Rococo

Début : 1702

Fin : 1780

Les débuts du rococo

En peinture, le rococo a été principalement influencé par l'utilisation de la couleur, des sujets érotiques et des paysages arcadiens de l'école vénitienne, tandis que l'école de Fontainebleau a été à l'origine de la décoration intérieure rococo.

L'école vénitienne

Concert pastoral du Titien (vers 1509)

Les célèbres peintres Giorgione et Titien, entre autres, ont influencé la période rococo en mettant l'accent sur les couleurs tourbillonnantes et les sujets érotiques. Le Concert pastoral (vers 1509), d'abord attribué à Giorgione, mais aujourd'hui considéré par la plupart des spécialistes comme l'une des premières œuvres de Titien, a été classé comme Fête champêtre par le Louvre lorsqu'il est entré pour la première fois dans les collections du musée. Cette œuvre de la Renaissance, qui représente deux femmes nues et deux hommes aristocrates jouant de la musique dans un paysage pastoral idéalisé, a fortement influencé le développement de la Fête galante du Rococo. Le terme fait référence à des peintures historiques de plaisirs passés et a été popularisé par les œuvres de Jean-Antoine Watteau.

École de Fontainebleau 1528-1630

En 1530, le roi François Ier, grand mécène, invita l'artiste italien Rosso Florentino à la cour de France où, pionnier du style maniériste français, Rosso fonda l'école de Fontainebleau. L'école s'est fait connaître pour son style unique de décoration intérieure, dans lequel tous les éléments créent une unité hautement chorégraphiée. Rosso a été le premier à utiliser de grands reliefs en stuc comme cadres, ornés de motifs décoratifs et dorés qui allaient fortement influencer l'accent mis par le rococo sur les décors élaborés.

L'éléphant royal (vers 153-159) de Rosso Florentino est l'une des nombreuses peintures de la galerie du château de Fontainebleau qui utilisent le relief du stuc pour créer un effet d'ensemble ornemental.

La dorure était une contribution essentielle de Fontainebleau, apportant une splendeur exquise aux objets, comme le montre la célèbre Salière de Benevento Cellini (1543), que François Ier avait commandée en or. Même les éléments les plus simples des intérieurs rococo sont mis en valeur, comme en témoigne la popularité des horloges à cartel, qui sont intégrées dans des décors complexes ressemblant à des sculptures et qui complètent harmonieusement l'aspect et l'atmosphère des intérieurs environnants.

Le boîtier de cette pendule en cartel (vers 1740-1745) a été conçu par Charles Cressent pour une pendule fabriquée par Jean Godde l'aîné.

L'ère du design rococo

Le rococo a fait ses débuts dans la décoration intérieure lorsque le graveur Pierre Le Pautre a travaillé avec l'architecte Jules Hardouin-Mansart au château de Marly (1679-1684), puis à Versailles en 1701 lorsqu'il a redessiné les appartements privés de Louis XIV. Le Pautre a été le premier à utiliser des arabesques, en utilisant une ligne en forme de s ou de c, placées sur des murs et des plafonds blancs. Il a également utilisé des panneaux encastrés avec des boiseries dorées, créant ainsi un style fantaisiste et plus léger. Le Pautre était principalement connu comme ornemaniste, ce qui reflète le rôle populaire à l'époque des artisans dans le développement d'un style hautement décoratif.

L'aménagement intérieur de l'antichambre de l'Œil-de-Bœuf (1701) par Pierre Le Pautre est exemplaire, tandis que les deux fenêtres rondes situées à chaque extrémité ont donné leur nom à la chambre.

Sous le règne de Louis XIV, la France était devenue la puissance européenne dominante, et la combinaison d'une grande richesse et d'une stabilité paisible a conduit les Français à s'intéresser à leurs affaires personnelles et à la jouissance des plaisirs mondains. À la mort du roi en 1715, son héritier Louis XV n'avait que cinq ans. La Régence, dirigée par le duc d'Orléans, a donc gouverné la France jusqu'à la majorité du dauphin. Le duc est connu pour son mode de vie hédoniste et l'esthétique rococo semble être l'expression parfaite de la sensibilité de l'époque. En montant sur le trône en 1723, Louis XV est également devenu un partisan et un mécène notoire de l'architecture et du design rococo. La France étant le centre artistique de l'Europe, les cours artistiques des autres pays européens ne tardent pas à lui emboîter le pas en s'enthousiasmant pour des embellissements similaires.

Le Portrait de Louis XV en Dauphin (1720-1721) de Rosalba Carriera a révolutionné l'art du portrait royal en mettant l'accent sur l'attrait décoratif plutôt que sur les représentations puissantes des souverains.

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau est le fer de lance du rococo en peinture. Né à Valenciennes, un petit village provincial de Belgique qui venait d'être rattaché à la France, sa précocité en matière d'art et de dessin lui vaut d'être apprenti chez un peintre local. Il se rend ensuite à Paris où il gagne sa vie en réalisant des copies d'œuvres de Titien et de Paolo Véronèse. Il entre dans l'atelier de Claude Audran, décorateur réputé, où il rencontre et devient le collaborateur artistique de Claude Gillot, connu pour ses décors de commedia dell'arte, c'est-à-dire de théâtre comique. De ce fait, l'œuvre de Watteau exprime souvent une approche théâtrale, montrant des personnages en costume dans des décors de fond, éclairés par des lumières artificielles.

Le Portrait d'Antoine Watteau (1721) de Rosalba Carriera représente l'artiste dans la dernière année de sa vie, alors qu'il meurt de la tuberculose à l'âge de 36 ans. L'œuvre illustre également les portraits au pastel dont Carriera a été la pionnière.

En 1712, Watteau se présente au concours du prix de Rome de l'Académie royale de peinture et de sculpture, qui l'admet comme membre à part entière. Son "morceau de réception" pour l'Académie, l'Embarquement pour Cythère (1717), lance effectivement le mouvement rococo. L'Académie inventa le terme Fête galante pour désigner l'œuvre, établissant ainsi la catégorie qui allait devenir un élément dominant de la peinture rococo. Les peintures de la Fête galante décrivent la fête champêtre, ou garden party, populaire parmi la classe aristocratique, où, habillés comme pour un bal ou portant des costumes, ils boivent, dînent et se livrent à des activités amoureuses dans les jardins et les parcs arcadiens. Le sujet artistique ne plaisait pas seulement aux mécènes privés, mais ses paysages et décors mythologiques répondaient aux normes de l'Académie, qui classait la peinture historique, y compris les sujets mythologiques, dans la catégorie la plus élevée.

L'Embarquement pour Cythère (1717) d'Antoine Watteau, qui représente des couples d'aristocrates sur Cythère, une île mythologique de l'amour, a créé une nouvelle catégorie de peinture.

Claude Audren est le gardien officiel du palais du Luxembourg et, en travaillant avec lui, Watteau copie la série de vingt-quatre tableaux de la Vie de Marie de Médicis (1622-25) de Pierre Paul Ruben, qui est exposée au palais. La série de Rubens, qui combine des figures allégoriques et des sujets mythologiques avec des représentations de la reine et de la cour aristocratique, continue d'inspirer le travail de Watteau. Rubens avait été le premier à utiliser la technique des trois crayons, c'est-à-dire des trois craies, une technique utilisant le rouge, le noir et le blanc pour créer des effets colorés. Watteau maîtrisa cette technique à tel point que son nom y fut associé et qu'elle fut largement adoptée par les artistes rococo ultérieurs, dont François Boucher.

L'œuvre d'Antoine Watteau, Un homme couché et une femme assise par terre (vers 1716), illustre sa technique des trois craies et ce que Timothy Potts, conservateur d'art, a décrit comme "la fraîcheur et la spontanéité assurée".

François Boucher

Influencé par Rubens et Watteau, François Boucher est devenu l'artiste le plus renommé de la période rococo de la maturité, qui commence en 1730 et dure jusqu'aux années 1760. Connu pour ses peintures qui combinent l'élégance aristocratique avec des traitements érotiques du nu, comme dans sa Toilette de Vénus (1751), il a également été influent dans les arts décoratifs, les décors de théâtre et la conception de tapisseries. Nommé premier peintre du roi en 1765, il est surtout connu pour son association de longue date avec Madame de Pompadour, première maîtresse officielle du roi Louis XV et mécène notoire. Grâce à sa maîtrise de l'art et du design rococo et à son patronage royal, Boucher est devenu "un de ces hommes qui représentent le goût d'un siècle, qui l'expriment, le personnifient et l'incarnent", comme l'ont écrit les célèbres auteurs Edmond et Jules de Goncourt.

Madame de Pompadour

Dans Jeanne-Antoinette Poisson, marquise de Pompadour (1746), Jean-Marc Nattier représente son sujet sous les traits de la déesse Diane chasseresse, allusion au fait que la Pompadour avait attiré l'attention du roi lors d'une chasse dans la forêt de Sénart.

Madame de Pompadour, née Jeanne-Antoinette Poisson, a été appelée la "marraine du rococo", en raison de son rôle central dans la promotion du style et dans l'établissement de Paris en tant que capitale artistique de l'Europe. Elle a influencé les applications ultérieures du rococo en parrainant des artistes tels que Jean-Marc Nattier, le sculpteur Jean-Baptiste Pigalle, le créateur de papiers peints Jean-Baptiste Réveillon et le graveur de pierres précieuses Jacques Guay. Première maîtresse officielle du roi de 1745 à 1751, elle est restée sa confidente et sa conseillère de confiance jusqu'à sa mort, à l'âge de 42 ans, des suites de la tuberculose. Son rôle et son statut sont devenus la définition de facto du mécénat royal.

Rococo : Concepts, styles et tendances

Le rococo français

La France a été le centre du développement du rococo. En matière de design, le salon, une pièce destinée à recevoir mais aussi à impressionner les invités, constitue une innovation majeure. L'exemple le plus célèbre est La Salon de la Princesse (1735-1740) de Charles-Joseph Natoire et Germain Boffrand dans la résidence du Prince et de la Princesse de Soubise. Les murs blancs, le bois doré et les nombreux miroirs de l'intérieur cylindrique créent un effet de légèreté et d'aération. Les décors arabes, qui font souvent allusion à des motifs romains, des cupidons et des guirlandes, sont présentés dans des stucs dorés et des plaques en relief. Les courbes asymétriques, parfois dérivées de formes organiques telles que les coquillages ou les frondes d'acanthe, sont élaborées et exagérées. L'importance minimale accordée à l'architecture et maximale accordée au décor deviendra la pierre angulaire du mouvement rococo.

Cette photographie montre le plafond doré et orné de La Salon de la Princesse (1735-1740) de Charles-Joseph Natoire et Germain Boffrand.

La peinture était un élément essentiel du mouvement rococo en France, et les grands peintres qui ont dirigé ce style, Antoine Watteau suivi de François Boucher, ont influencé tous les éléments du design, des intérieurs aux tapisseries en passant par la mode. Parmi les autres artistes de renom, citons Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier et François Lemoyne. Lemoyne était connu pour ses peintures allégoriques historiques, comme en témoigne son Apothéose d'Hercule (1733-1736) peinte sur le plafond du Salon d'Hercule à Versailles. L'une des caractéristiques de la peinture rococo française est la manière dont un certain nombre de familles d'artistes célèbres, comme les van Loos et les Coypel, ont maintenu un style et des sujets cohérents dans leurs ateliers.

L'Apothéose d'Hercule de François Lemoyne (1733-1736)

Le rococo italien

La peinture a pris la tête du rococo italien, illustré par les œuvres de l'artiste vénitien Tiepolo. Combinant l'accent mis par l'école vénitienne sur la couleur avec la quadratura, ou peinture de plafond, les chefs-d'œuvre de Tiepolo étaient des fresques et de grands retables. Célèbre dans toute l'Europe, il a reçu de nombreuses commandes royales, comme sa série de peintures de plafond dans la Résidence de Wurzburg en Allemagne, et son Apothéose de la monarchie espagnole (1762-1766) dans le Palais royal de Madrid.

La Venise de Canaletto : Santa Maria della Salute (vers 1740) est un exemple de son style, combinant les effets de la lumière avec une observation précise de l'architecture et des caractéristiques de la ville.

Le rococo italien était également réputé pour ses grands paysagistes connus sous le nom de "peintres de vues", en particulier Giovanni Antonio Canal, connu simplement sous le nom de Canaletto. Il a été le premier à utiliser la perspective linéaire à deux points en créant des scènes populaires des canaux et de l'apparat de Venise. Ses œuvres, telles que Venise : Santa Maria della Salute (vers 1740), étaient très demandées par les aristocrates anglais. Dans les années 1700, les jeunes aristocrates anglais avaient pris l'habitude de faire le "Grand Tour", c'est-à-dire de visiter les sites les plus célèbres d'Europe afin d'apprendre les racines classiques de la culture occidentale. Ces voyages ont donné naissance à une sorte de tourisme aristocratique, et Venise, célèbre pour son atmosphère de carnaval hédoniste et ses vues pittoresques, était l'une des étapes les plus appréciées. Ces jeunes aristocrates étaient aussi souvent des collectionneurs d'art et des mécènes, et la plupart des œuvres de Canaletto ont été vendues à un public anglais. En 1746, il s'est installé en Angleterre pour se rapprocher de son marché de l'art et y a vécu pendant près d'une décennie.

L'Été de Rosalba Carriera (vers 1725) fait partie d'une série représentant les saisons, chacune symbolisée par une figure nymphale.

Les portraits au pastel de Rosalba Carriera, tant en miniature qu'en taille réelle, ainsi que ses œuvres allégoriques étaient demandés dans toute l'Europe, puisqu'elle était invitée dans les cours royales de France, d'Autriche et de Pologne. Elle a été la première à utiliser le pastel, auparavant réservé aux dessins préparatoires, comme support de peinture et, en liant la craie en bâtonnets, elle a développé une gamme plus large de traits et de couleurs préparées. Son Portrait de Louis XV en Dauphin (1720-1721) établit le nouveau style de portrait rococo, mettant l'accent sur l'attrait visuel et l'effet décoratif.

La salle de réception du palais Stupinigi (1729-1931), conçu par Filippo Juvarra dans un style rococo.

En architecture, l'Italie a continué à privilégier le baroque et ses liens étroits avec l'Église catholique jusqu'aux années 1720, lorsque l'architecte Filippo Juvarra a construit plusieurs palais d'Italie du Nord dans le style rococo. Son chef-d'œuvre est le palais Stupinigi (1729-1731), construit comme pavillon de chasse pour le roi de Sardaigne à Turin. À la même époque, les intérieurs rococo sont devenus populaires à Gênes, en Sardaigne, en Sicile et à Venise, où le style a pris des variations régionales, en particulier dans la conception du mobilier. Les intérieurs rococo italiens étaient particulièrement connus pour leurs lustres et miroirs en verre vénitien et leur riche utilisation de tissus d'ameublement en soie et en velours.

Le rococo allemand

L'enthousiasme de l'Allemagne pour le rococo s'est exprimé de manière exubérante et principalement dans les chefs-d'œuvre architecturaux et la décoration intérieure, ainsi que dans les arts appliqués. L'un des éléments marquants du rococo allemand est l'utilisation de couleurs pastel éclatantes comme le lilas, le citron, le rose et le bleu, comme en témoigne la conception par François de Cuvilliés de l'Amalienburg (1734-1739), un pavillon de chasse pour l'empereur du Saint-Empire romain germanique Charles VII à Munich. La galerie des glaces de l'Amalienburg a été décrite par l'historien de l'art Hugh Honour comme un exemple "d'élégance facile et de délicatesse vaporeuse".

Le château d'Amalienburg (Lustschloss), situé dans le parc de Nymphenburger à Münich (1734-1739), illustre le rococo allemand avec sa façade fantaisiste rose et blanche et ses courbes subtiles.

Les motifs allemands, tout en utilisant l'asymétrie et les formes courbes en S et en C, s'inspirent souvent de motifs floraux ou organiques et sont plus détaillés. Les architectes allemands ont également exploré de manière innovante diverses possibilités de conception des pièces, en découpant des murs ou en créant des murs courbes, et ont fait de l'emplacement des nouveaux bâtiments un élément important de l'effet, comme on peut le voir dans l'abbaye de Melk de Jacob Prandtauer (1702-1736).

L'abbaye de Melk de Jacob Prandtauer (1702-1736) est un exemple de l'utilisation rococo allemande de la couleur et des innovations en matière de construction spatiale, comme le montrent le mur avant ondulant et l'emplacement du site, puisque le bâtiment surplombe le Danube.

Rococo anglais

En Angleterre, l'emploi du rococo, appelé "style français", est plus modéré, car les excès du style se heurtent à un sombre protestantisme. En conséquence, la rocaille, introduite par le graveur émigré Hubert-François Gravelot et l'orfèvre Paul de Lamerie, n'est utilisée que comme détails et motifs occasionnels. Vers 1740, le style rococo a commencé à être utilisé dans le mobilier britannique, notamment dans les créations de Thomas Chippendale. Son catalogue Gentleman's and Cabinet-makers' directory (1754), illustrant des motifs rococo, est devenu une norme industrielle populaire.

Le Design for Commode and lamp stands (1753-54) de Thomas Chippendale a ouvert la voie à l'utilisation britannique du rococo dans la conception structurelle.

Le rococo a davantage influencé des artistes britanniques tels que William Hogarth, Thomas Gainsborough et la Suissesse Angelica Kauffman. Dans son ouvrage The Analysis of Beauty (1753), Hogarth préconise l'utilisation d'une ligne serpentine, qu'il considère à la fois plus organique et esthétiquement idéale. Gainsborough a d'abord étudié avec Gravelot, un ancien élève de Boucher, dont le travail au pinceau et la palette de couleurs ont influencé l'art du portrait de Gainsborough vers la fluidité de la lumière et de la couleur. Bien que née en Suisse, Angelica Kauffman a passé la majeure partie de sa vie à Rome et à Londres. De 1766 à 1781, elle a vécu à Londres où l'influent Sir Joshua Reynolds admirait particulièrement ses portraits. L'une des deux seules femmes élues à la Royal Academy of Arts de Londres, elle a joué un rôle important dans l'avancement du style rococo et, par la suite, du néoclassicisme.

Bien que peint à l'huile, l'Autoportrait d'Angelica Kauffmann (vers 1773) utilise les couleurs et les tons pour créer un effet pastel.

Développements ultérieurs - Après le rococo

En 1750, Madame de Pompadour envoie son neveu Abel-François Poisson de Vandières étudier les développements de l'art italien et de l'archéologie. De retour avec un enthousiasme pour l'art classique, Vandières est nommé directeur des Bâtiments du Roi où il commence à défendre une approche néoclassique. Il devient également un critique d'art réputé, condamnant le petit style de Boucher. D'éminents penseurs de l'époque, dont le philosophe Voltaire et le critique d'art Diderot, ont également critiqué le rococo, qu'ils jugeaient superficiel et décadent. Ces tendances, associées à une ferveur révolutionnaire croissante en France, ont fait tomber le rococo en disgrâce en 1780.

Le nouveau mouvement néoclassique, dirigé par l'artiste Jacques-Louis David, met l'accent sur l'héroïsme et la vertu morale. Les étudiants en art de David chantaient même le chant de dérision "Vanloo, Pompadour, Rococo", désignant le style, l'un de ses principaux artistes et son plus célèbre mécène. En conséquence, en 1836, le terme était utilisé pour signifier "démodé" et, en 1841, pour désigner des œuvres considérées comme "fleuries ou ornées sans goût". Les connotations négatives se sont poursuivies au XXe siècle, comme le montre la description du Century Dictionary de 1902 : "Le terme rococo est donc utilisé... pour désigner tout ce qui est faiblement prétentieux et de mauvais goût dans l'art ou la littérature".

Le design et la peinture rococo suivront des voies divergentes, alors que le design rococo, malgré les nouvelles tendances dans la capitale, continue d'être populaire dans les provinces françaises. Dans les années 1820, sous la monarchie restaurée du roi Louis Philippe, un renouveau appelé le "second style rococo" est devenu populaire et s'est répandu en Grande-Bretagne et en Bavière. En Grande-Bretagne, ce renouveau, connu sous le nom de "Victorian Rococo", a duré jusqu'en 1870 environ, tout en influençant le "American Rococo Revival" aux États-Unis, sous la direction de John Henry Belter. Le style, largement utilisé pour les hôtels haut de gamme, a été surnommé "Le goût Ritz" jusqu'au 20e siècle. Cependant, en peinture, le rococo est tombé en disgrâce, à l'exception des peintures de genre de Chardin, très appréciées par Diderot, qui ont continué d'être influentes et ont eu un impact notable sur Paul Cézanne, Édouard Manet et Vincent van Gogh.

Edmund et Jules de Goncourt ont redécouvert le grand peintre rococo Jean-Honoré Fragonard dans L'Art du XVIIIe siècle (1865). Il a ensuite influencé les impressionnistes, notamment Pierre-Auguste Renoir et Berthe Morisot, puis des artistes contemporains comme Yinka Shonibare, Kent Monkman et Lisa Yuskavage.

Également redécouverts par les frères de Goncourt, les sujets de la commedia dell'arte de Watteau ont influencé Pablo Picasso, Cézanne et Henri Matisse, ainsi que de nombreux poètes tels que Paul Verlaine et Guillaume Apollinaire, le compositeur Arnold Schoenberg et le chorégraphe George Balanchine.

Le terme rococo et les artistes qui y sont associés n'ont commencé à être réévalués de manière critique qu'à la fin du XXe siècle, lorsque les mouvements du Pop Art et les œuvres d'artistes tels que Damien Hirst, Kehinde Wiley et Jeff Koons ont créé un nouveau contexte pour l'art exprimant les mêmes traitements ornementaux, stylistiques et fantaisistes. Le rococo a eu une influence contemporaine, comme en témoigne Logos 2017 d'Ai Weiwei où, comme l'a écrit le critique d'art Roger Catlin, "ce qui ressemble à un motif de papier peint rococo en noir et blanc et en or est en fait un arrangement de menottes, de chaînes, de caméras de surveillance, d'oiseaux Twitter et d'alpagas stylisés - un animal qui, en Chine, est devenu un mème contre la censure". Le mouvement se perpétue également dans la culture populaire, comme le montre la chanson à succès "Rococo" d'Arcade Fire (2010).