Pierre Bonnard

Peintre et graveur français 

Né : 3 octobre 1867 - Fontenay-aux-Roses, France

Mort : 23 janvier 1947 - Le Cannet, France

Enfance et éducation

Bonnard est né à Fontenay-aux-Roses, dans les Hauts-de-Seine, le 3 octobre 1867. Fils d'un éminent fonctionnaire du ministère français de la Guerre, il étudie le droit à la Sorbonne de 1885 à 1888, sur l'insistance de son père. Il obtient son baccalauréat en se distinguant dans les matières classiques et exerce brièvement la profession d'avocat dans un cabinet gouvernemental. Cependant, il a également suivi des cours d'art à l'École des beaux-arts, où il n'a pas obtenu le prix de Rome (qui lui aurait permis d'étudier à l'Académie de France à Rome), et a donc été transféré à l'Académie Julian en 1889, où il a rencontré Maurice Denis, Paul Sérusier, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Félix Vallotton, et Édouard Vuillard. Il décide rapidement de devenir artiste et partage en 1890 un atelier à Montmartre avec Denis et Vuillard. Plus tard, ils sont rejoints par le producteur de théâtre Aurélian Lugné-Poe avec lequel Bonnard collabore à des productions pour le Théâtre de l'Œuvre à Paris.

France Champagne (1891)

C'est ainsi que Bonnard, encore dans la vingtaine, rejoint les Nabis, un groupe de jeunes artistes engagés dans la création d'œuvres à caractère symbolique et spirituel. Ses amis le surnommaient "Nabi très nipponisé" en référence aux estampes japonaises qui l'influençaient. Cette influence du japonisme a également été attribuée à l'œuvre des impressionnistes et des post-impressionnistes.

Période de maturité

En 1891, Bonnard rencontre Henri de Toulouse-Lautrec et commence à exposer ses œuvres à l'exposition annuelle de la Société des Artistes Indépendants. La même année, Bonnard commence à collaborer avec La Revue Blanche, pour laquelle il dessine des frontispices avec son ami Vuillard. Ses lithographies sont publiées en 1895 par le célèbre marchand d'art Ambroise Vollard et, la même année, il dessine un vitrail pour Louis Comfort Tiffany. Sa première exposition personnelle a lieu à la galerie Durand-Ruel en 1896. En 1900, il illustre Parallèlement, le recueil de poèmes symbolistes du poète Paul Verlaine. À cette époque, il peint des paysages dans le style des impressionnistes et de Paul Gauguin dans la campagne entre Paris et la Normandie.

Promenade des nourrices, frise des fiacres (1897)

En 1907, Bonnard voyage beaucoup en Europe et en Afrique du Nord, bien que ces excursions ne semblent pas avoir affecté son art dans une large mesure. Il quitte Paris en 1910 pour le sud de la France. À l'exception de quelques croquis sur le thème de la guerre, il n'y a pas non plus de traces de l'effet de la guerre sur son art. Bonnard a été décrit par les historiens et ses propres amis comme un homme au "tempérament calme" et à l'indépendance discrète. Ses compositions souvent complexes - typiquement des intérieurs ensoleillés de chambres et de jardins peuplés d'amis et de membres de la famille - sont à la fois narratives et autobiographiques.

Salle à manger à la campagne (1913)

Sa femme Marthe de Méligny, qu'il a rencontrée en 1893, est un sujet omniprésent pendant plusieurs décennies. Ce n'est qu'après leur mariage, 32 ans plus tard, en 1925, que Bonnard a appris qu'elle s'appelait en réalité Maria Boursin. On dit qu'elle s'est enfuie de chez elle et qu'elle a menti sur son âge et son statut pendant de nombreuses années. Néanmoins, elle est devenue le sujet (parfois) obsessionnel de son œuvre, qu'il a peinte jusqu'à 385 fois. Il a également pris des photos intimes d'elle qu'il a ensuite intégrées à ses peintures.

Les toilettes (1932)

Il a également peint plusieurs autoportraits, des paysages, des scènes de rue et de nombreuses natures mortes représentant des fleurs et des fruits. Il a l'habitude de travailler simultanément sur plusieurs toiles qu'il accroche aux murs de son petit atelier ; en effet, Bonnard possède l'un des plus petits ateliers de l'histoire de l'art moderne. Il pouvait ainsi déterminer plus librement la forme d'un tableau : comme il le notait, "cela me gênerait que mes toiles soient tendues sur un châssis. Je ne sais jamais à l'avance quelles dimensions je vais choisir".

Les dernières années 

En 1926, Bonnard s'installe au Cannet, près de Cannes, dans le sud de la France. Dans sa vieillesse, il revient à la lumière et aux couleurs éblouissantes de ses premières œuvres. En 1938, une grande exposition de ses œuvres et de celles de Vuillard a lieu à l'Art Institute of Chicago. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il conserve sa résidence du Cannet, où il vit en reclus même après la mort de sa femme en 1942. Peu avant sa mort, il réalise la grande peinture murale Saint François guérissant les malades (1947) pour l'église d'Assy. Il a terminé son dernier tableau, L'amandier en fleurs (1947), une semaine avant sa mort, dans sa maison de campagne de la Route de Serra Capeou, près du Cannet, sur la Côte d'Azur. Le Museum of Modern Art de New York a organisé une rétrospective posthume de l'œuvre de Bonnard en 1948, alors qu'à l'origine, cette rétrospective était destinée à célébrer le 80e anniversaire de l'artiste. Bien que Bonnard ait évité l'attention du public, ses œuvres se sont bien vendues tout au long de sa vie.

Paysage au Cannet (1945)

L'héritage de Pierre Bonnard

Au moment de sa mort, la réputation de Bonnard avait déjà été éclipsée par les développements ultérieurs de l'avant-garde dans le monde de l'art. Lors d'une rétrospective de l'œuvre de Bonnard à Paris en 1947, le critique Christian Zervos a évalué l'artiste en fonction de sa relation avec l'impressionnisme et l'a trouvé insuffisant : il a noté que "dans l'œuvre de Bonnard, l'impressionnisme devient insipide et tombe en décadence". Henri Matisse a répondu en disant : "Je maintiens que Bonnard est un grand artiste pour notre temps et, naturellement, pour la postérité". Ainsi, Bonnard a souvent été identifié comme un impressionniste tardif, mais cette étiquette n'est pas à la hauteur de sa contribution à la peinture. L'œuvre de Bonnard se caractérise plutôt par une utilisation unique de la couleur qui a enrichi et rehaussé la palette impressionniste. Son utilisation de plans de couleur qui se chevauchent semble même préfigurer l'utilisation par les cubistes de plans qui se pénètrent l'un l'autre.