Cubisme

Début : 1907

Fin : 1922

Les débuts du cubisme

Un moment décisif pour le développement du cubisme a été la rétrospective posthume de l'œuvre de Paul Cézanne au Salon d'automne de 1907. L'utilisation par Cézanne de formes génériques pour simplifier la nature a eu une influence considérable sur Pablo Picasso et Georges Braque. L'année précédente, Picasso a également été initié à l'art non occidental : il a découvert l'art ibérique en Espagne, l'art d'influence africaine de Matisse et le musée anthropologique du Trocadéro. Ce qui a attiré Picasso vers ces traditions artistiques, c'est leur utilisation d'une représentation abstraite ou simplifiée du corps humain plutôt que les formes naturalistes de la tradition européenne de la Renaissance.

La percée : Les Demoiselles d'Avignon

Ces diverses influences sont visibles dans l'œuvre révolutionnaire de Picasso de 1907, Les Demoiselles d'Avignon, qui est considérée comme une œuvre du proto ou pré-cubisme. Dans sa distorsion radicale des figures, son rendu des volumes sous forme de plans fragmentés et sa palette discrète, cette œuvre prédit certaines des caractéristiques clés du cubisme ultérieur.

L'une des figures du chef-d'œuvre de Picasso. On pense qu'il l'a composée à partir de ses études des masques africains.

 

Braque, en voyant Les Demoiselles de Picasso dans son atelier, a intensifié ses explorations similaires dans la simplification des formes. Il réalise une série de tableaux de paysages au cours de l'été 1908, dont Maisons à l'Estaque, dans lequel les arbres et les montagnes sont rendus sous forme de cubes et de pyramides ombragées, ressemblant à des formes architecturales. Le cubisme est présenté au public lors de l'exposition personnelle de Braque à la galerie de Daniel-Henry Kahnweiler, rue Vignon, en novembre 1908. C'est cette exposition qui a amené le critique d'art français Louis Vauxcelles à les qualifier de "bizarreries cubiques", donnant ainsi son nom au mouvement.

Les expériences de Picasso et de Braque doivent beaucoup à Kahnweiler, qui a été le principal soutien de leur travail. Picasso et Braque étaient tous deux très pauvres en 1907 et Kahnweiler a proposé d'acheter leurs œuvres au fur et à mesure qu'ils les peignaient, libérant ainsi les artistes du souci de plaire aux mécènes ou de recevoir des critiques négatives. Après l'exposition de 1908, à quelques exceptions près, les deux artistes n'ont exposé que dans la galerie de Kahnweiler.

Le cubisme de Picasso et Braque

L'étroite collaboration entre Picasso et Braque à partir de 1909 a été cruciale pour la genèse du style. Les deux artistes se rencontraient régulièrement pour discuter de leurs progrès, et il devenait parfois difficile de distinguer le travail d'un artiste de celui d'un autre (comme ils l'aimaient). Tous deux vivaient dans le quartier bohème de Montmartre à Paris dans les années qui ont précédé et suivi la Première Guerre mondiale, ce qui a facilité leur collaboration.

En 1912, Kahnweiler donne sa première interview publique sur le cubisme, sans doute en réponse à l'intérêt croissant du public pour le mouvement (et à une certaine reconnaissance de celui-ci). Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Kahnweiler, en tant qu'Allemand, est exilé de France. Pendant la guerre, Léonce Rosenberg devient le principal marchand d'art cubiste à Paris (y compris ceux du Salon des Cubistes), son frère Paul Rosenberg étant le marchand de Picasso pendant l'entre-deux-guerres.

Bien que Picasso et Braque soient revenus périodiquement aux formes cubistes tout au long de leur carrière et qu'il y ait eu quelques expositions de leurs œuvres jusqu'en 1925, le mouvement des deux hommes n'a guère duré au-delà de la Première Guerre mondiale.

Salon ou Section d'Or Cubisme

Les cubistes du Salon, ainsi appelés parce qu'ils exposaient leurs œuvres lors d'expositions publiques telles que le Salon d'Automne, ne travaillaient pas étroitement avec Picasso et Braque mais étaient influencés par leurs expériences. C'est grâce aux œuvres des cubistes du Salon que le mouvement a été largement connu du public au début des années 1910. Ces artistes comprenaient Robert Delaunay, Albert Gleizes, Fernand Léger, Juan Gris, Henri Le Fauconnier, Roger de La Fresnaye et Jean Metzinger. Metzinger et Sonia Delaunay, qui étaient amis au moins depuis 1906, ont commencé à collaborer avec Gleizes à la suite du Salon d'Automne annuel. C'est par l'intermédiaire de Gleizes qu'ils rencontrent Le Fauconnier qui a publié la Note sur la peinture (1910) dans laquelle il fait l'éloge de Picasso et de Braque pour leur "émancipation totale" de la peinture.

Le Salon d'automne qui s'est tenu à Paris au Grand Palais. Présentation d'un certain nombre d'œuvres d'artistes de la Section d'Or (1912)

 

Ces artistes exposent ensemble au Salon des Indépendants de 1911, faisant connaître le cubisme au grand public. Le Salon des Indépendants était une exposition sans jury où la réaction du public dépendait de la façon dont les peintures étaient accrochées et de l'endroit où elles étaient exposées. Les cubistes ont obtenu des néo-impressionnistes le contrôle du comité d'accrochage afin que leurs œuvres puissent être accrochées ensemble dans une même salle, comme une école cohérente. Les tableaux ont fait sensation, comme le note Gleizes : "Pendant que les journaux sonnaient l'alarme pour alerter les gens sur le danger, et que des appels étaient lancés aux autorités publiques pour qu'elles agissent, les chansonniers, les satiristes et autres hommes d'esprit provoquaient un grand plaisir parmi les classes aisées en jouant avec le mot "cube", découvrant qu'il était un véhicule très approprié pour provoquer le rire qui, comme nous le savons tous, est la principale caractéristique qui distingue l'homme des animaux."

En plus de présenter leurs œuvres dans de grandes expositions, les cubistes du Salon se distinguaient également de Picasso et de Braque par le fait qu'ils travaillaient souvent à grande échelle, ce qui a conduit un historien de l'art à inventer le terme "cubisme épique" pour distinguer leur travail des peintures plus intimes de Picasso et de Braque. Bien qu'ils aient décomposé les objets et les corps en formes géométriques comme Picasso et Braque, les cubistes de Salon n'ont pas remis en question les conceptions de l'espace de la Renaissance dans la même mesure et n'ont pas adopté la couleur monochrome du cubisme analytique ou les éléments de collage du cubisme synthétique.

À la fin de 1911, Gleizes et Metzinger, qui vivaient en étroite collaboration dans la banlieue parisienne, et d'autres membres du groupe ont commencé à se réunir à Puteaux, une banlieue où le peintre et graveur Jacques Villon et son frère, le sculpteur Raymond Duchamp-Villon, avaient leurs ateliers (ce qui leur a valu d'être parfois appelés le groupe de Puteaux). C'est probablement à la suite de ces réunions que les principales idées de l'ouvrage de Metzinger et Gleizes intitulé Du Cubisme (1912) ont été formalisées ; il s'agit de la première déclaration publiée sur le style.

Sur le cubisme Livre écrit par Metzinger et Gleizes

 

L'année suivante, le groupe planifie également le lancement du Salon de la Section d'Or (1912) qui réunira les courants les plus radicaux de la peinture. Le terme Section d'Or est un nom que les cubistes du Salon ont adopté pour montrer leur attachement au juste milieu, c'est-à-dire la croyance en l'ordre et l'importance des proportions mathématiques dans leurs œuvres qui reflètent celles de la nature. L'exposition de la Section d'Or s'est tenue après le Salon d'Automne de 1912 à la Galerie La Boétie. C'est à l'occasion de cette exposition que le poète et critique d'art Guillaume Apollinaire a inventé le terme "orphisme" pour désigner l'œuvre de Delaunay. L'année suivante, Apollinaire publie Méditations esthétiques : Les peintres cubistes (1913). Ces nombreuses expositions et publications étaient destinées à avoir un impact, tant à Paris qu'à l'étranger.

Comme pour le cubisme de Picasso et Braque, le groupe du Salon ou de la Section d'Or n'a pas continué de manière cohérente après la Première Guerre mondiale, n'ayant que des expositions sporadiques entre 1918 et 1925.

Le cubisme : Concepts, styles et tendances

Les différentes étapes du développement du style cubiste sont basées sur les travaux de Picasso et de Braque plutôt que sur ceux des cubistes de salon. Les noms et les dates exactes de ces étapes font l'objet de débats et sont continuellement recadrés jusqu'à aujourd'hui.

Les débuts du cubisme (1908-09)

Cette phase initiale du mouvement s'inscrit dans le sillage de la rétrospective Paul Cézanne de 1907, qui a permis à de nombreux artistes de redécouvrir ou de découvrir pour la première fois l'œuvre de Cézanne, qui vivait à Aix-en-Provence dans le sud de la France avant sa mort et n'avait pas exposé à Paris depuis de nombreuses années. Plusieurs artistes qui ont vu la rétrospective ont été influencés par son manque de tridimensionnalité, la qualité matérielle de son travail au pinceau et son utilisation de coups de pinceau uniformes. Les Maisons de l'Estaque (1908) de Braque sont un bon exemple de ce type de cubisme.

Cubisme analytique (1910-12)

Dans cette phase, le cubisme se développe de manière très systématique. Connue plus tard sous le nom de période analytique du style, elle est basée sur l'observation minutieuse d'objets dans leur contexte, les montrant souvent depuis différents points de vue. Picasso et Braque ont restreint leurs sujets aux genres traditionnels du portrait et de la nature morte et ont également limité leur palette aux tons de terre et aux gris sourds afin d'atténuer la clarté entre les formes fragmentées des personnages et des objets. Bien que leurs œuvres soient souvent similaires en apparence, leurs intérêts distincts se sont révélés au fil du temps. Braque avait tendance à montrer des objets qui explosaient ou se séparaient en fragments, tandis que Picasso les rendait magnétisés, les forces d'attraction poussant les éléments de l'espace pictural au centre de la composition. Parmi les œuvres de ce style figurent le Violon et la palette (1909) de Braque et Ma Jolie (1911-12) de Picasso.

Vers la fin de cette étape du cubisme, Juan Gris a commencé à apporter des contributions au style : il a maintenu une clarté nette à ses formes, a suggéré une grille de composition et a introduit plus de couleur dans ce qui était un style austère et monochromatique.

Cubisme synthétique (1912-14)

En 1912, Picasso et Braque commencent à introduire des éléments étrangers dans leurs compositions, poursuivant leurs expériences de perspectives multiples. Picasso incorpore du papier peint imitant le cannage d'une chaise dans Nature morte au cannage de chaise (1912), initiant ainsi le collage cubiste, et Braque commence à coller du papier journal sur ses toiles, inaugurant ainsi l'exploration du papier collé par le mouvement. Il est possible que cette démarche résulte en partie du malaise croissant des artistes face à l'abstraction radicale du cubisme analytique, mais on peut également affirmer que ces expériences synthétiques ont déclenché un virage encore plus radical par rapport aux représentations de l'espace de la Renaissance, vers un rendu plus conceptuel des objets et des figures. Les expériences de Picasso en matière de sculpture font également partie du style cubisme synthétique, car elles utilisent des éléments collés.

Cubisme cristallin (1915-22)

En réponse au chaos de la guerre, de nombreux artistes français ont eu tendance à se retirer de l'expérimentation radicale ; cette tendance n'était pas propre au cubisme. Un historien de l'art a décrit cette étape du cubisme comme le "produit final d'une fermeture progressive des possibilités". Dans les Trois femmes (1921) de Léger, par exemple, les sujets représentés sont durs au lieu de ressembler à des morceaux de sculpture en bas-relief qui se chevauchent ; Léger n'a pas non plus essayé de montrer les objets sous différents angles. Le cubisme cristallin est associé au cubisme de salon ainsi qu'aux œuvres de Picasso et de Braque. Le cubisme cristallin fait partie d'une tendance plus large connue sous le nom de retour à l'ordre (également appelé classicisme de l'entre-deux-guerres) et associée aux artistes de l'École de Paris.

Développements ultérieurs - Après le cubisme

Le cubisme s'est rapidement répandu dans toute l'Europe dans les années 1910, tant en raison de son approche systématique du rendu de l'image que de l'ouverture qu'il offrait pour représenter les objets de manière nouvelle. Les critiques étaient divisés sur la question de savoir si les cubistes cherchaient à représenter l'image de manière plus objective - en révélant davantage son caractère essentiel - ou s'ils étaient principalement intéressés par la distorsion et l'abstraction.

Le mouvement est à l'origine d'une multitude de styles du début du 20e siècle, dont le constructivisme, le futurisme, le suprématisme, l'orphisme et De Stijl. De nombreux artistes importants ont traversé une phase cubiste dans leur développement, le plus notable étant sans doute Marcel Duchamp, dont le célèbre Nu descendant un escalier (1912) a suscité une grande attention et de nombreuses critiques négatives lors de l'Armory Show de 1913 à New York.

La salle cubiste de l'exposition internationale d'art moderne, également connue sous le nom d'Armory Show, à l'Art Institute of Chicago (1913).

 

Les idées de ce mouvement ont également alimenté des phénomènes plus populaires, comme le design et l'architecture Art déco. Des mouvements ultérieurs tels que le minimalisme ont également été influencés par l'utilisation cubiste de la grille, et il est difficile d'imaginer le développement de l'art non représentatif sans les expériences des cubistes. À l'instar d'autres mouvements artistiques du XXe siècle qui ont changé de paradigme, comme Dada et le Pop, le cubisme a ébranlé les fondements de la création artistique traditionnelle en renversant la tradition de la Renaissance et en modifiant le cours de l'histoire de l'art avec des répercussions qui se poursuivent à l'ère postmoderne.