Art américain

Début : 1600

Art américain (début-1900)

L'art amérindien

Avant que les Européens ne colonisent l'Amérique du Nord, de nombreuses tribus indigènes avaient développé des traditions artistiques riches et complexes. Elles avaient mis au point un vocabulaire très stylisé qui utilisait des motifs géométriques complexes et des formes presque abstraites qui évoquaient le monde naturel et symbolisaient les histoires ancestrales et mythologiques. Les objets étaient souvent utilitaires et, en même temps, empreints d'une signification rituelle. Cependant, les colons nouvellement arrivés dans l'est des États-Unis considéraient principalement ces traditions comme des curiosités ou des objets d'art et d'artisanat, tout en aspirant aux traditions des beaux-arts et aux valeurs culturelles britanniques. Les artistes amérindiens ont adapté les nouveaux matériaux et techniques apportés par les colons, notamment la broderie florale, les perles et l'orfèvrerie.

Three Iroquois in Diverse Costumes (vers 1827) de David Cusick adapte le réalisme européen à la représentation des Amérindiens.

Dans le même temps, certains artistes indigènes ont développé un style européen pour dépeindre des sujets indigènes. David Cusick, un artiste Tuscarora, a publié ses Esquisses de l'histoire ancienne des Six Nations en 1828 et, avec son frère Dennis, un aquarelliste, il a créé l'école réaliste iroquoise. Le premier mouvement artistique amérindien comprenait plus de 25 artistes iroquois qui utilisaient le dessin, la peinture et la gravure pour dépeindre de manière réaliste les croyances, l'histoire, la mode et le mode de vie de leur tribu. Edmonia Lewis, d'origine ojibwée et afro-américaine de Mississauga, est devenue internationalement connue pour ses sculptures néoclassiques, comme The Death of Cleopatra (1876), exposée à la Centennial Exposition de Philadelphie. Au début des années 1900, l'art amérindien a commencé à faire l'objet d'une attention nationale et internationale. Les Kiowa Six, Spencer Asah, James Auchiah, Jack Hokeah, Stephen Mopope, Lois Smoky et Monroe Tsatoke, sont célébrés pour leurs dessins au Ledger qui utilisent des contours forts et des aplats de couleurs vives. Le groupe a exposé à la première exposition internationale d'art de Prague en 1928 et à la Biennale de Venise en 1932.

Art populaire

Une grande partie de l'art populaire américain est de nature utilitaire, les sculptures étant principalement des figures de proue pour les bateaux, des girouettes et des pierres tombales sculptées, mais des broderies encadrées et des peintures sur velours étaient également réalisées pour décorer les murs. Les premiers peintres folkloriques américains étaient appelés limners, d'après le terme limning, qui signifie "tracer un contour avec des détails clairs et nets". Souvent autodidactes, les limners voyageaient de ville en ville et gagnaient leur vie en proposant de peindre n'importe quoi, des enseignes des marchands locaux aux outils agricoles et aux voitures. Alors que les colonies reflétaient les valeurs culturelles britanniques, qui considéraient le portrait comme un signe de statut social, les portraitistes d'art, comme la Française Henrietta Johnston, qui a émigré à Charleston, en Caroline du Sud, vers 1705, gravitaient dans les villes, tandis que les chaux-de-fonniers permettaient aux gens ordinaires des petites villes de faire peindre leur portrait. Avec des couleurs vives et des contours sans modelé ni ombrage, les portraits de l'art populaire sont souvent intimes, représentant la personne assise avec quelques objets qui ont une signification personnelle. Edward Hicks, qui a commencé sa carrière en tant que limier, est devenu célèbre pour son œuvre The Peaceable Kingdom (1829-31), qui exprime ses valeurs quakers dans un style folklorique dynamique. L'art populaire s'inspire également des traditions afro-américaines ; dans les années 1880, Harriet Powers, une ancienne esclave, commence à exposer ses quilts, qui dépeignent des récits puissants dans des couleurs vives et des formes et motifs géométriques.

Le Bible Quilt de Harriet Powers (1885-86), un quilt unique qui illustre des scènes de la Bible.

L'architecture américaine

Après la guerre d'Indépendance, alors que la jeune nation construisait son identité, l'architecture américaine des débuts s'inspirait de l'architecture britannique et de l'architecture néoclassique. Basé sur le travail et la théorie de l'architecte vénitien de la Renaissance, Andrea Palladio, le néoclassicisme était le style architectural dominant dans l'Europe du XVIIIe siècle. Thomas Jefferson, le troisième président des États-Unis, était également un architecte novateur, et son projet pour Monticello (1772-1809), sa maison en Virginie, illustre le style néoclassique, avec un portique palladien à quatre colonnes colorées. Pendant sa présidence, ses idées ont également inspiré les plans de Benjamin Henry Latrobe pour le Capitole des États-Unis, lançant ce qui est devenu le style fédéral, privilégié pour les bâtiments officiels.

La maison de Thomas Jefferson, Monticello, incarne les idéaux néoclassiques de la jeune nation.

Développée vers 1830 dans le contexte du néoclassicisme, l'architecture Beaux-Arts a rejeté le formalisme du néoclassicisme pour incorporer des éléments de la Renaissance, du baroque et de l'architecture gothique tardive. Aux États-Unis, le style Beaux-Arts, dirigé par Richard Morris Hunt, est devenu connu sous le nom de "Renaissance américaine" ou "Classicisme américain". Hunt a activement promu ce style populaire, qui a été utilisé dans la conception d'hôtels particuliers et de bâtiments publics, notamment la Biltmore House (1889-95) construite pour le magnat George Vanderbilt. Au XXe siècle, les architectes américains des Beaux-Arts sont revenus à des conceptions moins ornementales et classiques, comme en témoigne le Lincoln Monument (1914-22) de Henry Bacon et Daniel Chester French.

Né en 1890 et influencé par le mouvement britannique Arts and Crafts et le japonisme, le très influent mouvement Art nouveau se caractérise par des motifs organiques, fluides et floraux. Les architectes de l'Art nouveau considéraient le bâtiment, ses espaces intérieurs et ses détails comme un tout unifié. Louis Comfort Tiffany, Louis Sullivan et Frank Lloyd Wright ont été influencés par l'Art nouveau. Le Wainwright Building (1891) de Sullivan présente une frise avec un motif décoratif de feuilles de céleri, des écoinçons décoratifs et une porte d'entrée élaborée. Ces motifs architecturaux sont devenus populaires pour les gratte-ciel et les immeubles de grande hauteur, comme le montre le Decker Building (1892) de New York. Plus tard, au XXe siècle, l'Art déco a été adapté aux projets de travaux publics et aux bâtiments emblématiques tels que le Chrysler Building de William Van Alen (1930).

Le Chrysler Building (1930) a adapté l'architecture Art déco en créant un style moderne et épuré.

Apparu en 1914, le style international mettait l'accent sur l'utilisation de l'acier, du verre et du béton. Apparu au lendemain de la Première Guerre mondiale et considéré comme le reflet de l'ère moderne, il a souvent été utilisé pour les logements d'après-guerre. Les architectes autrichiens Richard Neutra et R.M. Schindler ont introduit le style lorsqu'ils se sont installés aux États-Unis dans les années 1910 et ont travaillé avec Frank Lloyd Wright. Bien que les deux hommes aient créé des bâtiments remarquables de style international, comme la Lovell Health House (1929) de Neutra, l'esthétique ne s'est véritablement épanouie aux États-Unis qu'après la Seconde Guerre mondiale, lorsque l'expansion économique a entraîné un boom de la construction de gratte-ciel. D'éminents architectes, dont Walter Gropius, Marcel Breuer et Ludwig Mies van der Rohe, sont venus aux États-Unis dans l'après-guerre et ont enseigné à une nouvelle génération d'architectes américains, tout en concevant des bâtiments remarquables. Mies, par exemple, a construit le Seagram Building (1954-58) à New York et le campus de l'Illinois Institute of Technology à Chicago (achevé en 1956). Le style international, avec ses rideaux de verre et sa construction industrielle, a également été utilisé pour les fast-foods et les stations-service, alors que l'Amérique entreprenait la construction de nouvelles autoroutes, reliant le pays d'un océan à l'autre.

La Lovell Health House de Richard Neutra illustre l'utilisation de l'acier, du verre et du béton dans le style international.

À partir de 1950, le Brutalisme, également appelé Nouveau Brutalisme, est un style d'architecture massive qui utilise principalement du béton préfabriqué non fini. Ce style est devenu populaire pour les bâtiments des campus universitaires, les salles de spectacles, les bibliothèques, les bâtiments gouvernementaux et les bureaux d'entreprises dans tous les États-Unis. Paul Rudolph était l'un des principaux promoteurs de ce style, comme en témoigne son bâtiment d'art et d'architecture de Yale (1958). Le Corbusier, Oscar Niemeyer, Wallace Harrison et Max Abramovitz ont conçu le siège des Nations unies (1948-52), et Marcel Breuer a travaillé avec plusieurs équipes d'architectes américains pour concevoir l'hôtel de ville de Boston (1963-68). Le Breuer Building (1966) de Breuer et Hamilton Smith, qui abrite le Whitney Museum of American Art et, plus tard, un Metropolitan Museum agrandi, est également un projet brutaliste avant-gardiste.

L'école de la rivière Hudson (1826-70)

L'école de la rivière Hudson, dirigée par Thomas Cole, né en Grande-Bretagne mais émigré aux États-Unis à l'âge de dix-sept ans, a été le premier mouvement artistique américain reconnu. Centrés sur le haut de l'État de New York, qui était alors une région sauvage, les artistes associés à ce mouvement ont mis l'accent sur la beauté sublime et unique du paysage américain. Influencés par le concept de sublime du romantisme et l'accent mis par le naturalisme sur la précision des détails observés, les paysages de Cole, tels que Kaaterskill Upper Fall, Catskill Mountains (1825) et Dunlap Lake with Dead Trees (Catskill) (1825), dépeignent des scènes américaines évoquant les possibilités illimitées de la nouvelle nation.

L'œuvre d'Albert Bierstadt intitulée Among the Sierra Nevada, California (1868) est l'une des nombreuses peintures qui ont contribué à façonner l'image de l'Amérique du XIXe siècle en tant que terre promise.

Après la mort de Cole en 1848, Asher B. Durand, influencé par l'école française de Barbizon, a pris la tête d'un mouvement vers une peinture plus naturaliste. Les artistes Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, John Frederick Kensett, George Inness et Thomas Moran forment la deuxième génération. Leurs œuvres sont devenues extrêmement populaires, l'exposition d'une seule peinture panoramique pouvant attirer des milliers de visiteurs. Dans les années 1860, alors que la Destinée Manifeste, avec son appel à aller vers l'Ouest, devient une force nationale dominante, Bierstadt et Moran se tournent vers les panoramas des paysages spectaculaires de l'Ouest et, avec William Keith et Thomas Hill, sont parfois appelés l'École des montagnes Rocheuses. Leurs œuvres ont également inspiré et alimenté le mouvement de préservation des merveilles naturelles de l'Amérique, notamment les parcs de Yellowstone et de Grand Teton. Par ailleurs, l'échelle et le sentiment d'intimité des œuvres de George Inness, comme The Delaware Valley (vers 1863), et les représentations de John Frederick Kensett de la lumière se reflétant sur des étendues d'eau ont joué un rôle de pionnier dans le développement de ce que l'on a appelé plus tard le luminisme.

Le luminisme (1850-75)

Le terme "luminisme" a été développé par des historiens de l'art dans les années 1950 pour identifier un style qui a fleuri entre 1850 et 1870 chez un certain nombre de peintres paysagistes américains. Ces peintres se sont inspirés d'un certain nombre d'influences, notamment la peinture de paysage de l'âge d'or hollandais, la photographie et les paysages de genre de George Harvey, William Sidney Mount et George Caleb Bingham. John Frederick Kensett, chef de file du mouvement, mettait l'accent sur le paysage lui-même, avec très peu, voire aucune présence humaine ; il se concentrait sur le jeu de la lumière et de l'atmosphère sur une étendue d'eau, comme le montre sa Vue de la rivière Shrewsbury, New Jersey (1859). Plutôt que d'explorer de nouvelles perspectives et des paysages accidentés, chacun des Luministes était associé à un lieu particulier, l'artiste revenant sur les mêmes scènes, peignant la lumière et l'atmosphère changeantes d'un jour à l'autre ou d'une saison à l'autre. Les Luministes, qui comprenaient Kinsett, Fitz Henry Lane, Jasper Francis Cropsey, Sanford Robinson Gifford et Martin Johnson Heade, préféraient les œuvres intimes à petite échelle qui mettaient l'accent sur la communion de l'individu avec la nature, reflétant la philosophie du Transcendantalisme de Ralph Waldo Emerson et Henry David Thoreau, selon laquelle la vérité spirituelle était révélée dans la contemplation de la nature.

Lake George (1869) est l'une des nombreuses scènes du lac du nord de l'État de New York que John Frederick Kensett affectionnait.

Tonalisme (1870-1915)

Le tonalisme est apparu au début des années 1870 dans la série de Nocturnes de James McNeill Whistler, qui mettait l'accent sur les harmonies tonales, souvent dans des verts sourds, des bleus et des couleurs sombres, pour dépeindre des paysages au crépuscule. Des œuvres comme son célèbre et controversé Nocturne en noir et or : The Falling Rocket (vers 1875), Whistler a déclaré : "Un nocturne est d'abord un arrangement de lignes, de formes et de couleurs", mais il estimait également que les harmonies tonales étaient l'équivalent visuel des compositions musicales. Né en Amérique, Whistler a passé la majeure partie de sa vie en Grande-Bretagne, où il a joué un rôle de pionnier dans un certain nombre de mouvements, dont le japonisme, le mouvement esthétique et l'esthétique anglo-japonaise. Les tonalistes George Inness et Albert Pinkham Ryder ont également été influencés par l'école de Barbizon. Utilisant des tons dorés et bruns pour dépeindre un paysage au lever ou au coucher du soleil, Inness met l'accent sur l'expression spirituelle dans des œuvres comme Sunrise (1887), tandis que Ryder introduit souvent un élément narratif mythologique dans ses paysages mystérieux, précurseurs du symbolisme. En 1899, Henry Ward Ranger fonde la Old Lyme Colony dans le Connecticut, qu'il considère comme un "Barbizon américain". Une deuxième génération de tonalistes, dont Allen Butler Talcott, Henry Cook White, Bruce Crane, William Henry Howe, Louis Paul Dessar et Jules Turcas, rejoint la colonie artistique. En 1903, Childe Hassam rejoint la colonie et reprend brièvement le style avant de l'abandonner au profit de l'impressionnisme américain.

Le Nocturne en noir et or de James McNeill Whistler : The Falling Rocket, radicale par son abstraction, a suscité une vive controverse lors de son exposition à Londres.

Impressionnisme américain (1880-1920)

L'impressionnisme américain a été principalement inspiré et influencé par les impressionnistes français, notamment Claude Monet, Pierre-August Renoir et Alfred Sisley, qui ont exposé ensemble pour la première fois à Paris en 1874. L'impressionnisme français a influencé les expatriés John Singer Sargent et James McNeill Whistler, bien qu'aucun d'entre eux n'ait pleinement adhéré au mouvement. Mary Cassatt est la première impressionniste américaine connue. Installée à Paris en 1866, elle se lie d'amitié avec Edgar Degas et s'associe et expose avec de nombreux impressionnistes de premier plan. Ses œuvres, pleines de couleurs vives et de coups de pinceau expressifs, représentent souvent des réunions intimes dans des environnements bourgeois décontractés, ainsi que de nombreuses représentations d'une mère et d'un enfant, et ont connu une énorme popularité aux États-Unis. En 1883, la première exposition américaine des impressionnistes français Monet, Renoir, Pissarro et Manet a influencé les artistes William Merritt Chase, Childe Hassam et Edmund C. Trabell. Un certain nombre de colonies d'artistes prospères consacrées à l'impressionnisme américain se sont développées dans tout le pays.

Mary Cassatt a souvent peint des scènes domestiques intimes dans un style impressionniste, notamment Lydia crochetant dans le jardin de Marly (1880).

Art américain (1900-1950)

L'école Ashcan (1900-15)

L'Ashcan School était un groupe d'artistes comprenant John Sloan, George Luks, Everett Shinn et William James Glackens, tous élèves de Robert Henri, alors installé à Philadelphie. S'inspirant des maîtres anciens, comme Diego Velázquez, Francisco de Goya et les derniers réalistes comme Édouard Manet, le groupe utilise des méthodes classiques pour créer des scènes réalistes et grinçantes de la vie moderne de la classe ouvrière, ou ce qu'Henri appelle "l'art pour la vie". Après que le groupe s'est installé à New York, une deuxième génération d'artistes le suit, dont George Bellows, dont les Disappointments of the Ash Can (1915) ont donné leur nom au mouvement. En 1908, Edwin Lawson, Arthur B. Davies et Maurice Prendergast rejoignent le groupe principal, connu sous le nom de The Eight, et créent leur propre exposition en opposition au système alors dominant des expositions avec jury de la National Academy of Design. Utilisant un pinceau gestuel et une palette de couleurs sombres, les sujets non idéalisés des artistes les alignent sur une sensibilité moderne innovante, qui influencera plus tard le mouvement du réalisme social et les artistes Edward Hopper et Ben Shahn. Sloan et Henri ont également enseigné et influencé de nombreux artistes de la Fourteenth Street School.

John Sloan élève les travailleurs et les habitués du McSorley's Bar (1912) en les décrivant avec simplicité et générosité.

La photographie : Le pictorialisme, la photographie directe et au-delà (1902-aujourd'hui)

La photographie moderne, issue des explorations scientifiques de la botanique, de l'archéologie et du mouvement, a intégré une multitude de styles artistiques. Le pictorialisme était un mouvement photographique international qui utilisait les manipulations en chambre noire, les images composites, les scènes posées et mises en scène, ainsi que les flous et les mises au point douces pour mettre en valeur l'expression individuelle. Né en Grande-Bretagne dans les années 1840, le pictorialisme est devenu un mouvement florissant au milieu des années 1880. En 1902, à New York, Alfred Stieglitz et Edward Steichen défendent l'importance de la photographie et lancent la revue Camera Work en 1903 et The Little Galleries of the Photo-Secession en 1905.

La photographie directe, qui met l'accent sur la technologie de l'appareil photo lui-même, rejette le pictorialisme au profit d'images très nettes et riches en détails. En 1907, Stieglitz a commencé à explorer l'image "directe" dans des photographies telles que The Steerage, sans pose préalable du sujet ni utilisation ultérieure de manipulations dans la chambre noire. Il a influencé un certain nombre de photographes de premier plan et a ardemment promu les travaux de Paul Strand dans un numéro de 1917 de Camera Work. Nombre de ces œuvres utilisent des plans rapprochés et des recadrages serrés pour mettre en valeur des formes et des motifs presque abstraits, comme dans Porch Shadows (1916) de Strand. La photographie rectiligne est devenue une tendance dominante qui perdure encore aujourd'hui.

La composition de Porch Shadows (1916) de Paul Strand utilise la lumière, l'ombre et la ligne pour créer une photographie presque abstraite.

L'accent mis sur les formes et les motifs abstraits a influencé le développement de la photographie abstraite, qui a débuté en 1916 avec les Vortographes d'Alvin Langdon Coburn (1916). Stieglitz l'a qualifié de "plus jeune étoile" du groupe Photo-Secession, et Coburn a commencé à explorer les images abstraites dès 1912. Paul Strand et Stieglitz exploreront également la quasi-abstraction.

En 1931, Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams et Willard Van Dyke forment le groupe f/64 à San Francisco. Le mouvement met l'accent sur ce que Van Dyke décrit comme "la photographie pure... définie comme ne possédant aucune qualité de technique, de composition ou d'idée, dérivée d'une autre forme d'art" et fait ses débuts publics lors d'une exposition en 1932 au M.H. de Young Museum. Bien que nombre de ces photographes aient commencé leur carrière en tant que pictorialistes, ils rejettent désormais fermement l'accent mis par ce mouvement sur les effets "artistiques" flous, les scènes composées et les manipulations en chambre noire. Leurs sujets étaient souvent ordinaires et fréquemment tirés de la nature. Cunningham est devenue célèbre pour sa série de fleurs de magnolias, Weston pour ses images d'un seul poivron vert, Adams pour ses images du parc de Yosemite. Le groupe f/64, et en particulier Weston et Adams, a également revitalisé la photographie abstraite, qui est réapparue dans les années 1940 dans les œuvres de Minor White et d'Aaron Siskind.

L'œuvre Tetons and the Snake River (1942) d'Ansel Adam illustre l'esthétique photographique pure du Group f/64 dans l'un de ses paysages emblématiques.

Synchromisme (1912-24)

Le synchromisme mettait l'accent sur les peintures abstraites qui utilisaient principalement l'échelle des couleurs pour créer une "symphonie" visuelle ou un effet musical. Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright, deux jeunes Américains vivant à Paris, fondent le premier mouvement d'avant-garde américain en 1912. Ils adoptent les théories sur les couleurs d'Ernest Percyval-Tudor, un Canadien vivant à Paris, qui pense que les douze couleurs du spectre correspondent aux douze étapes de la gamme musicale, et Russell invente le nom du mouvement en combinant "symphonie" et "chrome". La Synchromie en vert (1913) de Russell a lancé le mouvement au Salon des Indépendants de 1913 à Paris, où elle a influencé Lee Simonson, un décorateur de théâtre moderniste, et John Edward Thompson, qui est devenu plus tard le "doyen de l'art du Colorado" pour avoir introduit l'art moderne dans la région.

Morgan Russell, Cosmic Synchromy (1913-14) manipule les couleurs et les formes pour créer des compositions qu'il assimile à des partitions musicales.

Renaissance de Harlem (1920 - début des années 1940)

Le terme "Harlem Renaissance" définit une période où la musique, la littérature, le théâtre, la peinture et la sculpture ont prospéré au sein de la culture riche et dynamique du quartier de Harlem à New York. Ce mouvement, connu pour la diversité de ses styles, célébrait le "New Negro", un concept avancé par l'écrivain Alain Locke qui mettait l'accent sur un nouveau sens de la dignité afro-américaine, fondé sur l'égalité des droits et lié aux riches traditions culturelles de l'Afrique et de l'Égypte. À la suite de la grande migration qui a débuté vers 1910, lorsque de nombreux Afro-Américains ont quitté les États du Sud pour profiter des opportunités et de la liberté offertes par le Nord, des communautés dynamiques se sont développées à Harlem, ainsi qu'à Chicago et à Philadelphie. La sculpture Ethiopia (1921) de Meta Vaux Warrick a eu une influence pionnière, et le succès international des artistes afro-américains précédents, Mary Edmonia Lewis et Henry Ossawa Tanner, est devenu un modèle déterminant. Travaillant dans des styles variés, des artistes comme Aaron Douglas, Augusta Savage, Archibald J. Motley Jr. et le photographe James Van Der Zee sont devenus des figures de proue du nouveau mouvement. Leur travail et leur enseignement ont ensuite influencé la génération suivante, dont Jacob Lawrence, Beauford Delaney et William H. Johnson.

L'ouvrage de Meta Vaux Warrick, Ethiopia Awakening (1921), reprend l'idée d'Alain Locke sur le "nouveau nègre".

L'école de la quatorzième rue (1920-40)

Dans les années 1950, le terme Fourteenth Street School a été développé pour définir les œuvres de Kenneth Hayes Miller, Isabel Bishop et Reginald Marsh réalisées dans les années 1920 et 1930. Leurs sujets étaient tirés du quartier new-yorkais situé autour d'Union Square et de Fourteenth Street. Ce quartier, surnommé la "5e Avenue du pauvre", était un centre commercial en plein essor, avec des grands magasins de détail dont les ventes, qui proposaient la dernière mode à des prix bon marché, attiraient des milliers d'acheteurs de la classe moyenne. Miller, l'un des chefs de file du mouvement, a commencé à peindre des portraits de consommatrices dans les années 1920. Enseignant à l'Art Center League, il influence Bishop et March, ainsi que Raphael Soyer et Edward Laning, qui deviendront plus tard membres du groupe. Influencés par les maîtres de la Renaissance et du Baroque, les traitements figuratifs du groupe confèrent souvent une sorte de dignité classique aux portraits des clientes matrones, des employées de bureau et des carriéristes, qui sont considérées comme l'incarnation de la "nouvelle femme" et de la prospérité progressive. En raison du traitement réaliste de la vie moderne, le mouvement est souvent inclus dans le réalisme social, bien qu'il partage peu l'attaque du statu quo ou l'intérêt pour le contenu politique de ce mouvement.

Régionalisme américain (1928-43)

Le régionalisme américain n'est pas un mouvement délibérément formé, mais un style et une approche qui se sont développés organiquement dans les œuvres de Thomas Hart Benton, John Steuart Curry et Grant Wood. Ces trois artistes ont mis l'accent sur la représentation réaliste de la vie rurale et des situations ordinaires, et chacun d'entre eux a été associé à une région particulière : Curry avec le Kansas, Benton avec le Missouri et Wood avec l'Iowa. Ils se sont inspirés d'un certain nombre d'influences divergentes : Wood a été influencé par l'artiste de la Renaissance nordique Hans Memling, Benton a fait partie du mouvement Synchromiste, et Curry a utilisé son expérience antérieure dans l'illustration, mais leur travail a toujours rejeté l'art moderne européen et l'abstraction, en faveur d'une approche figurative des sujets qui reflètent ce qu'ils considèrent comme un esprit typiquement américain. L'American Gothic (1930) de Wood, récompensé par une médaille de bronze lors d'un concours de l'Art Institute of Chicago, lance publiquement le mouvement, car l'œuvre reçoit une attention nationale dans les journaux et les magazines. À la fin des années 1930, alors que le fascisme menace l'Europe, l'identification du mouvement à un art nationaliste est critiquée, bien que d'autres artistes, dont le célèbre illustrateur Norman Rockwell et l'artiste Andrew Wyeth, continuent de représenter des scènes réalistes de la vie américaine ordinaire, souvent liées à des régions particulières.

Le Baptême au Kansas (1928) de John Steuart Curry est typique de la description de la vie rurale dans le Midwest.

Le réalisme social (1929 - fin des années 1950)

Le réalisme social s'est développé organiquement parmi les artistes qui ont mis l'accent sur des représentations réalistes de la classe inférieure et de la classe ouvrière, souvent dans un environnement urbain, afin de transformer radicalement la société. Se concentrant sur le sort des travailleurs, les artistes associés au mouvement ont été influencés par les peintures murales de José Clemente Orozco, l'essor des organisations de défense des droits des travailleurs et l'appel aux droits des travailleurs lancé par des organisations de gauche comme la John Reed Society. Le mouvement s'est d'abord inspiré de l'optimisme qui a suivi les révolutions mexicaine et russe, puis de la dépression mondiale qui a débuté en 1929 et de la montée du fascisme dans les années 1930. Rejetant les mouvements d'avant-garde européens pour leur isolement par rapport aux questions sociales, des artistes comme William Gropper, Hugo Gellert, Max Weber, Moses et Raphael Soyer considèrent l'art comme une arme pour lutter contre l'exploitation capitaliste de la classe ouvrière. Les artistes Ben Shahn, Philip Evergood et Antonio Berni étaient également des membres importants du mouvement, tout comme Aaron Douglas et Jacob Lawrence, qui faisaient tous deux partie de la Renaissance de Harlem. Dans les années 1930, les photographes documentaires financés par la WPA, dont Dorothea Lange et Walker Evans, ont été vaguement associés au mouvement en dépeignant les pauvres des zones rurales et l'impact dévastateur de la Grande Dépression, ainsi que le Dust Bowl qui a ravagé les zones agricoles du Midwest.

Dans Construction of a Dam (1939), William Gropper souligne le rôle de la main-d'œuvre dans la construction dynamique de l'ère moderne.

Art américain (à partir de 1950)

Expressionnisme abstrait, Color Field Painting, Post-Painterly et Hard-Edge Abstraction (1943-65)

L'expressionnisme abstrait a vu le jour au début des années 1940, à New York, sous l'impulsion de Jackson Pollock, Clyfford Still, Willem de Kooning, Mark Rothko et Adolph Gottlieb. Les principaux surréalistes ayant fui l'Europe pendant la Seconde Guerre mondiale pour New York, les expressionnistes abstraits ont été influencés par l'accent mis par le surréalisme sur l'automatisme, un art qui puise dans l'inconscient. Alors que les artistes avaient commencé leur carrière en peignant des images figuratives, ils ont évolué vers une abstraction croissante. La galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim a exposé et soutenu le mouvement émergent, et elle a commandé à Pollock l'œuvre monumentale et novatrice Mural (1943). Le critique Clement Greenberg a joué un rôle de premier plan dans la défense du mouvement, en mettant l'accent sur les effets purement visuels et abstraits des peintures. Premier mouvement artistique international américain, l'expressionnisme abstrait a également fait de New York le centre du monde de l'art moderne et a conduit à un certain nombre d'autres développements, notamment le Color Field Painting, l'Action Painting, l'abstraction post-painture et la peinture hard-edge.

Pionnier de l'expressionnisme abstrait, les œuvres de Clyfford Still, telles que 1957-D No. 1 (1957), ont également contribué au développement du Color Field Painting.

Le Color Field Painting, qui a vu le jour à la fin des années 1940, sous l'impulsion de Clyfford Still, Mark Rothko et Barnett Newman, a mis l'accent sur la couleur en tant qu'objet puissamment expressif. Les toiles de Still déploient des couleurs vives dans des formes déchiquetées ; Rothko se tourne vers des rectangles de couleur diaphanes, et Newman crée des peintures "zip", où des bandes de couleur verticales croisent de grands champs de couleur horizontaux. Greenberg se fait le champion du Color Field Painting, qui met l'accent sur la planéité et l'espace non illusionniste, et le considère comme la voie à suivre pour la peinture de pointe.

En 1952, l'influent critique d'art Harold Rosenberg, dans son essai intitulé "The American Action Painters", met l'accent sur l'acte de l'artiste lorsqu'il décide de peindre, inventant ainsi le terme Action Painting en faveur de l'expressionnisme abstrait. Franz Kline, Willem de Kooning et Jackson Pollock ont été associés à ce terme, car Rosenberg considérait que leurs œuvres mettaient l'accent sur l'événement et le processus de peinture lui-même. Les mouvements spontanés de l'artiste, les gouttes et les éclaboussures aléatoires, les gestes énergiques, aboutissent à une œuvre qui traduit l'action de sa réalisation.

En 1964, Greenberg a organisé l'exposition Post-Paintterly Abstraction pour le Los Angeles County Museum of Art. L'exposition comprend des œuvres de 31 artistes, dont Morris Louis et Helen Frankenthaler, ainsi que les artistes de la côte ouest Sam Francis et John Ferren. Ellsworth Kelly, Howard Mehring, Jules Olitski et Kenneth Noland étaient également présents. Greenberg a écrit que ces artistes "ont tendance à mettre l'accent sur les contrastes de teintes pures plutôt que sur les contrastes de lumière et d'obscurité... Dans leur réaction contre l'"écriture" et les "gestes" de l'abstraction picturale, ces artistes favorisent également une exécution relativement anonyme". La Washington Color School, dirigée par Noland et comprenant Gene Davis, Morris Louis et Thomas Downing, entre autres, met l'accent sur l'art abstrait où la couleur est mise en valeur pour créer la forme.

S'inspirant des Color Field Painters, la peinture hard-edge est un terme qui définit une tendance aux formes économiques, à l'exécution impersonnelle et aux lignes épurées. Dans les années 1950, le critique d'art californien Jules Langsner a décrit la tendance qui utilisait "des formes [qui] sont finies, plates, entourées d'un bord dur et net... Ce sont des formes autonomes, qui se suffisent à elles-mêmes en tant que formes". Dans les années 1960, cette tendance était également associée à Al Held, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Frank Stella, Miriam Schapiro et Kenneth Noland.

Vers 1950, dans la région de la baie de San Francisco, David Park, Richard Diebenkorn et Elmer Bischoff ont rejeté l'abstraction pure au profit de sujets figuratifs. Parmi les peintres de la région de la baie, on trouve également Manuel Neri, Nathan Oliveira et Joan Brown. De nombreux artistes avaient commencé leur carrière en tant qu'expressionnistes abstraits et conservaient des éléments de ce mouvement dans leurs paysages et leurs portraits, tout en célébrant la culture et les paysages locaux.

Par ailleurs, au milieu des années 1950, un certain nombre d'expressionnistes abstraits de la deuxième génération, dont Jack Beal, Jane Freilicher et Nell Blaine, ont rejeté le mouvement et se sont tournés vers l'art figuratif. Avec Fairfield Porter, Alex Katz et Lois Dodd, l'association d'artistes new-yorkais a mis l'accent sur le réalisme, connu sous le nom de réalisme contemporain.

Néo-Dada (1952-70)

À partir de 1952, le néo-dada se développe, avec Jasper Johns, Allan Kaprow et Robert Rauschenberg, qui commencent à utiliser les "readymades", les médias de masse et les performances. Les artistes rejettent l'héroïsme existentiel lié à l'expressionnisme abstrait au profit de sujets banals et brouillent les frontières traditionnelles entre les médias. Influencé par Marcel Duchamp et Dada, le mouvement a vu le jour au Black Mountain College en Caroline du Nord en 1952 et comprenait Rauschenberg, le chorégraphe Merce Cunningham et le compositeur John Cage. Le Theatre Piece No. 1 (1952) de Cage illustre l'importance accordée par le groupe à l'interaction avec le public, à la multiplicité des supports et au rôle du hasard.

Robert Rauschenberg a combiné des objets trouvés et des images tirées de journaux et de magazines pour créer Monogram (1955-59).

Allan Kaprow a créé des "environnements", en utilisant des collages sculpturaux pour créer des installations et, plus tard, après avoir suivi les cours de Cage, il y a ajouté des composantes sonores. Il a développé le terme "happenings" pour décrire les événements quasi-théâtraux où, influencés par le concept du futurisme selon lequel l'événement dépasse toutes les limites et par l'accent mis par Dada sur le rôle du hasard, la frontière entre l'événement et le public a été brisée.

De nombreux artistes de Fluxus, dont George Brecht, Robert Whitman et Robert Watts, s'intéressaient au néo-dada et aux happenings. Fluxus, décrit comme un mouvement "anti-art", avait pour objectif utopique de changer la relation de chacun à l'art et de souligner le caractère artistique des objets et des actions de tous les jours. Les principaux membres du groupe, Dick Higgins, Jackson Mac Low et Al Hans, se sont rencontrés en 1959 dans la classe de Cage à la New School. Les artistes Fluxus ont souvent utilisé l'humour pour dénigrer et rejeter le grand art. George Maciunas, le fondateur de Fluxus, a décrit Fluxus comme "une fusion de Spike Jones, de gags, de jeux, de Vaudeville, de Cage et de Duchamp". Fluxus était un mouvement international qui comprenait également Yoko Ono, Nam June Paik et Joseph Beuys. Paik a été le pionnier du développement de l'art vidéo, lorsqu'il a présenté sa vidéo de la visite du pape à New York comme une œuvre d'art sérieuse en 1965.

Pop Art et photoréalisme (milieu des années 1950-1970)

Le Pop Art est un mouvement international né en Grande-Bretagne en 1952, sous l'impulsion de l'Independent Group, composé notamment de Richard Hamilton, d'Eduardo Paolozzi et des architectes Alison et Peter Smithson, mais c'est la version américaine qui s'est imposée comme la forme dominante. Emmenés par Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg et James Rosenquist, les artistes ont utilisé des images tirées des médias de masse et de la culture populaire pour remettre en question la distinction entre le "grand" et le "petit" art et pour critiquer et célébrer la culture de consommation. Warhol, Rosenquist et Ed Ruscha ont été influencés par leurs premiers travaux de graphistes et d'illustrateurs.

Le photoréalisme, également appelé hyperréalisme, consiste à peindre des images photographiques projetées sur une grande toile, souvent à l'aide d'un aérographe, afin de ressembler à une photographie finie. Richard Estes, Chuck Close, Robert Bechtle, Ralph Goings et Audrey Flack se sont inspirés de différentes influences, dont le Pop Art et le Minimalisme, et ont utilisé une variété de techniques, tout en travaillant indépendamment les uns des autres. Ils ont souvent représenté des objets de la culture de consommation, comme dans le McDonalds Pickup (1970) de Ralph Goings ou le Supreme Hardware Store (1970) de Richard Estes.

Minimalisme et post-minimalisme (1960 - aujourd'hui)

À New York, au début des années 1960, des artistes minimalistes tels que Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt et Robert Morris ont créé des œuvres à partir de matériaux industriels tout en adoptant une approche froide et anonyme. Influencés par le constructivisme russe, les minimalistes mettent l'accent sur la matérialité du support telle qu'elle est perçue par le spectateur et privilégient les matériaux industriels et la fabrication. Rejetant la conception formaliste de la peinture de Greenberg, ils mettent l'accent sur une approche utilisant un minimum de formes, de couleurs et d'autres éléments, également appelée "peinture systémique" ou "art réducteur". Frank Stella, Tony Smith, Richard Serra, Ronald Bladen et Dan Flavin ont été associés à ce mouvement qui est rapidement devenu dominant aux États-Unis et dans le monde, tout en influençant d'autres développements, notamment le post-minimalisme et le mouvement Light and Space.

Free Ride (1962) de Tony Smith est fabriqué à partir d'acier pour créer une composition minimale.

Le post-minimalisme englobe un certain nombre de tendances, dont le Process Art, la performance et l'art corporel, l'art in situ et certains aspects de l'art conceptuel. La critique d'art Lucy Lippard a organisé l'exposition Eccentric Abstraction en 1968, qui comprenait des œuvres de Louise Bourgeois, Eva Hesse et Bruce Nauman, dont les pièces étaient faites de matériaux souples ou flexibles. Certains artistes associés au post-minimalisme ont étendu l'intérêt des minimalistes pour les objets anonymes et abstraits à d'autres domaines, tandis que d'autres ont réagi contre l'approche anonyme et froide du minimalisme en faveur de l'expression émotionnelle. Lynda Benglis, Eva Hesse et Louise Bourgeois ont utilisé des résines et du latex, tandis que Nancy Graves a utilisé des matériaux pour simuler des peaux d'animaux, et les œuvres qui en ont résulté ont créé un effet expressif organique. Sol LeWitt, Richard Serra et Vito Acconci font également partie des post-minimalistes.

Basé en Californie et influencé par le minimalisme, Robert Irwin a commencé à créer de grandes installations utilisant des sources lumineuses en 1969 et a été le pionnier de ce qui est devenu le mouvement Light and Space. Larry Bell, James Turrell, John McCracken et Helen Pashgian sont tous associés à ce mouvement qui utilise des matériaux industriels, notamment des lampes au néon et à l'argon, de l'acrylique coulé et des résines de polyester pour créer des expériences perceptives. S'appuyant sur les nouvelles recherches et technologies scientifiques, ils ont créé des œuvres qui mettaient l'accent sur l'interaction entre la lumière et l'espace.

Art de la terre et art environnemental (des années 1960 à nos jours)

Également appelé Land Art ou Earthworks, l'Earth Art est une émanation du Minimalisme, car la terre elle-même est devenue à la fois l'objet matériel et le site spécifique de l'art, et les artistes ont utilisé les matériaux naturels disponibles sur le site, tels que la boue, la terre et la pierre, pour concevoir des projets à grande échelle qui étaient liés à la signification du site. Incluant souvent un élément de performance, l'art de la terre partage certaines tendances avec le post-minimalisme, notamment l'art de la performance, l'art du processus et l'art de l'installation. L'exposition Earth Art de 1969 à l'université de Cornell, qui comprenait les œuvres de Robert Smithson, Walter de Maria, Michael Heizer, Robert Morris, Dennis Oppenheim et Hans Haacke, a lancé le mouvement. Les artistes, comme Smithson, s'inspirent souvent de sites anciens, tels que Stonehenge ou le Serpent Mound des Amérindiens, et considèrent que leurs œuvres sont soumises à des conditions changeantes et à l'entropie, c'est-à-dire à la dévolution d'un système au fil du temps. Nancy Holt, Richard Long, Agnes Denes et Andy Goldsworthy sont également des artistes majeurs de l'Earth Work.

Sun Tunnels (1973-76) de l'artiste terrienne Nancy Holt installé dans le désert de Great Basin, Utah

Le mouvement a influencé le développement de l'art environnemental, également connu sous le nom d'art écologique. Mettant l'accent sur une approche non invasive, les artistes environnementaux se considèrent comme des collaborateurs de l'environnement et explorent l'interaction de l'homme avec les milieux naturels. Betty Beaumont, Andy Goldsworthy, Agnes Denes, Meg Webster, Olafur Eliasson, herman de vries, Nils Udo et Chris Jordan sont les principaux artistes de ce mouvement. Ils ont utilisé des approches variées : Beaumont a transformé les déchets d'une centrale électrique en un récif sous-marin dans son Ocean Landmark (1978-80), tandis que Goldsworthy, sur une période de quatre ans, travaillant, comme il le disait, "en collaboration avec la nature", a arrangé des morceaux de calcaire provenant des champs où il travaillait comme jardinier pour créer ses Pinfold Cones (1981-85).

Postmodernisme (des années 1960 à nos jours)

Dans les années 1960, une atmosphère enivrante d'expérimentation régnait, conduisant au développement de l'art conceptuel, de l'art féministe, de l'art corporel et de l'art de la performance. Bien que ces mouvements artistiques soient internationaux, les artistes américains ont joué un rôle important dans leur développement et leur expansion ultérieure dans un certain nombre de tendances.

Sculpture Another Twister (João) de la sculptrice américaine Alice Aycock, installée devant l'entrée du Sprengel Museum Hannover, Allemagne.

Influencé par la simplicité réductrice du minimalisme, l'art conceptuel souligne que le concept d'une œuvre est plus important que sa forme ou même son achèvement. Les "Paragraphes sur l'art conceptuel" (1967) de Sol LeWitt sont devenus le manifeste de facto du mouvement ; il a écrit que l'œuvre d'art "quelle que soit sa forme finale, elle doit commencer par une idée". Walter de Maria, Ed Ruscha, Marina Abramović, Dan Graham et l'artiste allemand Joseph Beuys ne sont que quelques-uns des principaux artistes qui ont fait partie du mouvement. Dans l'atmosphère d'expérimentation, de nouvelles tendances se sont développées, notamment la critique institutionnelle, menée par un éventail international d'artistes, dont Hans Haacke, Michael Asher, Daniel Buren et Marcel Broodthaers, et The Pictures Generation, dont Sherrie Levine, Cindy Sherman, Robert Longo, Barbara Kruger et Richard Prince. Un certain nombre d'artistes conceptuels ont créé des installations, l'art de l'installation étant devenu une tendance principale, utilisée dans un certain nombre de mouvements. En outre, les pratiques conceptuelles ont inspiré le néo-géo, ou conceptualisme néo-géométrique, terme qui définit les œuvres de Peter Halley, Ashley Bickerton, Jeff Koons et Meyer Vaisman à la suite de leur exposition de 1986 à New York. Grâce à des stratégies d'appropriation, le groupe a utilisé des formes géométriques pour se distancer ironiquement de la peinture abstraite, tout en utilisant des œuvres antérieures comme des readymades susceptibles d'être appropriés.

L'art féministe s'est développé à la fin des années 1960 dans le sillage du mouvement des droits civiques, de l'émergence du mouvement de la Gay Pride et de la ferveur anti-guerre. Des organisations artistiques féminines telles que l'Art Worker's Coalition et Women Artists in Revolution ont été créées pour lutter contre l'inégalité entre les sexes et d'autres problèmes féministes au sein de la communauté artistique. Judy Chicago et Miriam Schapiro ont fondé le projet d'art féministe du California Institute of the Art et Womanhouse, un projet où les femmes artistes pouvaient collaborer et créer de grandes installations. Mary Beth Edelson, Lynda Benglis, Martha Rosler, Carolee Schneemann, Suzanne Lacy, Leslie Labowitz, Bia Lowe, Barbara Kruger et les Guerilla Girls sont des artistes féministes de premier plan, alors que le mouvement explore diverses approches et que les artistes impliqués sont associés à plusieurs mouvements à la fois. Judy Chicago est devenue célèbre pour son Dinner Party (1974-79), exemple emblématique de l'art féministe et de l'art de l'installation, tandis que les performances de Carolee Schneemann ont fait figure de pionnières dans les mouvements féministes, de l'art corporel et de la performance. L'art féministe a activement soutenu et inspiré le développement de l'art queer, axé sur l'identité queer et lié au mouvement de la Gay Pride et à la crise du SIDA, et a inauguré une ère d'art identitaire et de politique identitaire axée sur l'expérience des groupes marginalisés et les inégalités auxquelles ils sont confrontés.

The Dinner Party (1974-79) de Judy Chicago combine l'installation, l'artisanat et les idées féministes pour créer une œuvre surprenante et controversée.

Dans les années 1960, l'art de la performance a mis l'accent sur des événements en direct où l'artiste, parfois avec des collaborateurs ou des interprètes, effaçait toutes les frontières entre l'artiste et l'œuvre d'art. Le mouvement international s'est inspiré d'un certain nombre de tendances d'avant-garde, notamment Dada, le futurisme et le surréalisme, mais plus récemment des travaux de John Cage, des artistes Fluxus et des happenings d'Allan Kaprow dans les années 1950. Mettant en scène ce que l'on appelait parfois des "actions", les artistes de la performance se confrontaient souvent au public. Le mouvement est étroitement lié au développement de l'art corporel, car les artistes américains, notamment Chris Burden, Carolee Schneemann et Hannah Wilke, utilisent leur propre corps comme médium.