Cubisme synthétique

Début : 1912

Fin : 1914

Les débuts

En 1912, Pablo Picasso et Georges Braque avaient déjà entamé une période de collaboration extraordinairement productive au cours de laquelle ils avaient été les pionniers des premières phases du cubisme et de la phase analytique. Pour sa part, Juan Gris, ami et voisin de son compatriote Picasso, avait introduit une partie de la technique analytique dans ses propres œuvres, plus vivantes, du cubisme de salon. Bien que de sept ans son cadet, Gris avait gagné le respect de Picasso (sans parler d'une suggestion, émise par l'écrivain Gertrude Stein, selon laquelle Picasso était même envieux du talent de Gris), mais alors que leurs tempéraments s'opposaient souvent, les deux Espagnols étaient néanmoins engagés dans des discussions passionnées sur l'avenir du cubisme. En effet, Stein, qui était collectionneur d'œuvres de Gris et de Picasso, suggérait que Gris était le seul artiste capable d'ennuyer Picasso, et ce parce que Gris avait l'intention de révéler à travers son art ce que Picasso pensait devoir rester inexplicable. Quelles que soient leurs différences de personnalité, Picasso, Braque et Gris deviendront les trois grands représentants du cubisme synthétique.

Juan Gris: Le Lavabo - (1912)

Le collectionneur d'art Daniel-Henry Kahnweiler, qui avait commencé à représenter Braque et Picasso en 1908, a joué un rôle essentiel dans le soutien et la représentation des deux hommes par l'intermédiaire de sa galerie parisienne. Gris, quant à lui, a rejoint ses livres un peu plus tard, en 1912. Kahnweiler achète de nombreuses œuvres des deux hommes, organise des expositions et les rencontre fréquemment pour discuter de leurs idées sur l'avenir de l'art. Bien que contraint de s'installer en Suisse pendant la Première Guerre mondiale, il exercera une influence durable sur le mouvement cubiste lorsqu'il publiera, à son retour à Paris, l'ouvrage de base Der Weg zum Kubismus (L'essor du cubisme) en 1920. Soulignant le travail novateur de Braque et de Picasso en particulier, c'est lui qui sépare la phase "analytique" de la phase "synthétique" en écrivant : Au lieu d'une description analytique, le peintre peut, s'il le préfère, créer de cette manière une synthèse des objets ou, pour reprendre les mots de Kant, "rassembler les différentes conceptions et comprendre leur variété en une seule perception".

Le Porträt Daniel-Henry Kahnweiler de Juan Gris représente le marchand d'art devenu historien de l'art en 1921.

Picasso et Braque s'intéressaient tous deux au primitivisme et à l'art africain, et tous deux collectionnaient des masques africains. Comme l'a noté l'historienne de l'art Christine Poggi, "il semble probable que l'idée de combiner différents matériaux pour réaliser une œuvre d'art soit due dans une large mesure à l'exemple des objets africains". Les masques africains du Trocadéro, dont un masque Grebo que Picasso devait connaître, contiennent diverses fibres - paille et raphia [tandis qu'une] utilisation similaire de fibres naturelles apparaît dans un masque Fang appartenant à Braque". Picasso, en particulier, a souvent exploré les masques dans ses croquis et ses études, non pas pour tenter de les imiter, mais plutôt pour déconstruire leur conception afin d'éclairer sa propre méthode de travail. Braque et Picasso avaient déjà expérimenté la peinture de lettres dans leur phase analytique, ajoutant du sable au pigment pour créer une texture à leurs œuvres. Ils avaient également inclus des fragments d'objets quotidiens tels que des cordes et des franges, mais ces ajouts ultérieurs allaient devenir essentiels à la préférence du cubisme synthétique pour l'incorporation de la "variété" des médias mixtes quotidiens dans leurs œuvres.

Ce masque en fibre aux yeux coniques (Batwape) (fin du XIXe ou début du XXe siècle) incorpore de la toile de jute, des cauris et du raphia.

Concepts et tendances

Le collage

Vers 1912, Picasso et Braque ont inventé le terme "collage" pour décrire leurs œuvres qui incorporaient du papier, des coupures de journaux, du tissu et d'autres objets de la vie quotidienne. La Nature morte au cannage de chaise (1912) de Picasso, qui assimile du papier peint à un motif de cannage de chaise et qui est encadrée par un morceau de corde ordinaire, a introduit la technique du collage dans le monde de l'art. Comme l'écrit Poggi, les natures mortes de Picasso "ont acquis un statut légendaire [...] en tant que premier collage délibérément exécuté ; la première œuvre d'art, c'est-à-dire, dans laquelle des matériaux appropriés de la vie quotidienne, relativement peu transformés par l'artiste, s'immiscent dans le domaine traditionnellement privilégié de la peinture". Les artistes du collage choisissaient souvent des matériaux particuliers reflétant leurs propres prédilections : Picasso utilisait souvent des bouts de corde ou des glands, Braque préférait les éléments en bois, tandis que Gris a même introduit des morceaux de miroirs brisés dans au moins une de ses œuvres.

Pablo Picasso-Nature morte au cannage de chaise - 1912

Dans son livre, Kahnweiler note que l'évolution cubiste de Braque et Picasso a été motivée par la question esthétique du "conflit entre représentation et structure" ou, pour le dire plus simplement, par la question de savoir comment l'artiste peut séparer les couleurs et les objets au sein d'une même œuvre. Les deux hommes avaient déjà abordé ce "conflit" dans leurs œuvres analytiques monochromes. Mais après avoir établi la technique du collage, la pratique a ouvert de nouvelles possibilités pour séparer la couleur du contenu afin que chacun puisse être appliqué indépendamment dans le même espace pictural plat. Comme le dit l'historien de l'art Douglas Cooper, "si un objet peut être représenté de manière convaincante dans un tableau par un équivalent prêt à l'emploi de lui-même, a raisonné Braque, il devrait être possible de traiter la couleur comme un élément libre de la composition".

Papier Collé

Avec Coupe à fruits et verre (1912), Braque réalise ce qui est généralement considéré comme le premier papier collé. Ce procédé consiste à combiner des fragments de toile cirée, de papier, de bois, de linoléum et de journal avec de l'huile sur toile. Picasso et Gris suivent rapidement l'exemple de leur ami, le premier déclarant que "si un morceau de journal peut devenir une bouteille, cela nous donne à réfléchir à la fois sur les journaux et sur les bouteilles [tout en ajoutant que] cet objet déplacé est entré dans un univers pour lequel il n'était pas fait et où il conserve, dans une certaine mesure, son étrangeté". La technique a également influencé l'approche de la peinture des artistes, qui ont tous trois produit des œuvres comprenant des plans ressemblant à des pièces prêtes à l'emploi de différents types de papiers et de bois, ce qui a eu pour effet de créer des contrastes spatiaux et de surface saisissants.

La Coupe à fruits et verre (1912) de Georges Braque, qui incorpore des pans de toile cirée, est le premier papier collé.

Selon l'historienne de l'art Sabine Rewald, la technique du papier collé a provoqué une révolution au sein du cubisme (sans parler du monde de l'art en général) : Avec cette nouvelle technique consistant à coller des morceaux de papier colorés ou imprimés dans leurs compositions, Picasso et Braque ont balayé les derniers vestiges de l'espace tridimensionnel (illusionnisme) qui subsistaient encore dans leurs œuvres analytiques "de haut niveau".

Couleur et Juan Gris

Selon l'historien Francis Francina, l'histoire de l'art a eu tendance à considérer "Picasso et Braque comme une sorte d'"avant-garde" au sein du groupe plus large des modernistes [...] connus publiquement sous le nom de cubistes". C'est toutefois l'Espagnol Gris (de son vrai nom José Victoriano González-Pérez) qui a mérité le titre spécial de "troisième mousquetaire", et c'est lui qui a contribué à élargir le vocabulaire cubiste, d'abord par sa participation aux cubistes de salon, puis par ses contributions plus expressives au cubisme synthétique.

Les poires et les raisins sur une table datent de l'automne 1913, lorsque Gris peignait dans la ville de Céret, à la frontière espagnole, avec son ami et compatriote Picasso. Les deux hommes sont engagés dans de profondes discussions sur l'avenir du cubisme.

Comme Braque et Picasso, Gris a expérimenté la technique du papier collé, ce qui lui a valu la réputation d'un artiste doué d'un sens aigu de l'imbrication des motifs. À propos de sa période d'expérimentation avec Picasso, Tracy Atkinson, conservateur à Christies, a déclaré que "les incertitudes ambiguës et changeantes du cubisme ont été transformées par Gris en un système régulier et rythmé d'ombres sur des surfaces brillantes et glacées et des facettes cristallines tranchantes et étroitement organisées, des qualités qui ne sont nulle part plus évidentes que dans les tableaux [qu'il] a peints à Céret". En effet, en tant que plus "poétique" des trois hommes, son œuvre était plus ouverte aux possibilités de la couleur. Comme l'a fait remarquer le critique d'art John Russell, son œuvre possède "une énergie imaginative, une multiplicité de déclarations lucides et une invention apparemment illimitée [qui] représente une profondeur et une force de la couleur qui, dans l'ensemble, ont été exclues du cubisme".

Juan Gris: Le Petit Déjeuner  (1914)

Collages, constructions et sculptures

Le développement du cubisme synthétique dans le domaine du collage a eu un effet radical sur la sculpture moderne après la Maquette pour guitare (1912) de Picasso, un collage tridimensionnel incorporant du papier, du carton, de la ficelle et du fil de fer. Pourtant, l'historien de l'art et conservateur du MoMA William Rubin soutient que c'est Braque (et non Picasso) qui est à l'origine des premières sculptures cubistes de construction. Selon lui, "ces reliefs de Braque en carton peint, et plus tard en bois, n'avaient ni masse ni solidité et étaient découpés et assemblés plutôt que sculptés ou modelés (comme dans la sculpture traditionnelle)". Cependant, Braque semble avoir considéré les œuvres sculpturales avant tout comme des outils permettant d'explorer de nouvelles stratégies picturales, tandis que Picasso y voyait plutôt un potentiel de transformation de la sculpture traditionnelle. Picasso a également été plus directement influencé par les masques africains, comme l'a noté l'historienne de l'art Christine Poggi, le "trou sonore de la Guitare [ressemblant aux] yeux cylindriques d'un masque "Wobe" en possession de l'artiste".

La Maquette pour guitare (1912) de Pablo Picasso emprunte au collage pour transformer la sculpture.

Développements ultérieurs

Dans les années d'après-guerre, et jusqu'en 1922 environ, une tendance connue sous le nom de cubisme cristallin est apparue dans le cadre du "retour à l'ordre" (également connu sous le nom de classicisme de l'entre-deux-guerres) dans l'art parisien. Dirigé par Jean Metzinger et Albert Gleizes, avec des contributions de Braque, Picasso et Gris, le style du cubisme cristallin était associé à des plans géométriques plus grands et plus colorés.

Georges Braque : Nature morte sur une table, (Duo pour Flûte) (1913-14)

L'influence du cubisme synthétique est perceptible dans les "sculptures-peintures" d'Alexander Archipenko, qui incorporent des objets prêts à l'emploi cloués et collés. Le collage devient une tendance dominante au sein du mouvement Dada, alors que des artistes comme Hannah Höch, John Heartfield et Raoul Hausmann développent le photomontage, des œuvres composées d'images juxtaposées découpées dans les publications des médias de masse. Les mouvements suivants, dont le futurisme, le surréalisme, le pop art et le néo-dada, ont non seulement adopté le collage, mais l'ont fait évoluer, ce qui a conduit au développement de l'assemblage et de l'installation. Le collage est devenu un élément essentiel de l'art du XXe siècle et, comme le dit la critique d'art Harriet Baker, il a révélé "le concept fondamental de ce qu'est la création artistique, tout en offrant un reflet prismatique des changements et des bouleversements sociaux du XXe siècle".