Primitivisme

Début : 1890

Fin : vers 1945

Les débuts du primitivisme

Le terme "primitif" vient du latin et signifie "le premier ou le plus ancien de son espèce". Les voyageurs qui se rendaient dans les mers du Sud et en Afrique rapportaient des récits de nouvelles cultures qui ne ressemblaient guère à ce que les Européens connaissaient ou appréciaient. Les Européens admiraient ces nouvelles cultures pour leur exotisme, mais les méprisaient également, les considérant comme essentiellement "non civilisées" dans leurs manières et leurs coutumes. Comme le soulignent les historiens de l'art Mark Antliff et Patricia Leighten, l'étiquette "primitif" n'existe pas sans l'idée de "civilisé". Les deux termes sont nécessairement liés et créent une construction idéologique qui rend ce qui est primitif dépourvu de sophistication, mais l'intérêt pour le primitif a également souligné une tendance nostalgique à donner la priorité à un passé préindustriel dans lequel la relation de chacun avec la nature était primordiale.

L'émergence du “Noble Sauvage”

L'intérêt pour le primitif est très présent dans la culture européenne moderne et définit une nouvelle tendance dans les domaines philosophique et culturel. Au cours du XVIIIe siècle, les philosophes ont exploré les dichotomies entre le rationnel et l'irrationnel, le naturel et l'artificiel, obligeant les individus à s'interroger sur leur propre place dans le monde civilisé. Avec l'urbanisation croissante et les débuts de l'industrialisation, les auteurs des Lumières Johann Gottfried Herder et Jean-Jacques Rousseau ont promu l'idée d'un mode de vie primitif, détaché des développements technologiques et culturels qui permettaient un rythme plus organique et un équilibre avec la nature. Ce désir d'une nouvelle simplicité de vie était également lié à l'idée d'"arcadie", établissant ainsi le primitif comme une sorte de paradis perdu.

Benjamin West, The Death of General Wolfe (1770), la représentation par West de l'Amérindien au premier plan est conforme à l'idée du "Noble Sauvage"

Des sculptures et des masques d'Afrique et d'Océanie ainsi que des objets provenant de tribus amérindiennes sont entrés dans les musées de Paris, Londres et Berlin et ont été exposés lors d'expositions universelles pour être vus par le grand public. En 1878, le musée du Trocadéro, premier musée ethnologique de Paris, ouvre ses portes. Le musée abrite une collection d'objets provenant du monde entier, que l'on croyait en voie de disparition à la suite de la colonisation. Ces objets, désormais séparés de leur contexte culturel d'origine, n'étaient pas considérés comme de l'art au sens européen du terme, mais c'est précisément pour cette raison que de nombreux artistes, à la recherche de qualités et d'attributs s'opposant aux traditions académiques classiques et rigoureuses, se sont tournés vers ces objets pour s'en inspirer et confirmer leurs propres expérimentations esthétiques.

Exposition d'objets au musée du Trocadéro à Paris (vers 1900)

Beaucoup font remonter cette tendance au primitivisme à Paul Gauguin, qui utilisait des effets décoratifs aplatis et des formes stylisées semblables aux objets qu'il rencontrait dans les musées et lors de ses voyages à Tahiti et à Hawaï, ainsi que plus près de chez lui, en Bretagne, région rurale de France qui était devenue populaire auprès des artistes au milieu du 19e siècle. Les coutumes locales et les rituels religieux rappellent une époque antérieure dont les artistes et les autres citadins sont nostalgiques. La fascination de Gauguin pour ces autres cultures l'incite à pousser ses explorations esthétiques dans des directions encore plus radicales. Insatisfaits de l'approche observationnelle des impressionnistes, Gauguin et d'autres symbolistes veulent transmettre des idées et des émotions par la ligne et la couleur, en manipulant des sujets ruraux et exotiques.

Paul Gauguin, Arearea (blagues) (1892). Gauguin s'approprie les formes de l'art tahitien et les intègre à ses peintures.

Adoption de l'art primitif : Début du 20e siècle

Divers artistes, dont Henri Matisse et les Fauves, Edvard Munch et James Ensor, ainsi qu'une série d'expressionnistes allemands, ont découvert dans les objets primitifs un langage formel plus élémentaire qui correspondait mieux à l'expression de l'expérience moderne naissante que les normes des académies nationales.

En 1906, Matisse achète une petite sculpture africaine, aujourd'hui identifiée comme une figure Vili de la République démocratique du Congo, dans une petite boutique alors qu'il se rend chez Gertrude Stein, et initie ainsi son ami et rival Picasso à l'art africain. Après ce premier contact, Picasso commence à visiter le Trocadéro et se passionne pour les masques africains Fang en particulier. Son appropriation et son exploration des aspects formels du primitivisme visaient à remodeler l'art dans son ensemble. Les Demoiselles d'Avignon (1907), œuvre cubiste précoce de Picasso, est peut-être l'un des exemples les plus célèbres de l'appropriation des formes d'art primitif par l'art moderne, même si Picasso a par la suite rejeté cette influence.

 

Amadeo Modigliani s'est surtout inspiré des masques des Baoulé de Côte d'Ivoire, dont il a dessiné les formes en forme de cœur et le menton étroit, et son voisin d'atelier Constantin Brancusi a vu des affinités entre les masques en bois et les sculptures de son pays d'origine, la Roumanie. Ces formes simplifiées sont devenues la base de ses sculptures radicalement réduites.

En Allemagne, les groupes Der Blaue Reiter et Die Brücke ont également adopté l'art primitif. Dès 1907, Kandinsky et Franz Marc voient des sculptures africaines au musée ethnographique de Berlin. Kandinsky, au lieu de s'inspirer de formes spécifiques, s'engage sur la voie de l'assimilation de toutes les expressions artistiques. Comme l'explique l'historien de l'art Donald Gordon, "pour le Blaue Reiter, 'le primitif' pouvait aussi bien signifier l'art de cour archaïque, l'art populaire ou l'art enfantin que l'art tribal". Les artistes de Die Brücke, en revanche, ont adopté le primitivisme de tout cœur, ne se contentant pas d'emprunter des formes artistiques, mais créant tout un mode de vie autour des idées qu'ils associaient au primitivisme. Donald Gordon décrit à nouveau : "Dans les ateliers urbains, les artistes ont recréé l'environnement imaginaire de la vie tribale. À la campagne, le mode de vie des paysans était apprécié pour lui-même. Certains artistes sont même "devenus des natifs" pendant les vacances d'été, vivant nus avec leurs modèles et pratiquant une camaraderie sexuelle qui paraphrasait - pensaient-ils - la liberté instinctive supposée de la vie tribale".

Des artistes américains comme Max Weber et Marius de Zayas voyagent en Europe et constatent de visu l'influence de l'art tribal sur l'avant-garde. Weber lui-même a commencé à collectionner des sculptures africaines et en a parfois inclus des morceaux dans des natures mortes, et de Zayas a ramené des sculptures africaines pour Alfred Stieglitz, le photographe et galeriste. Stieglitz a grandement contribué à la diffusion du primitivisme en Amérique en exposant les œuvres de Matisse, Brancusi et Picasso aux côtés de sculptures africaines et de poteries mexicaines.

Dans les années 1920 et 1930, le philosophe Alain Locke et d'autres ont souligné l'importance pour les artistes afro-américains de s'inspirer de l'art africain. Au lieu de s'approprier les formes sans tenir compte de leur contexte d'origine, les artistes de la Renaissance de Harlem, comme Aaron Douglas et Beauford Delaney, ont puisé dans l'art et l'histoire de l'Afrique et ont combiné leurs explorations avec des formes modernes d'avant-garde pour créer une nouvelle vision des Afro-Américains modernes et pour ces derniers.

Plus tard, les artistes surréalistes ont également été fascinés par l'art primitif, même s'ils préféraient l'art océanique et amérindien à l'art africain. Comme l'explique l'historien de l'art Jack Flam, les surréalistes étaient "plus intéressés par les forces invisibles contenues dans l'art primitif que par ses innovations formelles". Ils pensaient que ces peuples primitifs étaient plus en contact avec le monde spirituel et offraient un exemple pour échapper au matérialisme occidental et accéder à un langage universel par le biais du subconscient.

Les types de primitivisme selon Goldwater

L'historien de l'art américain Robert Goldwater a écrit Primitivism in Modern Art en 1938, la première étude sur la manière dont les artistes modernes ont emprunté à l'art primitif. Goldwater explique que "le primitif est conçu et atteint en éliminant les couches ultérieures d'accrétion non essentielle afin de révéler un noyau pur et homogène". En ce sens, le primitif équivaut à une "simple uniformité", exprimée directement avec le matériau, sans dessins ou réflexions préparatoires. À partir de cette définition de base, Goldwater a élaboré différents types de primitivisme dans l'art moderne, en fonction de la manière dont les artistes ont abordé l'art primitif.

Il a qualifié les œuvres de Paul Gauguin et des Fauves, en particulier d'Henry Matisse, de "primitivisme romantique". Selon Goldwater, ce sont les formes extérieures des cultures primitives qui ont influencé le style de Matisse et d'autres artistes. Les artistes réduisaient leurs sujets à leurs formes extérieures essentielles, et ils représentaient souvent la figure humaine nue en harmonie avec le paysage ou l'environnement, suggérant un sens de l'équilibre naturel qui s'opposait à la société industrialisée et urbaine.

Goldwater identifie les expressionnistes allemands, en particulier les œuvres de Kirchner et du groupe Die Brücke, à un "primitivisme émotionnel", "une intériorisation de la conception du primitif". Après avoir vu l'exposition de Gauguin à Dresde en 1910 et leur propre expérience des arts tribaux, ces artistes se sont concentrés sur la compréhension et la révélation des émotions primaires et extrêmes qu'ils percevaient dans les formes d'art primitif.

Goldwater a défini un "primitivisme intellectuel", principalement associé à Picasso, qui semblait soutenir une approche plus rationnelle et formelle. Pour Picasso, l'art primitif était fait de dialogues formels, de langages géométriques et d'aspects intangibles incarnés par les objets.

Enfin, Goldwater a repéré un "primitivisme subconscient" dans l'art principalement composé à partir de 1920, spécialement défini par les dadaïstes et les surréalistes. Le primitivisme semblait permettre aux impulsions subconscientes de conduire librement le processus créatif, inspirant grandement les surréalistes qui commencèrent à explorer une approche "automatique" du processus créatif.

Le primitivisme : Concepts, styles et tendances

Primitivisme et orientalisme

Au cours du XIXe siècle, avec la multiplication des voyages et l'invasion de l'Égypte par Napoléon en 1798, les artistes européens ont été fascinés par les cultures orientales de l'Asie, du Moyen-Orient et de l'Afrique du Nord. Le marché des objets, notamment des textiles, des poteries et de la mode de ces pays était en pleine expansion, et des artistes comme Delacroix et Ingres ont représenté des scènes exotiques, souvent érotisées, de femmes de harem et de la vie quotidienne. En utilisant des couleurs vives, les artistes ont rendu des scènes naturalistes qui étaient souvent imaginaires ou composées de divers éléments et qui perpétuaient les stéréotypes occidentaux de l'Orient. L'orientalisme, enraciné dans les attitudes impérialistes, dépeint souvent l'autre non-européen comme non civilisé ou irrationnel, justifiant ainsi l'implication européenne dans cette culture.

La Grande Odalisque (1814) de Jean-Auguste-Dominique Ingres est l'un des exemples les plus célèbres de l'orientalisme du romantisme.

Ces premières fascinations pour les cultures orientales vont de pair avec le primitivisme. Toutes deux reposent sur un sentiment de supériorité européenne et toutes deux sont construites à l'aide de techniques d'appropriation et de représentation complexes et souvent contradictoires. Alors que l'orientalisme est fasciné par les pays développés, le primitivisme est fasciné par les premiers stades du développement culturel. Le primitivisme, dans ce sens, implique un retour à un état d'existence supposé plus parfait avec la nature.

Primitivisme, art enfantin et art naïf

À bien des égards, l'intérêt pour le primitivisme rejoint l'intérêt pour l'art enfantin. Sans aucune formation formelle, l'art des enfants ne se conforme pas aux règles préétablies et aux conventions traditionnelles. Au début du XXe siècle, les artistes et les critiques comparaient les dessins d'enfants à l'art des peuples primitifs par leur innocence et leur instinctivité. Franz Cizek, un artiste viennois, affirmait en 1885 que les enfants créaient des œuvres d'art dotées d'une valeur esthétique intrinsèque, et il encourageait la libre expression et l'utilisation de l'imagination dans l'enseignement aux enfants. Pour des artistes comme Matisse, Picasso, Chagall, Kandinsky et Klee, qui exploraient des formes abstraites dépourvues de fonction narrative, les dessins d'enfants étaient exemplaires d'un processus de création qui n'était pas trop intellectualisé et qui semblait plus direct. Un processus qu'ils tentent eux-mêmes de développer.

En plus de repenser le processus créatif, les dessins d'enfants interpellent les artistes dans leur manière de percevoir le monde. Les formes et compositions fantaisistes de Marc Chagall ont été influencées par l'art des enfants, et il a créé une sorte de monde féerique à l'aide de symboles compréhensibles et intuitifs.

Henri Rousseau, Le Rêve (1910) Rousseau était un artiste autodidacte, malmené par la critique et le public, mais adulé par les artistes d'avant-garde qui s'intéressaient également au primitivisme et aux dessins d'enfants.

C'est dans ce contexte que l'art naïf, parfois appelé art populaire ou art outsider, est également devenu une source importante pour les artistes. Les artistes naïfs étaient pour la plupart autodidactes et, à l'instar des artistes primitifs et des enfants, créaient des images en dehors des traditions européennes dominantes. Souvent, l'art naïf possède une simplicité enfantine dans la perception et la technique. Henri Rousseau, collectionneur de péages pendant la majeure partie de sa vie adulte, est l'artiste naïf le plus célèbre de l'époque, suscitant l'admiration de Paul Signac, Kandinsky et Franz Marc, entre autres. Ses scènes oniriques de jungles et de paysages évoquaient un sentiment d'émerveillement et d'étrangeté associé à une perspective enfantine. Les artistes naïfs étaient souvent qualifiés de "primitifs modernes", soulignant ainsi le fondement intellectuel de l'idée que l'on se faisait de cet art.

Primitivisme et art brut

Les fondements théoriques de l'art brut, ou art brut, doivent beaucoup à la manière dont les artistes et les critiques considéraient l'art primitif et naïf. Inventé par l'artiste français Jean Dubuffet en 1948 pour désigner ses propres créations et une série d'autres formes d'art qu'il collectionnait, ce terme visait à rendre compte d'un langage visuel intuitif, brut, expressif et souvent grotesque, qui s'écartait considérablement des normes traditionnelles et académiques. L'art brut s'est également intéressé à l'art des malades mentaux, à l'art des prisonniers et aux graffitis dans le but de subvertir le grand art et d'atteindre le commun des mortels. En particulier, l'art brut était une réponse à la brutalité et aux horreurs de l'Europe de l'après-guerre. Avec des villes européennes bombardées jusqu'aux décombres et des dizaines de millions de personnes mortes à cause des atrocités de la guerre, des combats et de la famine, la souffrance de ceux qui ont survécu était palpable et crue, et l'art brut a cherché à trouver un langage pour exprimer cette douleur.

Dubuffet et Picasso ont collectionné les œuvres du peintre écossais Scottie Wilson, que Dubuffet considérait comme exemplaire de l'art brut. Son œuvre, très admirée dans les années 1960 et 1970, utilise des symboles primitifs et des thèmes naturalistes. Son travail a été largement reconnu comme l'un des premiers de l'art brut. Le terme "outsider" a d'abord été utilisé par le critique d'art Roger Cardinal, puis est devenu synonyme d'art brut, le reliant à l'art enfantin, à l'art naïf et au primitivisme.

Développements ultérieurs - Après le primitivisme

L'exposition du MoMA de 1984

Le Museum of Modern Art de New York a inauguré une grande exposition intitulée Primitivism in 20th Century Art : Affinité entre le tribal et le moderne. L'exposition présentait des œuvres des principaux artistes européens et américains, depuis Gauguin jusqu'aux expressionnistes abstraits et aux artistes plus contemporains. Les peintures et les sculptures étaient exposées à côté de pièces africaines, océaniennes et indigènes qui présentaient des caractéristiques formelles similaires.

Alors que les commissaires souhaitaient que l'exposition soit une simple réflexion sur les artistes modernes qui ont vu les objets africains et tribaux à quel moment, l'exposition a plutôt déclenché une série de critiques sérieuses. Les critiques de l'exposition ont principalement estimé que les conservateurs avaient utilisé les arts non attribués et décontextualisés des cultures tribales comme un simple fourrage pour les artistes modernes plutôt que comme des œuvres d'art à part entière. L'historienne de l'art Monica Blackmun Visonà a résumé les critiques en expliquant que l'implication la plus flagrante de l'exposition du MoMA était que seuls les artistes européens modernes étaient assez intelligents ou capables d'emprunter des idées et des formes à d'autres cultures, dénigrant ainsi les artistes d'Afrique, d'Océanie et d'autres régions.

L'un des critiques les plus virulents de l'exposition, Thomas McEvilley, a souligné que les conservateurs avaient étroitement contrôlé l'expérience du spectateur face aux œuvres sélectionnées, grâce à leur disposition et aux textes muraux qui les accompagnaient, afin que les artistes européens modernes soient perçus comme créatifs et originaux et non comme de simples appropriateurs de l'art d'autres cultures.

Art noir, héritage ancestral : L'impulsion africaine dans l'art afro-américain

En 1989, le Dallas Museum of Art a tenté de remédier à certaines des controverses suscitées par l'exposition du MoMA sur le primitivisme en organisant l'exposition "Black Art, Ancestral Legacy : L'impulsion africaine dans l'art afro-américain". Centrée sur des artistes formés et autodidactes des États-Unis, des Bahamas, de la Jamaïque et d'Haïti, l'exposition a exploré les différentes manières dont ces artistes ont adopté l'art africain et y ont répondu en termes d'héritage, de récupération, de visions privées, de festivals et de rituels, les quatre grandes catégories dans lesquelles l'art a été divisé. En outre, l'exposition souligne l'importance des Historically Black Colleges and Universities et des voyages individuels en Afrique dans la propagation des arts tribaux africains parmi les artistes afro-américains. Cette exposition a permis de mettre en relation toute la profondeur et la diversité de l'art africain avec des artistes modernes et contemporains qui ne se sont pas contentés de s'approprier des vocabulaires formels.

Magiciens de la Terre

Toujours en 1989, le Centre Georges Pompidou à Paris a lancé une ambitieuse exposition, Magiciens de la Terre, qui se voulait une réponse postmoderne à l'exposition du MoMA de 1984. Pour tenter de rompre le cycle de la vision eurocentrique de l'art non européen, seule la moitié des artistes exposés étaient originaires de pays occidentaux, tandis que l'autre moitié provenait de pays non occidentaux. Le commissaire Jean-Hubert Martin s'est efforcé de mettre sur un pied d'égalité les artistes des centres et des marges, confrontant ainsi les hypothèses antérieures de la mentalité coloniale.

Cette exposition a également été critiquée. Beaucoup se sont plaints qu'elle était trop romantique et que le mot "magicien" avait des connotations d'irrationalité et d'étrangeté. D'autres ont déploré l'absence de reconnaissance des institutions politiques et des attitudes qui ont perpétué les stéréotypes coloniaux pendant si longtemps. Comme l'a écrit Thomas McEvilley, "le spectacle des Magiciens espérait pouvoir reconnaître que les jugements de valeur ne sont pas innés ou universels, mais conditionnés par le contexte social...", mais il n'a finalement fait que relativiser le problème.

Primitivisme et art contemporain

Dans son essai sur l'art contemporain pour l'exposition du MoMA de 1984, Kurt Varnedoe a suggéré que l'héritage du primitivisme du début du 20e siècle se perpétuait dans les œuvres des artistes Earthworks tels que Robert Smithson et Michael Heizer, ainsi que dans celles d'artistes Process comme Eva Hesse. Selon lui, s'ils n'étaient pas intéressés par l'emprunt de formes aux arts tribaux, ils l'étaient par l'exploration de formes qui suggéraient "à la fois des origines germinales et des essences irréductibles de l'expérience". Pour contrer Varnedoe, le critique d'art Thomas McEvilley a estimé que si l'on devait parler de primitivisme contemporain, il serait logique de se tourner vers les constructions de Michael Orr et Michael Tracy qui évoquent des objets chamaniques et fétichistes faits de cheveux humains, de sang, d'os, de sperme et d'autres "matériaux tabous", ainsi que vers les performances d'Hermann Nitsch, Paul McCarthy, Kim Jones et Gina Pane qui explorent le corps humain, la spiritualité et le rituel d'une manière qui, selon les termes du commissaire Kurt Varnedoe, "soulève des questions inconfortables sur le contenu ultime de tous les idéaux qui proposent de s'échapper de la tradition occidentale pour atteindre un état primitif". 

Le néo-expressionniste des années 1980 Jean-Michel Basquiat a exploité les formes du primitivisme et de l'art naïf pour explorer ses liens avec l'histoire africaine et affronter les questions de race et de classe dans le monde de l'art et la société en général. En s'appropriant les appropriateurs, Basquiat a attiré l'attention sur la manière dont l'histoire africaine et afro-américaine a été blanchie.

Les artistes contemporains de la diaspora africaine ont remis en question les migrations historiques et contemporaines du continent africain. Des artistes tels que Wangechi Mutu, Chris Ofili, El Anatsui et Yinka Shonibare explorent l'impact de l'art occidental sur diverses traditions africaines, ainsi que les idées d'hybridité, de voyage, de gaspillage environnemental et d'appropriation, afin de renverser les idées antérieures du primitivisme.

Avec les controverses sur les expositions de la fin du XXe siècle et les tentatives de rectifier la compréhension de l'art primitif, les concepts de primitivisme de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle ont été jugés problématiques, mais les artistes continuent de s'interroger sur les résultats et les implications de l'industrialisation et de la technologisation rampantes de la société occidentale, qui ont donné aux gens le sentiment de ne pas être connectés et d'être isolés. La récupération des contextes des arts africains et non-européens et l'étude de leur histoire et de leurs liens ont créé de nouvelles opportunités de réévaluer et de réfléchir au primitivisme du 20e siècle.