Néo-impressionnisme

Début : 1884

Fin : 1935

Les débuts du néo-impressionnisme

Georges Seurat et le chromoluminarisme

Au milieu des années 1880, estimant que l'accent mis par l'impressionnisme sur les jeux de lumière était trop étroit, une nouvelle génération d'artistes, dont Georges Seurat, Paul Gauguin, Henri Toulouse-Lautrec et Vincent van Gogh, que l'on appellera plus tard les post-impressionnistes, a commencé à développer de nouvelles approches de la ligne, de la couleur et de la forme. En 1879, après avoir quitté l'École des Beaux-Arts où il avait étudié pendant un an, Seurat a déclaré qu'il voulait "trouver quelque chose de nouveau, ma propre façon de peindre". Il apprécie particulièrement l'intensité de la couleur en peinture et prend des notes détaillées sur l'utilisation de la couleur par le peintre Eugène Delacroix. Il commence à étudier la théorie des couleurs et la science de l'optique et s'engage dans une voie qui le conduira à développer un nouveau style qu'il appellera le chromoluminarisme.

La théorie du néo-impressionnisme

Les découvertes du "mélange optique" et du "contraste simultané" dont Seurat a pris connaissance constituent le fondement théorique du chromoluminarisme, qui sera connu sous le nom de néo-impressionnisme. Alors qu'il travaille à la teinturerie des Gobelins à Paris, Michel-Eugène Chevreul doit répondre aux plaintes des clients concernant la qualité de la couleur du fil. En essayant de résoudre ce problème, il a découvert le principe du "contraste simultané", c'est-à-dire l'effet de la couleur d'un fil voisin sur la perception de la couleur d'un autre fil. Chevreul a ensuite écrit Les principes de l'harmonie et du contraste des couleurs en 1839. Modern Chromatics d'Ogden Rood traite de la manière dont l'œil de l'observateur "mélange" les couleurs adjacentes, et Phenomena of Vision de David Sutter (1880) établit des règles pour la relation entre la peinture et la science. Pour obtenir les couleurs les plus brillantes et un effet chatoyant, le néo-impressionnisme s'appuie sur l'application de points ou de coups de pinceau de couleurs complémentaires sur la toile. Plutôt que de mélanger des pigments sur une palette, les peintres néo-impressionnistes se faient à l'œil du spectateur pour "mélanger" les couleurs qui apparaissent sur la toile.

Bien que certaines de ces théories soient aujourd'hui considérées comme quasi-scientifiques, elles semblaient à l'époque à la pointe du progrès. Seurat pensait avoir découvert la science de la peinture, une science qui exigeait une discipline et une application précise et qui permettait d'obtenir une intensité de couleur. Il applique sa théorie des couleurs et une nouvelle technique qu'il appelle le balayé, des touches croisées pour appliquer des couleurs mates, dans ses Baigneurs à Asnières de 1884, une œuvre monumentale qui représente un certain nombre d'ouvriers se baignant dans la rivière par une chaude journée d'été.

Par la suite, Seurat commence à travailler sur Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte (1884) en réalisant de nombreuses études et esquisses préliminaires. Représentant la bourgeoisie dans le parc le long de la rivière, l'œuvre utilise le style pointilliste développé par Seurat - de minuscules points de couleurs complémentaires placés les uns à côté des autres.

Georges Seurat : Un dimanche après-midi à la Grande Jatte (1884-86)

En 1890, Seurat publie Esthetique, son ouvrage fondateur de la théorie scientifique des couleurs du néo-impressionnisme. D'autres néo-impressionnistes continueront à explorer cette base scientifique ; par exemple, vers 1887, Albert Dubois-Pillet développe l'idée du passage, où le pigment séparé de chacune des couleurs primaires crée un passage entre les différentes teintes.

Albert Dubois-Pillet : La Dame à la robe blanche (Femme en blanc) (1886-87)

Le premier cercle des néo-impressionnistes

En 1884, l'artiste Paul Signac rencontre Seurat et devient un ardent défenseur de sa théorie des couleurs et de sa méthode de travail systématique. Si Seurat est le théoricien rigoureux et réservé du mouvement, Signac en est le leader et l'avocat extraverti. Les deux hommes travaillaient en étroite collaboration et c'est Signac qui a inventé le nom de "pointillisme".

Henri-Edmond Cross : L'air du soir (vers 1893)

En 1885, Seurat présente Baigneuses à Asnières au Salon, l'exposition officielle de l'Académie des Beaux-Arts, mais le comité le rejette. Non seulement la composition formelle, l'échelle monumentale et la technique expérimentale du tableau les laissent perplexes, mais la représentation par Seurat d'ouvriers de la classe inférieure en train de se détendre irrite la bourgeoisie et les académiciens. Par la suite, Seurat et Signac, ainsi qu'Albert Dubois-Pillet et Odilon Redon, ont cofondé le Salon des Indépendants en réponse à ce rejet. Camille Pissarro rencontre Seurat et Signac en 1885 et lui et son fils, l'artiste Lucien Pissarro, ainsi que Henri-Edmond Cross et Charles Angrand, deviennent le premier groupe de néo-impressionnistes.

Les débuts du néo-impressionnisme

L'année 1886 marque un tournant dans le monde de l'art, car la huitième et dernière exposition impressionniste marque également l'avènement du néo-impressionnisme avec l'exposition du tableau de Seurat, Un dimanche après-midi sur la Grande Jatte, qui vient d'être achevé. Seul artiste à avoir participé aux huit expositions impressionnistes, Pissarro a invité Seurat à participer à l'exposition.

Camille Pissarro: La Récolte des Foins, Éragny (1887)

Un dimanche après-midi sur la Grande Jatte est également présenté au Salon de la Société des Artistes Indépendants, où il attire encore plus l'attention, notamment celle du critique d'art Félix Fénéon, qui invente le terme "néo-impressionnisme" et devient un ardent défenseur du mouvement dans les années qui suivent. D'autres artistes français, tels que Maximilien Luce, Léo Gausson et Louis Hayet, se joignent également au mouvement

Néo-impressionnisme, anarchisme et Arcadie

Bien que les opinions politiques de Seurat ne soient pas tout à fait claires, le néo-impressionnisme a été dès le début fortement lié au mouvement anarchiste, qui avait un fort ancrage en France et dans la communauté artistique. Avant de devenir critique d'art à La Revue Blanche, Félix Fénéon était déjà célèbre pour ses sympathies anarchistes. Arrêté avec vingt-neuf autres personnes, uniquement pour leurs opinions anarchistes, et accusé de complot dans l'assassinat de Sadi Carnot, le président français, tous les trente ont été déclarés non coupables. À la suite de ce procès, Fénéon acquiert une formidable réputation d'indépendance d'esprit et de défi aux conventions sociales. En tant que critique, il associe le néo-impressionnisme à la défense de l'anarchisme.

Dans les années 1880, Signac devient un anarchiste convaincu, soutenant financièrement le mouvement et écrivant, avec Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce et Camille Pissarro, pour le journal anarchiste Les Temps Nouveaux. Il lit Élisée Reclus et Pierre Kropotkine, tous deux géographes radicaux, ainsi que Pierre-Joseph Proudhon, qui prônent tous une société utopique fondée sur les petits groupes et la libre association. Ces anarchistes ont donné un élan supplémentaire à l'idée de Signac selon laquelle l'œuvre néo-impressionniste était liée à une harmonie dérivée de la liberté humaine dans un environnement naturel, ce qui a influencé une grande partie de leur sujet. En outre, la recherche scientifique des artistes complète leurs opinions anarchistes en les libérant des goûts imposés par la bourgeoisie.

Le renouveau du néo-impressionnisme : Changements stylistiques

Seurat meurt jeune en 1891 et Signac devient le chef de file putatif du groupe. La publication du manifeste de Signac, D'Eugène Delacroix au néo-impressionnisme, entraîne une renaissance du mouvement en 1898, qui devient un mouvement international, encore une fois allié à des sympathies anarchistes. Le manifeste, ainsi que ses œuvres comme Saint-Tropez, l'orage (1895), attirent une nouvelle génération d'artistes, dont Henri Matisse. Signac devient président de la Société des Artistes Indépendants en 1908 et conserve ce poste, où il défend le néo-impressionnisme, jusqu'en 1934, l'année précédant sa mort.

Henri Matisse : Luxe, Calme et Volupté (1904)

Signac et Cross ont également créé des changements stylistiques dans le néo-impressionnisme qui ont eu un grand impact sur d'autres artistes. Signac commence à utiliser des couleurs luxuriantes, comme on peut le voir dans son Capo di Noli de 1898 avec ses montagnes roses, et, au lieu de peindre en points, il utilise de petits coups de pinceau qui permettent une flexibilité dynamique. Dans son paysage The Golden Isles, achevé entre 1891 et 1892, Cross utilise des coups de pinceau ronds de différentes tailles pour créer un sens de la perspective à mesure que les plus petits points s'approchent de l'horizon. L'influence des estampes japonaises Ukiyo-e se fait également sentir dans la hauteur de l'horizon, et l'œuvre est remarquable par sa qualité quasi abstraite. Mais c'est l'effet mosaïque de ses œuvres, comme La Plage de Saint-Clair de 1896, qui a le plus influencé ses contemporains. Pour créer cet effet, Cross utilisait des coups de pinceau courts et larges qui ressemblaient à de petits blocs et laissaient de petites zones de la toile non peintes. L'accent est mis sur la séparation des couleurs contrastées plutôt que sur leur mélange. Cross se sentait, comme il l'a dit, "beaucoup plus intéressé par la création d'harmonies de couleurs pures que par l'harmonisation des couleurs d'un paysage particulier ou d'une scène naturelle".

Le néo-impressionnisme : Concepts, styles et tendances

Dans les années 1890, le néo-impressionnisme est devenu un mouvement international, adopté par de nombreux artistes européens. Le mouvement est resté remarquablement cohérent dans sa dépendance à la théorie des couleurs et dans son utilisation de petits points ou de petits coups de pinceau. C'est pourquoi il est préférable d'organiser son développement en fonction des interprétations régionales.

Le néo-impressionnisme français

En France, le néo-impressionnisme a attiré un grand nombre d'artistes de générations successives, bien que chacun d'entre eux ait adapté le style à ses propres préoccupations. Quelques impressionnistes, dont Camille Pissarro et Charles Angrand, reprennent le mouvement. Pissarro, en utilisant la technique du pointillisme, conserve l'accent mis sur la vie rurale et le travail des paysans. Angrand utilise une palette plus sourde pour représenter les ombres et les tons, comme le montre son Couple dans la rue de 1887. Maximilien Luce dépeint des scènes plus contemporaines, souvent passionnées, avec d'intenses contrastes de lumière.

Paul Signac : Sur l'émail d'un fond rythmé par des battements et des angles, des tons et des teintes, Portrait de Félix Fénéon (1890)

Dans les années 1890, avec le renouveau du mouvement, une nouvelle génération d'artistes est influencée par le néo-impressionnisme. Les œuvres de Cross, qui ressemblent à des mosaïques, influencent Signac, ainsi que des artistes plus jeunes comme Henri Matisse, Henri Manguin, Jean Metzinger, Robert Delaunay et André Derain. Ces artistes ont également adapté individuellement le style, comme on peut le voir dans l'utilisation par Metzinger et Delaunay de petits coups de pinceau pour ressembler à de petits cubes de couleur, et dans l'évolution de Matisse vers une palette de couleurs de plus en plus intenses.

Le néo-impressionnisme belge

L'impressionniste belge Théo Van Rysselberghe a été stupéfait par Un dimanche après-midi sur la Grande Jatte de Seurat lorsqu'il l'a vu à Paris en 1886. Avec un groupe d'autres artistes, dont Georges Lemmen, Xavier Mellery, Willy Schloback, Henry Clemens van de Velde, Alfred William Finch et Anna Boch, il introduit le style dans le monde de l'art belge, où il exerce une influence considérable. De ses voyages au Maroc, il a créé un certain nombre de paysages pointillistes, mais c'est son Portrait d'Alice Sethe de 1888 qui est devenu son œuvre emblématique. Grâce à son influence, le portrait est devenu un aspect important du néo-impressionnisme belge.

Alfred William Finch, membre fondateur des Vingt, un groupe bruxellois qui tentait de libérer l'art belge des traditions nationalistes étroites en se concentrant sur les modèles contemporains français, a vu les œuvres de Seurat et de Signac à l'exposition des Vingt en 1886, et en est également devenu l'un des principaux partisans. Représentant un ciel vide au-dessus d'une mer déchaînée, son tableau Breaking Waves at Heyst (1891) met fortement l'accent sur les motifs et les dessins, qui ont un effet aplatissant et décoratif. L'accent mis sur le motif des couleurs est également apparent dans l'œuvre de Henry Clemens van de Velde.

Néo-impressionnisme néerlandais

De 1882 à 1890, l'artiste Jan Toorop étudie à Bruxelles où il découvre les œuvres de Seurat et de Signac. Il développe un style individuel qui synthétise le divisionnisme avec d'autres influences artistiques qu'il a rencontrées, et est reconnu comme un innovateur important en Hollande. Son tableau néo-impressionniste de 1889, Broek in Waterland, représentant un couple dans une barque le long d'un canal au coucher du soleil, comporte un fort élément de conception et de motif. Il rejoint le Cercle artistique de La Haye et participe à l'organisation d'une exposition qui présente des œuvres de Seurat, Signac, Pissarro, Rysselberghe, Van de Velde et d'autres. L'exposition a reçu un accueil très favorable et a été visitée par Van de Velde, qui a noué un certain nombre de relations importantes avec des artistes néerlandais. C'est ainsi que les jeunes artistes Johan Joseph Aarts, Petrus Bremmer et Jan Vijibrief deviennent des néo-impressionnistes. Bremmer a exercé une influence considérable en tant qu'enseignant et écrivain, préconisant l'utilisation d'une palette claire et lumineuse.

Vincent van Gogh : Autoportrait au chapeau de feutre (1888)

Cependant, les artistes néerlandais les plus novateurs qui ont adopté le pointillisme au début de leur carrière sont Vincent van Gogh et Piet Mondrian. Van Gogh a rencontré Signac en 1887 à Paris et a adopté des éléments du style dans son expression très individualisée. Mondrian, d'une génération d'artistes plus tardive, a adopté le style et a écrit en 1909 : "Je crois qu'à notre époque, il est absolument nécessaire que, dans la mesure du possible, la peinture soit appliquée en couleurs pures placées les unes à côté des autres d'une manière pointilliste ou diffuse". C'est une affirmation forte, mais qui se rapporte à l'idée qui est à la base d'une expression significative dans la forme. Les deux artistes ont dépassé le divisionnisme pour explorer et développer d'autres moyens artistiques.

Le néo-impressionnisme italien

L'artiste et critique d'art Vittore Grubicy de Dragon introduit le divisionnisme auprès des artistes italiens à la fin des années 1880. Il passe les années 1882-1885 aux Pays-Bas, où il rencontre l'artiste Anton Mauve, cousin par alliance de Vincent van Gogh et défenseur du mouvement, et subit son influence. Lors de la première Triennale de Milan en 1891, deux œuvres divisionnistes retiennent l'attention. Giovanni Segantini, qui jouit d'une réputation internationale, expose Les deux mères (1889), qui reçoit un accueil très favorable, tandis que la Maternité (1890-1891) de Gaetano Previati est violemment attaquée. Previati avait intensément étudié le divisionnisme et avait écrit le seul ouvrage scientifique sur cette technique à l'époque. Tout en ayant une connaissance approfondie de la perception de la couleur, il pensait qu'en utilisant des couleurs intenses pour capter l'attention de l'œil, une résonance émotionnelle et spirituelle serait ressentie. Motherhood est aujourd'hui considéré comme la première œuvre du néo-impressionnisme italien et comme un tournant pour l'art moderne italien, avec son engagement dans le symbolisme et son influence sur l'art nouveau et l'expressionnisme italiens.

Le divisionnisme se concentre principalement sur l'Italie du Nord et, bien que les œuvres soient souvent axées sur le paysage, elles reflètent l'affirmation de Segantini selon laquelle l'art n'a "rien à voir avec l'imitation du réel, car la création n'est possible que grâce à l'impulsion de l'esprit et de l'âme humaine". Le Miroir de la vie (1895-1898) de Giuseppe Pelizza da Volpedo, représentant un troupeau de moutons dans un paysage, a été décrit par l'artiste Cesare Viazzi comme transmettant "le sens vivant du calme parfait dû au doux abandon des événements prédestinés par la nature". De nombreuses œuvres étaient symbolistes, ou du moins allégoriques, et l'intention était également de répondre aux conditions sociales. L'œuvre la plus célèbre de Pelizza est Il Quarto Stato (Le Quatrième État), publié en 1901. Intitulée à l'origine Le chemin des travailleurs et représentant une grève, l'œuvre est devenue un symbole de ralliement pour le mouvement socialiste italien.

Le néo-impressionnisme allemand et autrichien

Les années 1890 en Allemagne et en Autriche marquent l'ère des Sécessions, des mouvements artistiques qui rompent avec le conservatisme des académies officielles et mettent l'accent sur l'art moderne. La Sécession de Munich de 1892, la Sécession de Vienne de 1897 et la Sécession de Berlin de 1898 n'ont pas de manifeste et exposent les œuvres de tous les mouvements contemporains, le néo-impressionnisme y occupant une place prépondérante. Des artistes comme le Berlinois Curt Hermann adoptent ce style, tout en le combinant avec le naturalisme de la peinture en plein air.

Cependant, c'est sur une jeune génération d'artistes que le style a eu le plus d'influence. Après la traduction en allemand du livre de Signac De Delacroix au néo-impressionnisme en 1903 et l'exposition néo-impressionniste de 1904, l'expressionniste Ernst Ludwig Kirchner a peint des œuvres divisionnistes comme Le lac du parc à Dresde (1906). D'autres jeunes artistes adoptent le style, comme en témoignent la Route de campagne au printemps (1905) de Karl Schmidt-Rottluf et L'Elbe à Dresde (1905) d'Erick Heckel, et le rapprochent de l'expressionnisme, comme en témoignent les coups de pinceau furieux de Heckel pour dépeindre l'eau en mouvement. Pour ces artistes, le néo-impressionnisme était un style international qui brisait la domination de l'art impressionniste, permettant aux artistes de se concentrer sur les propriétés et les effets potentiels de la couleur seule.

Développements ultérieurs - Après le néo-impressionnisme

Même après la mort de Seurat en 1891, le néo-impressionnisme a eu une grande influence, à la fois sur des artistes individuels et sur le développement de mouvements artistiques tels que l'Art nouveau, le fauvisme, le cubisme, Die Brücke, l'orphisme, le futurisme italien et le mouvement vers l'abstraction. Comme l'écrit l'historienne de l'art Claire Maignon, "le néo-impressionnisme a fait preuve d'une capacité d'abstraction - au sens de "soustraire à" - qui était un élément constitutif de sa modernité. Il extrait du monde des qualités formelles, des archétypes universels, des sensations colorées et des lignes qui seront les points de départ de nombreuses expérimentations modernistes". Alors que de nombreux artistes ont adopté cette technique avant de passer à d'autres styles, Signac, l'un des premiers néo-impressionnistes, a continué à peindre dans ce style jusqu'à sa mort en 1935.

L'accent mis par le mouvement sur la couleur et les sensations qu'elle évoque chez le spectateur a encouragé une rupture avec les représentations naturalistes de la couleur. Le fauvisme a fait ses débuts dans Luxe, calme et volupté de Matisse en 1904. D'autres chefs de file du fauvisme, comme André Derain et Maurice de Vlaminck, ont peint des paysages divisionnistes, comme les Chambres du Parlement de Derain en 1906.

Delaunay et Metzinger, entre autres, ont développé les petits coups de pinceau du néo-impressionnisme ultérieur pour créer de petites formes cubiques. Ces petits "cubes" et l'importance accordée par Seurat à la géométrie dans la peinture ont influencé Metzinger dans son évolution vers le cubisme. Le cubisme de Georges Braque a également été influencé par la géométrie de Seurat. L'intérêt de Delaunay pour la couleur pure a conduit au développement de l'orphisme, comme le montre son Paysage au disque (1906-1907) avec son soleil rayonnant aux anneaux concentriques, une image qui est devenue son emblème artistique.

Le néo-impressionniste belge Finch devint ensuite céramiste et travailla en Finlande, où il contribua à développer le style Art nouveau de la région. Les motifs colorés néo-impressionnistes ont également influencé Henry Clemens van de Velde, qui devint plus tard l'un des fondateurs de l'Art nouveau belge. L'effet décoratif et le motif de l'arabesque dans les dernières œuvres de Signac ont exercé une influence déterminante sur le développement de l'Art nouveau parmi les artistes des Sessions de Vienne, de Munich et de Berlin.

En Allemagne, Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluf et Erick Heckel ont commencé par être des néo-impressionnistes. Ces trois artistes, ainsi que d'autres, ont ensuite fondé le mouvement artistique Die Brücke. Wassily Kandinsky admire la théorie des couleurs et le mouvement, qu'il décrit comme le désir de "représenter l'ensemble de la nature dans toute sa gloire et sa splendeur", et adopte le style dans ses premières œuvres. Piet Mondrian et Kazimir Malevitch ont également travaillé dans le style divisionniste au début de leur carrière, ce qui a influencé leur travail ultérieur, qui s'éloigne de la figuration.

En 1901, les artistes italiens Gino Severini et Umberto Boccioni sont initiés par Giacomo Balla à ce qu'il appelle la peinture en lumière "divisée" et commencent à peindre dans le style divisionniste. L'accent mis sur la décomposition de la lumière a influencé le développement par les trois artistes du futurisme italien dans sa décomposition du mouvement. Le Réverbère de Balla de 1909 est à la fois une œuvre futuriste dynamique et une application de la technique divisionniste.

Paul Klee a adopté le pointillisme et a continué à développer la théorie des couleurs dans son enseignement au Bauhaus dans les années 1920. La technique et la théorie des couleurs sont visibles dans les couleurs vives mais contrastées et les petits cubes d'un certain nombre de ses œuvres, y compris son tableau de 1932, Ad Paranassum.

Les techniques et théories néo-impressionnistes ont exercé une influence continue sur les artistes plus contemporains. L'artiste pop américain Roy Lichtenstein a créé des œuvres comme Drowning Girl (1963) en utilisant des motifs de points au pochoir qui rappellent non seulement le processus d'impression des journaux et des magazines, mais aussi les points de couleur des peintures néo-impressionnistes. Les artistes américains et amis proches Chuck Close et John Roy ont tous deux incorporé le pointillisme au photoréalisme. À l'aide d'une grille, Close a utilisé une variété de "points", allant des pixels aux cellules, pour créer ses œuvres. L'artiste néerlandais Ger van Elk a créé un certain nombre de ce qu'il appelle des écrans plats, des images en mouvement basées sur les peintures de Seurat, Signac et Cross, Snow over Seurat et La Grève de Bas-Butin à Honfleur de Seurat, toutes deux présentées simultanément en 2004 à Amsterdam.

Enfin, le tableau de Seurat intitulé Sunday Afternoon on La Grande Jatte se retrouve souvent dans la culture populaire. La comédie musicale de Steven Sondheim, Sunday Afternoon in the Park with George (1984), qui a remporté le prix Pulitzer et deux Tony Awards, est basée sur le tableau. L'œuvre est apparue dans des films, comme Barbarella (1968) et, de manière significative, dans Ferris Bueller's Day Off en 1986. Des dessins animés comme Looney Tunes, Bob l'éponge et Les Simpson l'ont tous parodié, de même que des livres pour enfants et des émissions comme Babar l'éléphant et Rue Sésame. D'innombrables couvertures de magazines ont recréé l'image.