Barnett Newman

Peintre américain

Né : le 29 janvier 1905 - New York, New York

Mort : 4 juillet 1970 - New York, New York

Biographie de Barnett Newman

Enfance

Barnett Newman est né en 1905 de parents juifs qui avaient immigré à New York depuis la Pologne russe cinq ans plus tôt. Barney, comme l'appelaient sa famille et ses amis, grandit à Manhattan et dans le Bronx avec trois frères et sœurs plus jeunes que lui. Il commence à dessiner à l'Art Students League pendant ses études secondaires et continue à y suivre des cours tout en obtenant un diplôme de philosophie au City College de New York. C'est à l'Art Students League qu'il rencontre et se lie d'amitié avec Adolph Gottlieb, qui le présente à d'importants artistes et galeristes new-yorkais.

Formation initiale

Après avoir obtenu son diplôme universitaire, Newman travaille pour l'entreprise de confection de vêtements de son père, jusqu'à ce qu'elle fasse faillite quelques années après le krach boursier de 1929. Au cours des années qui suivent, il se consacre à des activités disparates : il est professeur d'art remplaçant (bien qu'il ait échoué plusieurs fois à l'examen de qualification des professeurs d'art), se présente comme candidat à la mairie en 1933 et crée un magazine éphémère défendant les droits des travailleurs de la fonction publique. En 1936, il épouse Annalee Greenhouse, une enseignante. Au début des années 1940, il abandonne complètement la peinture. Il étudie alors l'histoire naturelle, l'ornithologie et l'art précolombien, rédige des essais de catalogues de musées et des critiques d'art, et organise des expositions. Son intérêt pour l'ornithologie lui vaudra plus tard sa célèbre citation : "L'esthétique est pour l'artiste ce que l'ornithologie est pour les oiseaux". À cette époque, il se lie d'amitié avec la galeriste Betty Parsons, pour laquelle il organise plusieurs expositions. Elle commence bientôt à représenter Mark Rothko, Clyfford Still et Jackson Pollock, tous des amis proches de Newman.

En 1944, Newman revient à la pratique artistique, inspirée en partie par le surréalisme. Insatisfait de ses premières œuvres figuratives, il détruit tout ce qu'il a fait auparavant, et il continuera à détruire les œuvres qui ne lui plaisent pas tout au long de sa carrière. En 1946, la Betty Parsons Gallery commence à le représenter.

Période de maturité

L'année 1948 marque un tournant majeur dans la carrière de Newman. Il commence à développer un dispositif pictural qu'il appelle "zip", une bande verticale de couleur qui court sur toute la longueur de la toile, et qui aboutit à la peinture Onement I(1948). Ce dispositif deviendra la marque de fabrique de toute son œuvre à venir. Grâce à lui, il suspend l'opposition traditionnelle entre la figure et le fond d'un tableau et crée une expérience enveloppante de la couleur dans laquelle le spectateur lui-même, physiquement et émotionnellement, est invoqué par la fermeture éclair - considéré comme un être rempli de l'étincelle originelle de la vie, tout comme le mythique "premier homme" de Newman (voir "Écrits et idées" ci-dessous). Il a évoqué certaines de ces idées en expliquant comment les spectateurs devaient lire sa toile de 1950, beaucoup plus grande, Vir heroicus sublimis : "Ce n'est pas différent, en fait, de la rencontre avec une autre personne. On réagit physiquement à la personne. Il y a aussi un aspect métaphysique, et si une rencontre est significative, elle affecte les deux vies."

Vir heroicus sublimis (1950-51)

Les nouvelles œuvres, dont Onement I (1948), sont exposées pour la première fois à la Betty Parsons Gallery en 1950. Les œuvres de Newman continueront à susciter des réactions violentes de la part du public et seront lacérées à plusieurs reprises au cours des années suivantes. L'année suivante, Parsons l'expose à nouveau, mais l'accueil n'est guère meilleur, ce qui pousse Newman à se retirer de la scène des galeries. Pendant ce temps, il continue d'écrire, produisant plusieurs essais philosophiques sur l'art. Il écrit notamment "The Sublime Is Now", dans lequel il déclare : "Je crois qu'ici, en Amérique, certains d'entre nous, libérés du poids de la culture européenne, sont en train de trouver la réponse, en niant complètement que l'art se préoccupe du problème de la beauté et de l'endroit où la trouver".

Onement I - 1948

Entre 1951 et 1955, ses œuvres ne sont exposées nulle part ; il rachète même un tableau qu'il ne veut plus voir. Tout au long de ces premières années, il ne vend que très peu de tableaux. Ce n'est qu'au début des années 1960 - et à la suite d'une crise cardiaque en 1957 - que certains de ses détracteurs les plus ardents commencent à changer de point de vue.

Période tardive

Le courant critique changeant progressivement, beaucoup commencent à considérer Newman comme un artiste important de l'expressionnisme abstrait, en particulier après que Clement Greenberg a organisé son exposition personnelle de 1959 chez French & Company. Dans les années 1960, Newman étend son travail aux lithographies et à la sculpture, qu'il n'avait fait qu'effleurer au début de sa carrière. Ses œuvres figurent dans plusieurs expositions muséales importantes sur l'expressionnisme abstrait, ce qui lui confère une place importante au sein du mouvement. Malgré cette reconnaissance plus large, nombreux sont ceux qui continuent à mal interpréter son travail, ce que Newman ne cessera de contester tout au long de sa carrière. À une époque où peu de musées s'intéressent à son travail, il refuse l'offre qui lui est faite de participer à l'exposition du Whitney sur l'abstraction géométrique, en 1962.

Troisième station (1960)

En 1966, le Guggenheim offre à Newman sa première exposition solo dans un musée, présentant son chemin de croix, une série de quatorze tableaux réalisés entre 1958 et 1966. Bien que cette exposition ait également reçu de nombreuses critiques négatives, elle a permis à Newman d'être mieux reconnu dans le monde de l'art. Au cours des années suivantes, il continue à créer certaines de ses œuvres les plus importantes. Parmi celles-ci figurent sa plus grande peinture, Anna's Light (1968), la série Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (1966-68) et la sculpture monumentale Broken Obelisk (1963-69). Le 4 juillet 1970, Newman meurt d'une crise cardiaque à New York.

Obélisque brisé (1963-69)

Héritage de Barnett Newman

Bien que peu apprécié de son vivant, Barnett Newman est aujourd'hui considéré comme un élément essentiel du mouvement expressionniste abstrait et comme un précurseur du minimalisme. Pourtant, il ne s'est jamais considéré comme faisant partie d'un mouvement particulier, ni comme s'opposant à l'un d'entre eux. Il a rejeté les comparaisons avec les peintres géométriques ainsi que les commentaires qui le désignaient comme un précurseur du mouvement minimaliste. Contrairement à ces toiles plus austères qui se concentraient sur la signification non représentative des formes et des couleurs, Newman a apporté une touche plus philosophique à ses peintures, les imprégnant de son propre moi et invitant le public à les expérimenter à la fois avec leur corps et leur psychisme.

Barnett Newman à l'hôtel Krafft, Bâle, 1964

Écrits et idées

Introduction

Newman se distingue des artistes de l'école de New York par la quantité d'écrits qu'il a produits, en particulier entre le début et le milieu des années 1940. Les discussions et les idées restent importantes pour lui, et il compare la pensée abstraite aux formes non objectives de l'art "primitif" - toutes deux, selon lui, visent à la généralisation et à la classification. Cependant, en tant qu'artiste, Newman affirme n'avoir jamais abordé un tableau avec un plan. "Je suis un peintre intuitif", écrivait-il, un peintre qui se préoccupe de "l'immédiat et du particulier". À cet égard, les idées de Newman sur l'art étaient romantiques. Il pensait qu'un créateur d'art abstrait exploitait les émotions humaines les plus fondamentales, mais il n'était lié par aucune mythologie ou norme ancienne pour faire de l'art, ou même pour le regarder.

Dans une interview accordée en 1962 au magazine Art in America, Newman a déclaré : "La question centrale de la peinture est le sujet... Mon sujet est anti anecdotique". Selon lui, une peinture anecdotique est comme un épisode ou un morceau d'une séquence plus longue. Newman pensait que si une peinture était anti anecdotique, elle devenait d'une certaine manière plus entière, autosuffisante et indépendante. Il pensait également que, quelle que soit la signification d'un tableau, elle apparaissait lors de l'observation de l'œuvre, et non au cours d'une discussion.

Écrits les plus importants  

Le premier homme était un artiste

L'œil du tigre

Octobre 1947

Newman a travaillé comme rédacteur associé pour Tiger's Eye, et "The First Man Was an Artist" a été publié au cours de la première année du magazine. Dans cet essai, Newman affirme la priorité de l'esthétique sur le social : "L'humain dans le langage, c'est la littérature", écrit-il, "pas la communication". Les humains étaient des artistes avant d'être des chasseurs, affirmait-il, et des conteurs avant d'être des scientifiques. "Tout comme le premier discours de l'homme était poétique avant de devenir utilitaire, l'homme a d'abord construit une idole de boue avant de façonner une hache.

Newman s'est également interrogé sur les bienfaits des progrès scientifiques sur l'esprit de l'homme moderne. Sa position n'est pas que la science soit particulièrement malveillante, mais plutôt qu'elle est devenue une forme stricte de théologie qui restreint l'esprit créatif. "La domination de la science sur l'esprit de l'homme moderne, écrit-il, a été accomplie par la simple tactique d'ignorer la première quête scientifique, à savoir la préoccupation pour la question originelle "Quoi ?

Selon Newman, une fois que cette question cesse d'être au premier plan, les progrès dans les arts et les sciences ne sont plus possibles ; ils deviennent simplement la pratique de la réaffirmation d'idées anciennes et éprouvées.

Le sublime, c'est maintenant

L'œil du tigre

Décembre 1948

Dans cet essai, peut-être le plus célèbre de Newman, il examine le travail de plusieurs artistes européens du XXe siècle qui, selon lui, ont détruit les anciennes normes de beauté. Il évoque également brièvement les normes de beauté dans l'art établies par les Grecs de l'Antiquité et examine la manière dont des philosophes influents - en particulier les Allemands du XIXe siècle - ont concilié ces idées avec l'avènement de nouveaux styles modernes. La lutte essentielle, selon Newman, est celle qui se produit entre les idées de beauté et les idées de sublime. Newman conclut que les artistes ont finalement réussi à créer une nouvelle norme de beauté et de sublime. Selon lui, jamais depuis la Renaissance une fusion de ces deux concepts n'avait eu lieu avec autant de force. Avant l'expressionnisme abstrait, certains des plus grands artistes modernes n'avaient réussi qu'à remettre en question les anciennes idées sur la beauté dans les arts visuels : "L'effort de Picasso est peut-être sublime, écrivait-il, mais il ne fait aucun doute que son œuvre est une préoccupation pour la question de la nature de la beauté. Il pensait que sa propre génération était une nouvelle race d'artistes qui ne se contentaient pas de remettre en question ou même de contester les anciennes normes, mais qui créaient des idées entièrement nouvelles et par conséquent sublimes sur la beauté.

Sur l'art abstrait

Newman se considérait comme un artiste pur, travaillant avec des formes pures. Pour une exposition de 1947 à la Betty Parsons Gallery, intitulée The Ideographic Picture, il écrit : "La base d'un acte esthétique est l'idée pure. Mais l'idée pure est, par nécessité, un acte esthétique". Newman affirme sa conviction que l'art abstrait authentique et expressif est dépourvu de symbolisme ou d'illusion et que la forme vivante la plus pure d'une peinture abstraite est sa forme. "Une forme est une chose vivante, écrit-il, un véhicule pour un complexe de pensées abstraites, un porteur des sentiments impressionnants que l'artiste a ressentis devant la terreur de l'inconnaissable.

L'art et la recherche

Pour le premier numéro de Tiger's Eye, en octobre 1947, Newman a écrit l'un de ses essais les plus célèbres, "The First Man Was an Artist" (Le premier homme était un artiste). Il y cherche à établir un lien peu orthodoxe entre l'art et la science : "Car il y a une différence entre la méthode et la recherche", écrit-il. Depuis ses débuts, la recherche scientifique a toujours posé une question unique et spécifique : "Qu'est-ce que c'est ? Qu'est-ce que l'arc-en-ciel, qu'est-ce qu'un atome, qu'est-ce qu'une étoile ? Cette question fondamentale et instinctive est ce qui fait de tout art une science - non pas une science qui cherche à prouver quelque chose, mais plutôt une science qui cherche simplement à acquérir de nouvelles connaissances et expériences.

Sur la beauté

Selon Newman, tout l'art moderne a été une quête de négation des normes classiques de beauté établies pendant la Renaissance. Les premiers modernistes - des artistes tels qu'Édouard Manet et les impressionnistes - n'avaient pas réussi à atteindre pleinement cet objectif, et c'est à sa propre génération que revenait la tâche de l'achever. "Je crois qu'ici, en Amérique", écrit-il en 1948, "certains d'entre nous, libérés du poids de la culture européenne, sont en train de trouver la réponse, en niant complètement que l'art se préoccupe du problème de la beauté et de l'endroit où la trouver... Nous réaffirmons le désir naturel de l'homme pour l'exaltation, pour le souci de notre relation avec les émotions absolues.

Barnett Newman contre Ad Reinhardt

En 1956, Ad Reinhardt écrivit un article dans le College Art Journal intitulé "The Artist in Search of an Academy" (L'artiste à la recherche d'une académie), dans lequel il tournait en dérision Barnett Newman, "l'artiste-professeur et le vendeur de design itinérant, l'Art-Digest-philosophe-poète et le praticien du Bauhaus, l'avant-gardiste-huckster-artisan et le commerçant éducatif, le saint-rouleur-explorateur-divertisseur-en-résidence".

Newman est furieux et poursuit Reinhardt pour diffamation. Lorsque l'affaire est portée devant la Cour suprême de New York, elle est rejetée, puis à nouveau rejetée en appel. Mais Newman a souvent été critiqué de la même manière par ses collègues artistes pour son excès de romantisme - Pollock l'aurait traité de "cul de cheval" lors d'un vernissage.

Discussion avec Hess sur le chemin de croix

Lors d'une conversation publique entre Thomas B. Hess et Newman, organisée au musée Guggenheim le 1er mai 1966, Newman s'est vu poser une série de questions concernant sa série de Stations de la Croix (1958-66), qui a été exposée au musée lors de la toute première exposition personnelle de Newman dans une galerie publique.

"Lorsque je les appelle Stations de la Croix", a-t-il déclaré, "je dis que ces peintures signifient quelque chose au-delà de leurs extrêmes formels... Ce que je dis, c'est que ma peinture est physique et ce que je dis aussi, c'est que ma peinture est métaphysique... que ma vie est physique et que ma vie est aussi métaphysique". Plus tard, Hess interroge Newman sur l'absence de couleur dans les tableaux, ce qui est inhabituel dans son travail. Newman répond : "La tragédie exige du noir, du blanc et du gris. Je ne pouvais pas peindre une passion verte, mais j'ai essayé de faire en sorte que la toile brute prenne des couleurs. C'était mon problème de couleur : obtenir la qualité de la couleur sans l'utiliser. Un peintre doit essayer de peindre l'impossible".