland a rassemblé des collages modernes et contemporains avec des œuvres de l'ère victorienne et antérieures, mettant en évidence l'histoire profonde de la technique et attestant de la fascination de longue date pour le potentiel de jeu, de découverte, de critique et de remise en question du collage.

Kurt Schwitters : Merz Picture 32 A, L'image de la cerise (1921)