Jean-Baptiste-Camille Corot

Peintre français 

Né : 17 juillet 1796 - Paris, France

Décédé : 22 février 1875 - Paris, France

Enfance

Né à Paris dans une famille aisée, Jean-Baptiste-Camille Corot est élevé dans l'atelier de chapellerie tenu par ses parents. L'entreprise est à la mode et prospère, la chapellerie de sa mère lui valant une réputation considérable parmi l'élite parisienne, et l'enfance de Corot se déroule dans un cadre confortable et créatif. Cependant, bien qu'il ait reçu une éducation classique au Collège de Rouen, Corot était un étudiant apathique, décrit par les premiers biographes comme timide, maladroit et peu impressionnant. Sur l'insistance de son père, il entre en apprentissage chez un drapier - le métier de son père - mais trouve cela peu satisfaisant et ennuyeux, et s'inscrit aux cours du soir de dessin de l'Académie suisse, un établissement privé. Ses parents, réticents à l'idée qu'il poursuive une carrière de peintre, cèdent à la mort de leur fille cadette et lui accordent même une allocation, afin qu'il puisse se consacrer à ses études avec une certaine indépendance financière.

Formation initiale

En 1822, Corot, âgé de 26 ans, rejoint l'atelier du peintre paysagiste Achille Etna Michallon, rejetant ainsi le prestige académique de l'École des Beaux-Arts. Michallon mourut inopinément et tragiquement jeune, trois mois seulement après que Corot eut commencé sa formation, mais la technique néoclassique de Michallon - il avait étudié avec Jacques-Louis David - et son amour de la nature allaient avoir une influence durable sur son élève. Corot se souviendra plus tard avoir réalisé son "premier paysage d'après nature" sous l'influence de Michallon, "dont le seul conseil était de rendre avec le plus grand scrupule tout ce que je voyais devant moi" ; il poursuivra ses études, comme Michallon, auprès de Jean-Victor Bertin, célèbre paysagiste historique. Sous la tutelle de Bertin, Corot continue à dessiner d'après nature et à copier des études botaniques et d'autres gravures. Ces années sont consacrées à la capture de la nature en action : s'installant sur les rives de la Seine ou dans les forêts entourant Paris, Corot réalise des croquis rapides du paysage et des études détaillées de la flore régionale.

Le pont de Narni (1826-27)

Comme le veut la tradition pour les jeunes artistes, Corot se rend en Italie en novembre 1825 - le premier et le plus long de ses trois voyages - et y passe plusieurs années très productives. Attiré par les paysages de ruines de Rome, il réalise des croquis à l'huile du Colisée, du château Saint-Ange, des jardins Farnèse et de divers autres sites. En 1827, il envoie de Rome son premier tableau au Salon de Paris, Le pont de Narni (1826-27), qui sera exposé une centaine de fois au Salon. Au total, il réalise plus de 150 œuvres au cours de ses trois années en Italie, cultivant ses talents de peintre en plein air et s'imprégnant des leçons de Claude Lorrain et d'autres paysagistes classiques. À son retour en France en 1828, Corot fait preuve d'une résilience et d'un dévouement nouveaux à l'égard de sa carrière. Il décide de ne jamais se marier, écrivant à un ami que "tout ce que je veux faire dans la vie [...] c'est peindre des paysages. Cette ferme résolution m'empêchera de m'attacher sérieusement".

Période de maturité

Corot, Autoportrait à la palette (vers 1835).

Après son premier voyage en Italie, Corot établit une routine annuelle : il dessine en extérieur au printemps et en été, puis retourne à l'atelier pour travailler pendant l'hiver et tenter de se faire un nom en tant que paysagiste au Salon. Ses voyages à travers la France se révèlent tout aussi fructueux que son séjour méditerranéen : une visite en 1829 dans la commune rurale de Barbizon, la première d'une longue série, le met en contact avec l'école naissante de peintres paysagistes qui y est installée, et lui permet d'apercevoir pour la première fois la rude forêt de Fontainebleau qui l'entoure. Les voyages à Chartres, à Ville d'Avray et en Normandie sont tout aussi importants, car ils lui permettent d'explorer les différents terrains de son pays d'origine et de perfectionner sa maîtrise de la lumière, de la composition et de la tonalité. Un second voyage de six mois en Italie - cette fois-ci vers le nord - lui permet d'atteindre des sommets stylistiques : bon nombre des œuvres majeures qui suivront sont remarquables non seulement pour leur cadre méditerranéen, mais aussi pour leur style néoclassique marqué, incorporant des motifs littéraires et religieux dans le cadre naturel, comme dans Hagar dans le désert (1835). Les paysages historiques de Corot des années 1830 étaient bien adaptés au Salon de l'époque, et il s'est progressivement forgé une réputation de peintre accompli de paysages à grande échelle.

Agar dans le désert (1835)

 La fin des années 1830 et le début des années 1840 sont une période d'ascension progressive de Corot dans le monde de l'art. Les premiers critiques sont souvent prudents dans leurs éloges de Corot, à l'exception notable d'Edmond de Goncourt et du poète Charles Baudelaire qui, dans sa revue du Salon de 1845, couronne Corot comme le chef de file de l'école du paysage moderne. À partir de ce moment, Corot s'intègre de plus en plus à la scène artistique parisienne, les importantes acquisitions de l'État et des membres de l'aristocratie contribuant à sa visibilité. Ses relations avec les instances officielles du monde de l'art sont renforcées par l'arrivée au pouvoir de Louis-Napoléon à la suite de l'insurrection de 1848, après laquelle Corot est élu au jury du Salon de 1849 ; en 1851, Philippe de Chennevières le déclare "le plus grand paysagiste de notre temps". Au Salon de 1851, Corot expose une œuvre qui marque un tournant dans sa carrière, Matin (1850). Acquise par Louis-Napoléon lui-même, cette peinture traite nominalement d'un thème mythologique, mais la narration est devenue secondaire par rapport aux effets atmosphériques nuancés pour lesquels Corot sera vénéré.

Forêt de Fontainebleau (1846)

L'année 1851 marque également la mort de la mère de Corot, quatre ans seulement après celle de son père. Le peintre avait été soutenu par ses parents jusqu'à la quarantaine et, à la mort de sa mère, il quitta enfin la maison familiale pour s'installer dans un nouvel appartement et un nouvel atelier à Paris. Renouant avec la liberté et la mobilité, il commence à voyager à travers la France, la Belgique, la Hollande et la Suisse, élargissant son cercle social à d'autres artistes et critiques, tels que le peintre de Barbizon Charles-François Daubigny. À partir du début des années 1950, Corot commence également à prendre des élèves, même si c'est de manière assez informelle. Ses élèves, dont l'impressionniste Camille Pissarro, le considèrent comme un professeur généreux et talentueux ; Daubigny, qui a passé un été chez Corot, le décrit dans une lettre à un ami comme "un parfait Vieillard Joyeux". Considéré par tous comme joyeux et chaleureux, Corot est entouré d'un groupe de critiques et d'artistes qui le soutiennent. L'écrivain Théophile Silvestre, cependant, avouera ses inquiétudes quant à la profondeur du contentement de Corot dans une monographie de 1853, écrivant que "Corot s'exagère quelquefois à lui-même la gaieté de son caractère, tandis que je vois la mélancolie si souvent présente dans ses ouvrages et l'expression de tristesse qui s'empare quelquefois de ses traits".

Matin (1850)

Période tardive

Corot (vers 1850) - publié dans L'Histoire des artistes vivants en 1853.

Les quinze dernières années de la vie de Corot ont été celles de son plus grand succès critique et commercial. Se tournant vers les motifs littéraires, il réalise un certain nombre de grandes compositions figuratives, telles que Macbeth (1858-59) et Dante et Virgile (1859), qui lui valent la réputation de "poète", ses tableaux étant décrits comme des "rêveries" et des "songes sur la nature". Cette phase de l'œuvre de Corot a été décrite par les critiques comme démontrant son extrême sensibilité à la nature, l'un d'entre eux allant même jusqu'à écrire : "Ce n'est pas un paysagiste, c'est le poète même du paysage [...] qui respire les tristesses et les joies de la nature". Certaines œuvres, comme Souvenir de Mortefontaine (1864), sont des inventions de l'atelier plutôt que des études d'après nature, bien qu'il ait également continué à peindre en plein air. L'œuvre de Corot des années 1860 représente également un mouvement considérable d'abandon de la couleur, car il simplifie de plus en plus sa palette, peignant parfois en quasi-monochrome, ce qui indique peut-être son nouvel intérêt pour la photographie et les clichés-verres (dessins rendus sur des plaques photographiques). Le public a pris conscience de ce changement, et une draperie parisienne a même commercialisé l'un de ses tissus sous le nom de "gris Corot".

Souvenir de Mortefontaine (1864)

À la fin des années 1860, Corot souffre d'un certain nombre de problèmes de santé qui l'empêchent de voyager. Enfermé dans son atelier, il commence à développer un autre aspect de sa pratique : la peinture de figures. Les œuvres figuratives de Corot témoignent de l'étendue de sa formation et de ses goûts, mêlant les leçons des maîtres de la Renaissance aux thèmes et aux atmosphères du romantisme littéraire. Alors que certaines de ses figures, comme Agostina (1866) et Sibylle (1870), sont posées pour des portraits en pied, d'autres peintures de figures intègrent les tropes de son travail de paysagiste, comme Repose (1859) et Bacchante au bord de la mer (1865), qui comprennent des figures de baigneurs à l'apparence mythique. Bien que Corot soit surtout connu comme paysagiste, ses peintures de figures étaient admirées par des artistes tels qu'Edgar Degas, qui écrivait à propos de Corot en 1883 : "[Il] est encore le plus fort. Il a tout prévu".

Un Corot plus âgé, capturé par le célèbre photographe Nadar. Malgré sa formation quelque peu conservatrice, Corot a expérimenté la technologie émergente de la photographie dans ses dernières années.

Les années 1870 voient la naissance du mouvement impressionniste et un changement dans la perception de l'œuvre de Corot par le public. Bien que toujours admiré et perçu à bien des égards comme un précurseur du nouveau style, son art est, presque par voie de conséquence, de plus en plus considéré comme appartenant au passé, une forme de peinture rétrograde liée à l'ère de la Troisième République. Cependant, au lieu d'être méprisée, son œuvre est louée avec nostalgie par les jeunes artistes, qui y voient l'emblème d'une époque plus simple, tandis que Corot lui-même acquiert une sorte de réputation de grand-père. L'affection que lui portent les jeunes artistes s'explique peut-être en partie par le fait qu'en tant que membre établi du jury du Salon, Corot a été un défenseur actif de l'impressionnisme tout au long des années 1860-70. Parallèlement, il est resté actif sur le plan créatif dans les années qui ont précédé sa mort, en 1875, des suites d'une maladie digestive. Sa contribution au Salon de 1874 lui vaut d'excellentes critiques et, selon l'historien de l'art Gary Tinterow, il "vit ses derniers jours comme s'il se préparait à la béatification", entouré d'étudiants, d'amis et d'admirateurs. Au cours des décennies suivantes, on se souviendra avec tendresse de Corot, élevé au rang d'une sorte de saint patron de la peinture de paysage française.

Sibylle (1870)

L'héritage de Jean-Baptiste-Camille Corot

Bien qu'il se soit présenté comme un homme en rupture avec le monde moderne, l'impact de Corot sur l'art des avant-gardes de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle ne doit pas être sous-estimé. Malgré son classicisme d'antan, il était considéré par ses collègues artistes et par des personnalités du monde de l'art comme Alfred Barr (fondateur du Museum of Modern Art de New York) comme un précurseur du modernisme. Barr affirmait que l'influence de Corot sur la trajectoire de la peinture européenne était comparable à celle de Paul Cézanne ; il est certain que le travail en plein air de Corot a joué un rôle fondamental dans la naissance de l'impressionnisme. Claude Monet a déclaré en 1897 qu'"il n'y a qu'un seul maître ici - Corot. Nous ne sommes rien à côté de lui, rien" ; au cours de la dernière décennie de sa vie, la génération impressionniste en est venue à l'appeler "Père Corot". Parmi ses propres élèves figuraient l'impressionniste Berthe Morisot - qui, malgré la restriction générale des femmes à la peinture d'intérieur, a hérité du goût de son maître pour la composition de paysages sur place - et Camille Pissarro, dont l'utilisation de la lumière pommelée et les coups de pinceau délicats portent les traces évidentes de l'influence de Corot. Corot doit être reconnu comme une figure centrale dans l'histoire de l'art moderne, un lien entre les traditions du néoclassicisme et les orientations qui ont suivi.

Corot avec son chevalet, peignant en plein air. A partir de L'Album des photographies dans l'intimité de personnages illustrés, 1845-1890.