​​Art abstrait

Début : 1880s

Les débuts

Les débuts de la photographie et l'art académique

Dans la première moitié du XIXe siècle, un certain nombre de pionniers, dont Nicéphore Niépce, Louis Daguerre et William Henry Fox Talbot, ont inventé la photographie et l'ont popularisée. Les personnes, les lieux et les événements pouvant être documentés de plus en plus facilement et à peu de frais, la nécessité pour les artistes de les immortaliser par la peinture est devenue moins importante. Parallèlement, de nombreux artistes sont frustrés par les restrictions stylistiques imposées par les académies royales (Academic Art), des institutions de grande importance en Angleterre et en France qui sont devenues les arbitres du goût dans le monde de l'art. Seuls les sujets mythologiques et historiques ainsi que les paysages étaient considérés comme largement acceptables et le réalisme dans leur représentation était primordial. Ces deux facteurs ont encouragé les artistes à se rebeller contre les représentations artistiques traditionnelles en recherchant de nouveaux sujets et de nouveaux styles et à expérimenter ce que la peinture pouvait faire et que la photographie ne pouvait pas faire.

L'impressionnisme

L'impressionnisme est né à la fin du XIXe siècle à Paris. Des peintres comme Claude Monet, Paul Cézanne et Pierre-Auguste Renoir s'intéressaient à la création d'images de la vie contemporaine en mettant l'accent sur la capture du mouvement et les qualités changeantes de la lumière. Leurs œuvres se caractérisent par le fait qu'elles sont peintes en plein air, que les coups de pinceau sont visibles et que les couleurs sont pures et non mélangées. Au fur et à mesure que l'impressionnisme se développe, les artistes commencent à augmenter le degré d'abstraction de leurs œuvres, allant jusqu'à se passer de lignes d'horizon et de formes claires. Monet est peut-être l'artiste le plus extrême ; son œuvre tardive, datant des années 1920, présente un degré d'abstraction tel que, parfois, le sujet représenté n'est pas apparent pour le spectateur. Si toutes les œuvres impressionnistes ne sont pas considérées comme strictement abstraites, nombre d'entre elles sont considérées comme proto-abstraites en raison de leur rendu pictural et subjectif.

Le Printemps (1886) de Claude Monet est un exemple précoce de l'impressionnisme.

Post-impressionnisme

De nombreux artistes travaillant dans un style impressionniste ont commencé à chercher de nouvelles façons de s'exprimer personnellement à travers leur art, en s'engageant souvent plus loin dans l'abstraction. Plutôt que le style pictural des impressionnistes, Paul Gauguin a expérimenté l'accentuation des zones de couleur unie et la définition des formes par des contours, en renonçant à la perspective traditionnelle. Il utilise également la couleur de manière symbolique et qualifie son style de synthétisme, dans la mesure où il utilise des éléments formels pour exprimer ses sentiments. Vincent van Gogh s'est également éloigné de la perspective traditionnelle, ce qui est particulièrement évident dans ses représentations du ciel, qui présentent des bleus plats avec des étoiles ou des nuages superposés à la manière d'un motif. Ses peintures se caractérisent par des coups de pinceau épais et des teintes brillantes.

Les oliviers (1889) illustre l'utilisation par van Gogh des contours et des motifs dans ses peintures proto-abstraites.

Alors que Gauguin et van Gogh s'engagent dans l'abstraction par désir d'expression personnelle, Georges Seurat et Paul Cézanne s'intéressent davantage à la composition structurelle. Seurat a créé un style qu'il a appelé le pointillisme, dans lequel différents points de couleur pure sont peints les uns à côté des autres. Lorsqu'on les regarde de près, ses tableaux semblent être un assortiment abstrait de couleurs, mais de loin, ils forment une scène cohérente et unifiée. Cézanne s'est intéressé à l'utilisation de plans et de couleurs intenses pour représenter la profondeur, déclarant : "Je cherche à rendre la perspective uniquement par la couleur". Cela l'a finalement conduit à représenter des objets tels qu'ils apparaissent de plusieurs points de vue simultanément. Bien qu'ils ne soient pas totalement abstraits, tous ces artistes ont travaillé avec l'abstraction sous une forme ou une autre, et l'expression personnelle et la liberté de composition dont ils ont fait preuve dans leurs œuvres ont influencé d'autres artistes à pousser l'abstraction encore plus loin.

Le cubisme

Inspirés par l'expérimentation de Cézanne, Pablo Picasso et Georges Braque ont été les pionniers du cubisme comme moyen de représenter des objets tridimensionnels sur une toile bidimensionnelle. Ils ont ainsi simplifié une scène en ses principaux éléments constitutifs et utilisé des formes géométriques pour représenter des objets et des personnes. Bien que les peintures cubistes soient basées sur la réalité, leur engagement agressif avec les formes a fait que beaucoup de leurs peintures ont semblé complètement abstraites au spectateur. Le cubisme est allé plus loin dans l'abstraction que l'impressionnisme et le post-impressionnisme, en s'intéressant à la planéité de la toile et en proposant de nouvelles manières abstraites de représenter la réalité.

Pablo Picasso : Nature morte au compotier (1914-15)

Abstraction totale

La question de savoir qui a créé la première œuvre d'art totalement abstraite est controversée. Wassily Kandinsky a revendiqué cet honneur et a certainement été l'un des premiers artistes à s'engager dans la voie de l'art purement non figuratif. Bien qu'il ait d'abord créé des œuvres réalistes puis semi-abstraites, Kandinsky souhaitait créer des œuvres illustrant ce qu'il ressentait lorsqu'il écoutait de la musique. Théoricien et artiste, il écrit en 1911 un texte influent intitulé Concerning the Spiritual in Art, dans lequel il associe différentes couleurs à des émotions et à des notes de musique spécifiques, une réaction que nous connaissons aujourd'hui sous le nom de synesthésie, une condition rare où deux sens sont liés. La même année, il a commencé à créer des œuvres d'art entièrement non objectives et ses œuvres abstraites contiennent un sens du rythme et de la joie, tout à fait évocateur de la musique qu'il aimait.

Un Centro (1924) de Kandinsky est un exemple des abstractions dynamiques de l'artiste.

Récemment, cependant, l'œuvre de la peintre suédoise Hilma af Klint a fait l'objet d'une plus grande attention et l'on pense aujourd'hui qu'elle a créé des œuvres totalement abstraites quelques années avant Kandinsky, en 1906. Klint a étudié l'art à l'Académie royale des beaux-arts de Stockholm et, après avoir obtenu son diplôme, a travaillé comme portraitiste et paysagiste. Jeune femme, elle découvre la théosophie, un mouvement religieux lié au spiritisme, ce qui façonne ses premières œuvres abstraites. Elle pensait être guidée par des esprits et cherchait à capturer ces forces invisibles sur la toile. Ainsi, entre novembre 1906 et mars 1907, elle crée une série d'œuvres intitulée Primordial Chaos, dont certaines comportent un élément représentatif tandis que d'autres sont totalement abstraites. Elle a ensuite créé une autre série abstraite de grandes œuvres intitulée The Ten Biggest et a continué à développer son abstraction tout au long des années 1910, passant de formes plus organiques à des formes géométriques. Au moment de sa mort en 1944, aucune de ses œuvres abstraites n'avait été exposée et elles n'ont attiré l'attention du grand public que bien des années plus tard.

Hilma af Klint : Groupe IV, Les dix plus grands, n° 7, L'âge adulte (1907)

 Parmi les autres pionniers de l'art totalement abstrait, citons Piet Mondrian, dont l'art abstrait était également ancré dans le mouvement théosophique. Il a produit ses premières œuvres non figuratives en 1913, déclarant qu'il cherchait à "articuler une conception mystique de l'harmonie cosmique qui se cache derrière les surfaces de la réalité". Au cours des deux décennies suivantes, il continue d'affiner et de simplifier ses compositions. À la même époque, l'artiste russe d'avant-garde Kasimir Malevitch commence lui aussi à expérimenter l'abstraction géométrique et, vers 1915, il réalise le Carré noir. Il s'agit d'un simple carré noir peint sur un fond blanc. Il s'agit de la peinture la plus radicalement abstraite jamais réalisée et, comme l'affirme l'essayiste russe Tatyana Tolstaya, elle "a tracé une fois pour toutes une ligne infranchissable qui a délimité l'abîme entre l'art ancien et l'art nouveau"

Dada

Dada a vu le jour en 1916 à Zurich, en réaction directe aux horreurs de la Première Guerre mondiale. Remettant en question les fondements mêmes de la société et, par extension, de l'art, ses partisans se sont détournés de la peinture et de la sculpture traditionnelles pour se tourner vers des médias et des méthodes non traditionnels. Ils prônent des stratégies telles que la collaboration, la spontanéité et le hasard et, bien que le mouvement ne soit pas entièrement abstrait, l'abstraction est un domaine logique à explorer, car elle permet de représenter des sujets non rationnels. Francis Picabia a créé des tableaux présentant des formes mécaniques sans rapport avec la réalité, tandis que Jean (Hans) Arp a exploité la nature du hasard, créant des œuvres abstraites à partir de bouts de papier jetés en l'air et collés à l'endroit où ils tombaient. Les techniques d'Arp ont influencé à la fois le surréalisme et l'expressionnisme abstrait. Au lieu d'utiliser la pensée rationnelle pour planifier une image, l'inclusion d'éléments de hasard a permis aux artistes de se libérer complètement l'esprit pendant la création de leur art.

Le surréalisme

Comme Dada, le surréalisme n'était pas un mouvement entièrement abstrait, mais nombre de ses praticiens ont pris des mesures qui ont permis des avancées significatives dans le domaine de l'abstraction. Le mouvement était à l'origine littéraire, et son engagement dans l'écriture automatique, destinée à faciliter l'accès à l'inconscient, s'est répandu dans les arts visuels par le biais de diverses techniques. Les surréalistes ont également intégré l'intérêt de Dada pour les nouveaux médias et le hasard dans les techniques pseudo-abstraites que sont la décalcomanie et le grattage. La décalcomanie consiste à presser de la peinture entre des feuilles de papier, tandis que le grattage consiste à gratter de la peinture humide à l'aide d'un outil et à travailler avec les motifs ou les images qui en résultent.

Arshile Gorky utilise le dessin automatique pour créer le tableau surréaliste Garden of Wish Fulfilment (1944).

André Masson, qui avait été brièvement associé au cubisme, a commencé à créer des dessins d'association libre avec des lignes continues, à partir desquelles des figures et des formes reconnaissables apparaissaient parfois. À la suite de la Seconde Guerre mondiale, Masson s'exile à New York et poursuit ses recherches artistiques sur l'automatisme, influençant finalement l'École de New York. Joan Miró, quant à lui, fusionne le dessin automatiste avec des formes abstraites et des vestiges de représentation réaliste. Son œuvre surréaliste repose en fin de compte sur un lexique unique de symboles et de figures issus d'un langage artistique qu'il a développé pendant de nombreuses années. Roberto Matta a également fusionné l'automatisme et l'abstraction ; très tôt, il a renoncé à la figuration en faveur de l'utilisation de symboles abstraits pour tenter de représenter son monde intérieur.

Expressionnisme abstrait

L'expressionnisme abstrait a été le premier mouvement entièrement abstrait aux États-Unis. Il est apparu à la fin des années 1940 et dans les années 1950, en partie en réaction à la Seconde Guerre mondiale. S'inspirant de l'art archaïque et indigène, ainsi que de l'automatisme et de la psychologie jungienne, les membres de l'école de New York ont cherché des moyens d'exprimer leur propre psyché en puisant dans les émotions universelles afin d'être intemporels. Les deux principales itérations du mouvement sont l'Action Painting et le Color Field painting.

Sabra (1966) de l'expressionniste abstrait Franz Kline est un exemple d'Action Painting.

Jackson Pollock était un représentant de l'Action Painting. Il a commencé à verser et à faire couler de la peinture sur des toiles non montées et non apprêtées, posées sur le sol, en entrant souvent dans la peinture pendant le processus. Il a créé des peintures entièrement non objectives dans lesquelles le seul sens de l'illusion réside dans les gouttes de peinture qui se superposent. Willem de Kooning était également un peintre d'action, travaillant de manière abstraite tout en utilisant des images reconnaissables, comme dans sa série des Femmes. Il cherchait ainsi à créer un symbole métaphorique et iconique de la femme, faisant allusion aux femmes des cavernes préhistoriques ainsi qu'aux publicités modernes. En réaction à la nature gestuelle des peintures d'action, les artistes Kenneth Noland et Ellsworth Kelly ont créé des peintures appelées Hard Edge Abstraction, ainsi nommées parce qu'elles mettent l'accent sur des formes claires basées sur des formes simples et sur une application de peinture monochromatique et lisse avec des couleurs vives tirées directement du tube. Cette technique élimine consciemment les éléments personnels de l'expressionnisme abstrait.

Jackson Pollock : Rythme d'automne : Numéro 30 (1950)

Contrairement à ces peintures, qui se caractérisent par une surface active et picturale, les peintres du Color Field ont créé des œuvres à grande échelle dominées par quelques teintes soigneusement appliquées en aplats. Ces champs de couleurs tentent d'envelopper le spectateur, engendrant un sentiment de petitesse face à l'inconnaissable. Les œuvres matures de Barnett Newman consistaient en une teinte monochrome ponctuée de stries verticales qu'il appelait "zips" et qui étaient destinées à donner au spectateur le sentiment d'une rencontre avec une présence élémentaire. Mark Rothko est arrivé à ses rectangles empilés en 1949. Dans diverses combinaisons de couleurs, les œuvres se caractérisent par leur orientation verticale avec deux ou trois rectangles horizontaux flottant sur la toile, le contenu résidant dans la couleur et les formes simples. Réduites à la taille humaine et accrochées bas, comme les "zips" de Newman, ces peintures peuvent donner l'impression d'être en contact avec une présence d'un autre monde. Issue de la peinture Color Field, l'abstraction post-peinture est un groupe de mouvements apparentés. Dans ce cadre, Helen Frankenthaler a notamment créé une technique de taches imbibées, qu'elle a utilisée pour créer des abstractions basées sur la nature. D'autres artistes tels que Morris Louis et Jules Olitski ont utilisé cette technique dans leurs propres peintures abstraites plus décoratives.

Art Informel

L'art informel est souvent considéré comme l'équivalent européen de l'expressionnisme abstrait et a vu le jour à la même époque. Il s'agit d'un terme générique pour une variété de mouvements qui mettent l'accent sur l'intuition plutôt que sur la rationalité dans l'espoir de créer un art universellement accessible. Le tachisme, une itération de l'art informel, a vu le jour en France. Nommé d'après le mot français tache, ce mouvement se caractérise par une application gestuelle et intuitive de la peinture, avec de larges coups de pinceau, des gouttes et des éclaboussures de couleur.

Ce style d'abstraction se retrouve dans la production expérimentale du groupe CoBrA en Europe centrale et du groupe Gutai au Japon. Les artistes du groupe CoBrA se sont inspirés d'anciens mythes nordiques, de dessins d'enfants et d'œuvres d'art créées par des malades mentaux. Avec une palette lumineuse et une main libre, nombre de leurs œuvres mettent en scène des animaux abstraits et fantastiques, symbolisant selon eux la nature bestiale de l'humanité révélée par la Seconde Guerre mondiale. Les artistes Gutai, quant à eux, cherchaient à capturer "l'esprit de la vie", déclarant dans leur manifeste de 1956 : "Nous avons décidé de poursuivre avec enthousiasme les possibilités de la créativité pure. Nous pensons qu'en fusionnant les qualités humaines et les propriétés matérielles, nous pouvons appréhender concrètement l'espace abstrait".

Op Art et Minimalisme

Le mouvement Op Art des années 1960 s'est concentré sur la création d'œuvres qui semblaient bouger grâce à des relations de couleurs et des motifs. Ainsi, tout en incarnant une toile allover comme Jackson Pollock, il se désintéressait totalement d'une expression métaphorique de soi. Le minimalisme est souvent considéré comme une forme d'abstraction extrême dans la mesure où il n'y a pas d'intention de signification en dehors de l'autoréférentialité de l'objet en mettant l'accent sur la forme et le matériau. Le sujet des peintures minimalistes est constitué de grilles, de formes géométriques ou de lignes, ou même d'une recherche sur une peinture composée de noir ou de blanc. Les sculpteurs minimalistes préfèrent souvent le terme "objet" pour désigner leur travail et utilisent des matériaux industriels tels que l'acier, la fibre de verre et le plexiglas

Concepts et styles

Art abstrait et art non objectif

À la base, l'art abstrait peut être considéré comme divisé en deux groupes : l'art abstrait, qui est basé, sous une forme ou une autre, sur la réalité, et l'abstraction non objective, qui ne contient pas de sujet ou de scène identifiable. L'impressionnisme et le post-impressionnisme sont des exemples de mouvements appartenant à la première catégorie. L'art impressionniste est abstrait dans la mesure où certains aspects d'une scène sont mis en valeur au détriment d'autres, tandis que le post-impressionnisme, tout en utilisant des changements de perspective et de couleur, représente toujours quelque chose d'identifiable. Les deux consistent en la représentation d'un espace tridimensionnel, même s'il est tronqué et déformé. En revanche, les œuvres d'art non objectives n'ont aucun fondement dans la réalité. De Stijl et l'expressionnisme abstrait sont des exemples d'abstraction non objective dans la mesure où l'accent mis par Piet Mondrian sur les arrangements géométriques et les rectangles empilés de Mark Rothko ne sont pas une représentation de l'espace réel. Ainsi, si tout l'art non objectif est abstrait, tout l'art abstrait n'est pas non objectif.

Henri Matisse : Femme au chapeau (1905)

Abstraction et musique

Au tout début du modernisme, de nombreux artistes désireux d'abandonner la peinture figurative au profit d'œuvres abstraites plus expressives ont vu dans la musique une source d'inspiration logique. Cette notion était particulièrement convaincante en raison de l'idée moderniste selon laquelle toutes les formes d'art sont liées. Kandinsky a peut-être rendu ce lien le plus explicite en établissant une analogie entre la musique et l'abstraction, en déclarant que "la musique est depuis quelques siècles l'art qui s'est consacré non pas à la reproduction des phénomènes naturels, mais plutôt à l'expression de l'âme de l'artiste, dans le son musical". L'artiste a donc intitulé ses œuvres abstraites Impressions, Improvisations et Compositions et, en arrangeant les couleurs et les formes géométriques simples de manière rythmique, il a cherché à exprimer ce que la musique lui faisait ressentir, ce qui a donné lieu à la création de quelques-unes des premières peintures entièrement abstraites.

 Le post-impressionniste van Gogh a été profondément marqué par les psaumes, les hymnes et les compositions de Richard Wagner, utilisant la couleur et les motifs pour dépeindre les émotions intenses qu'il pensait que Wagner exprimait musicalement. Piet Mondrian s'est lui aussi intéressé à la musique dans ses abstractions géométriques rigoureuses. Lorsqu'il s'installe à New York et qu'il est exposé pour la première fois à la musique boogie-woogie, il crée sa série Boogie-Woogie, assimilant directement la musique à sa propre marque d'abstraction, la décrivant comme une "destruction de la mélodie qui est la destruction de l'apparence naturelle ; et la construction par l'opposition continue de moyens purs - le rythme dynamique".

Abstraction (1937) de Stuart Davis présente une harmonie et un sens du rythme inspirés de la musique.

À cheval entre le réalisme américain et l'abstraction de l'avant-garde européenne, Stuart Davis a repris le langage du cubisme synthétique dans ses abstractions inspirées par le jazz et le swing, qu'il considérait comme le contrepoint musical de l'abstraction. De même, si Georgia O'Keeffe a travaillé à la fois sur la figuration et l'abstraction, elle a attribué à la musique le mérite d'avoir inspiré nombre de ses œuvres abstraites, estimant que "la musique pouvait être traduite en quelque chose pour l'œil" et qu'elle était ainsi capable d'exprimer des choses en dehors des limites de la représentation.

Stanton Macdonald-Wright et Morgan Russell, fondateurs du Synchronisme, un mouvement auquel on attribue la première théorie américaine non objective de la peinture, ont cherché à organiser et à utiliser les couleurs de la même manière que les notes et les instruments étaient utilisés pour organiser les mélodies.

Plus récemment, les artistes afro-américains Sam Gilliam et Stanley Whitney ont fait écho au jazz dans leurs peintures abstraites, réalisant ainsi des œuvres à caractère social d'une manière abstraite en dehors du Black Arts Movement. En tant qu'expressionniste abstrait de la deuxième génération, les itérations de Gilliam tendent à être plus improvisées, tandis que Whitney considère que les couleurs de ses peintures inspirées de grilles sont équivalentes à l'appel et à la réponse dans la musique.

Abstraction et spiritualité

L'exploration de spiritualités alternatives a été, et continue d'être, un terrain fertile pour divers développements de l'abstraction. En raison de son intérêt et de sa pratique du spiritualisme, Hilma af Klint a attribué à un être spirituel le soin de guider sa propre main lors de la création de centaines de peintures abstraites destinées à orner un temple. Le principal objectif de Wassily Kandinsky en tant qu'artiste était d'exprimer le spirituel, qui était pour lui étroitement lié à son expérience de l'écoute de la musique. L'abstraction rigoureuse de Piet Mondrian visait à transcender les particularités narratives pour créer une expression universelle, étroitement liée à ce qu'il appelait sa propre réalité intérieure. Le suprématisme de Kazimir Malevitch, un style extrêmement simplifié qui n'avait aucun lien avec le monde extérieur, était appelé ainsi car il associait la suprématie du sentiment pur à la forme. Il estimait que ses œuvres suprématistes permettaient aux spectateurs de percevoir l'ineffabilité et l'infini de l'absolu.

Les membres de l'école de New York ont été fascinés par les formes d'art indigène, qu'ils considéraient comme des précurseurs de l'art moderne et qui regorgeaient de sujets propres à l'Amérique, dont ils se sont finalement inspirés dans leurs œuvres abstraites. Cet intérêt pour l'art indigène était étroitement lié aux valeurs spirituelles qu'ils considéraient comme inhérentes aux objets. L'artiste Adolph Gottlieb notait que "si l'art moderne a reçu sa première impulsion en découvrant les formes de l'art primitif, nous pensons que sa véritable signification ne réside pas simplement dans l'arrangement formel, mais dans le sens spirituel qui sous-tend toutes les œuvres archaïques".

Sculpture abstraite

Comme la peinture abstraite, la sculpture abstraite peut s'inspirer d'un élément de la réalité ou être totalement dépourvue d'objectivité. Constantin Brâncuși est un des premiers représentants de la première catégorie, comme l'illustrent ses sculptures d'oiseaux en vol, évoqués par d'élégantes lignes elliptiques. Grâce à un processus de simplification progressive, ses sculptures ont pu capturer l'essence de leur sujet. Brancusi a déclaré : "Ce que mon art vise, avant tout le réalisme, c'est la réalité la plus cachée, l'essence même des objets dans leur propre nature fondamentale intrinsèque. C'est ma seule préoccupation". Comme Brancusi, le sculpteur Alberto Giacometti a également créé des sculptures abstraites basées sur la réalité, mais d'une manière différente. Intéressé par le surréalisme, Giacometti a commencé par créer des images abstraites de têtes et de crânes afin de rappeler le caractère éphémère de la vie. Très affecté par les ravages de la Seconde Guerre mondiale, Giacometti s'est ensuite concentré sur la forme humaine, créant des figures émaciées et allongées aux surfaces rugueuses afin d'exprimer le traumatisme de l'époque. Bien qu'elles soient reconnaissables en tant que figures humaines, elles ne sont pas censées évoquer une ressemblance.

Les Quatre éléments (1961) d'Alexander Calder sont l'exemple même de ses "stabiles" à grande échelle

Avec ses "mobiles", Alexander Calder a fait entrer la sculpture abstraite dans un nouveau domaine, celui de la non-objectivité. Composés de formes contrastées aux couleurs vives reliées par des fils, ces mobiles ont introduit le mouvement dans la sculpture abstraite. Calder a également créé de grandes sculptures que l'artiste Jean Arp a appelées "stabiles", qui ressemblaient à ses mobiles, mais sans les éléments mobiles. Les sculptures abstraites et ludiques de Calder ne sont pas fondées sur la réalité, mais peuvent être considérées comme une recherche sur le mouvement et la couleur.

La sculpture minimaliste est également une partie importante de la sculpture abstraite qui est également non objective. Donald Judd a créé des structures à partir de matériaux industriels. L'idée que l'art n'a pas besoin de se préoccuper de la représentation est cruciale pour ses œuvres autonomes. Le sculpteur contemporain Richard Serra a créé des abstractions à grande échelle, spécifiques à un site, souvent perçues en termes de sublime industriel en raison de leur présence écrasante. Dans ses œuvres, l'expérience du spectateur est cruciale ; à ce sujet, Serra a déclaré : "Ce que je fais est le contraire de ce que j'ai fait : "Ce que je fais est le contraire d'un objet. Je fais un objet avec un sujet - la personne qui y entre et qui y ressent une expérience. Sans cette personne, il n'y a pas d'œuvre d'art".

Photographie abstraite

Inspiré par les peintures abstraites, le galeriste et photographe Alfred Stieglitz a commencé à expérimenter la création de photographies abstraites. Après avoir pris des photos de son environnement quotidien, il a commencé à incliner son appareil vers le ciel pour capturer des nuages dans une série qu'il a appelée Équivalents, estimant que les images étaient analogues à son état émotionnel. Sans contenu référentiel ni ligne d'horizon pour ancrer l'image dans l'espace, ces photographies comptent parmi les premières photographies abstraites jamais créées. Stieglitz était également un partisan du photographe Paul Strand, qui s'est lui aussi tourné vers l'abstraction. Ne cherchant pas à reproduire les effets de la peinture en photographie, Strand a créé des photographies abstraites à partir d'images en gros plan mettant l'accent sur les motifs et la lumière. En se concentrant sur des objets de très près, il réussit à rendre méconnaissables des objets banals. Comme Stieglitz et d'autres photographes tels que Moholy-Nagy, Strand a reconnu l'importance de l'abstraction dans sa photographie, écrivant qu'il utilisait "des formes abstraites pour créer une émotion qui n'est pas liée à l'objectivité".

Une des photographies abstraites d'Alfred Stieglitz intitulée Equivalent (1926)

Les artistes Man Ray et Wolfgang Tillmans ont créé des photographies abstraites en expérimentant des matériaux photographiques. Man Ray a créé ce qu'il appelait des "rayographies", dans lesquelles il plaçait des objets sur une feuille de papier photosensible qu'il exposait à la lumière afin de créer des images abstraites. En raison de son implication dans le surréalisme, il utilisait souvent des combinaisons irrationnelles d'objets. L'artiste contemporain Wolfgang Tillmans a également mis au point un moyen de créer des photographies abstraites sans appareil photo. En utilisant une source de lumière contrôlée et du papier photosensible, Tillmans a pu créer des images présentant des plans de lumière et de couleur. À propos des images créées, Tillmans a déclaré : "Il s'agit de photographies réalisées sans appareil photo, uniquement avec de la lumière... elles évoquent des associations, comme la peau, l'astronomie ou la dissolution de produits chimiques".

Développements ultérieurs

En réaction à l'abstraction extrême de l'expressionnisme abstrait, de nombreux artistes sont revenus à la figuration sous différentes formes, soit pour défier le mouvement, soit parce qu'ils estimaient qu'il avait amené l'abstraction à ses limites. L'avènement de l'art conceptuel dans les années 1960 a toutefois offert à certains artistes de nouvelles façons d'explorer l'abstraction. Sol LeWitt peut être considéré comme étant à cheval sur les deux mouvements ; ses Wall Drawings, bien qu'abstraits et constitués de diverses formes composées de différentes couleurs, sont destinés à être créés entièrement par des assistants, éliminant ainsi la notion privilégiée de la main de l'artiste. Yayoi Kusama est une autre artiste qui fusionne l'art conceptuel et l'abstraction ; le motif des champs de pois, qu'il s'agisse de peintures ou d'environnements expérientiels, est un élément récurrent de son travail, tandis que les peintures à rayures de Daniel Buren ont notamment utilisé le motif abstrait commun comme point de départ de sa recherche sur la nature de la peinture. Dans les années 1980, les artistes qualifiés de néo-géo ont utilisé l'abstraction géométrique en réaction à la place prépondérante accordée à la technologie et à la commercialisation dans la vie contemporaine. La palette lumineuse de Peter Halley, ses cellules symboliques et l'utilisation de matériaux courants constituent un commentaire incisif sur ce qu'il appelle notre société abstraite.

L'exploration conceptuelle des pois par Yayoi Kusama est fusionnée dans un environnement expérientiel dans The Spirits of the Pumpkins Descended into the Heavens, ici installé à la National Gallery of Australia (2015).

Les artistes contemporains continuent de s'engager dans l'abstraction d'une myriade de manières nouvelles et passionnantes. Certains, comme Gerhard Richter, ne voient pas la nécessité de se limiter à une seule discipline et travaillent à la fois dans l'abstraction et la figuration. Nombre d'entre eux s'appuient également sur l'héritage de l'abstraction tel qu'il a été exploré par les mouvements ultérieurs. L'intérêt de l'art conceptuel pour l'art socialement et politiquement investi est exprimé par les artistes engagés dans l'art post-noir et l'art féministe. Les grandes abstractions de Mark Bradford, créées à partir de papier trouvé, commentent l'accès de certaines communautés aux beaux-arts tout en faisant allusion aux écrans de sécurité. Rashid Johnson utilise des matériaux autobiographiques dans ses sculptures, ses installations et ses peintures afin de parler de l'expérience noire de manière personnelle. S'appuyant sur l'héritage d'artistes tels que Judy Chicago et Meyer Schapiro, les artistes continuent à subvertir la broderie et les textiles de manière abstraite pour commenter l'expérience féminine. Tammy Kanat crée des textiles organiques à grande échelle, souvent inspirés par la nature, de manière intuitive, tandis que l'artiste Vanessa Barragão crée des tissus à connotation politique inspirés par l'océan afin de faire allusion à la crise environnementale.