Haute Renaissance

Début : 1490s

Fin : 1527

Les débuts de la Haute Renaissance

Le terme “Renaissance”

Ce n'est qu'en 1855 qu'un historien français du nom de Jules Michelet a inventé le mot "Renaissance" pour désigner la peinture, l'architecture et la sculpture novatrices en Italie entre 1400 et 1530. Son utilisation du terme a été inspirée par l'historien de la Renaissance Giorgio Vasari, qui a parlé de "renaissance" pour décrire la même période dans son ouvrage The Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (également connu sous le nom de Lives of the Artists) (1568).

Le terme a été inspiré par l'ouvrage de Johann Joachim Winckelmann, archéologue et historien de l'art du 18e siècle, The History of Ancient Art in Antiquity (également traduit sous le titre The History of Ancient Art) (1764), qui caractérise l'art classique des Grecs comme le "High Style". Le livre novateur de Winckelmann a lancé l'étude de l'histoire de l'art et est devenu un élément fondamental de la vie intellectuelle européenne, tout en touchant un public populaire. Il estimait que le but de l'art était la beauté, un idéal obtenu par les Grecs et dans l'art de la Haute Renaissance, comme il l'a écrit, "les Italiens seuls ont su peindre et figurer la beauté."

Au début du XIXe siècle, le terme "Hochenrenaissance", qui signifie "Haute Renaissance" en allemand, était utilisé pour désigner cette période, définie comme commençant à peu près à l'époque de La Cène de Léonard de Vinci (années 1490) et se terminant avec le sac de Rome par l'armée de l'empereur Charles Quint en 1527. Au cours des trente dernières années, certains spécialistes contemporains ont critiqué ce terme, le jugeant trop simpliste.

La transition du début de la Renaissance

Les artistes de la Haute Renaissance ont été influencés par la perspective linéaire, l'ombrage et le traitement figuratif naturaliste lancés par des artistes du début de la Renaissance comme Masaccio et Mantegna. Mais ils ont maîtrisé ces techniques afin de transmettre un nouvel idéal esthétique qui valorise avant tout la beauté. La figure humaine était considérée comme l'incarnation du divin, et de nouvelles techniques comme la peinture à l'huile étaient employées pour transmettre le mouvement humain et la profondeur psychologique dans des gradations de tons et de couleurs. S'inspirant de la précision classique grecque et romaine en matière de proportions dans l'architecture et de l'exactitude anatomique dans le corps, des maîtres comme Leonardo, Michelangelo et Raphaël ont créé des compositions puissantes où les parties de leurs sujets étaient illustrées comme étant harmonieuses et cohérentes avec le tout.

La Cène d'Andrea del Castagno (1447) illustre l'utilisation de la perspective linéaire au début de la Renaissance pour créer un effet de trompe-l'œil, mais ses figures, bien que naturalistes, semblent statiques et isolées par rapport au mouvement spectaculaire de la Cène de Leonardo (1495-1498).

 

Leonardo da Vinci

La Haute Renaissance a débuté avec les œuvres de Léonard de Vinci. Ses tableaux, La Vierge aux rochers (1483-1485) et, surtout, La Cène (1490), illustrent la complexité psychologique, l'utilisation de la perspective pour une mise au point dramatique, le symbolisme et la précision scientifique des détails. Cependant, ces deux œuvres ont été créées à Milan et ce n'est qu'en 1500, lorsque Léonard est revenu à Florence, centre florissant de l'art et de la culture, que son travail a eu un impact sur la ville. Son étude de la Vierge à l'enfant avec sainte Anne (vers 1499-1500) a été exposée à l'église Santissimi Annunziata, où de nombreux artistes se sont rendus pour l'étudier.

Le Portrait de Leonardo de Francesco Melzi (après 1510) montre l'artiste plus tard dans sa vie.

 

La compréhension et l'observation scientifiques des phénomènes naturels par Léonard, ainsi que son sens des proportions mathématiques, ont également exercé une profonde influence. Le dessin à l'encre de l'Homme de Vitruve (1490), qui a fait date, montre des proportions humaines idéales en corrélation avec les proportions architecturales idéales proposées par l'architecte romain Vitruve dans son De architectura (30-15 avant J.-C.). Le dessin est occupé par des écrits de Léonard qui illustrent ses profondes recherches scientifiques en anatomie, comme par exemple "la longueur des bras écartés est égale à la taille d'un homme".

L'Homme de Vitruve (1490) de Léonard de Vinci a eu une grande influence sur les artistes de son époque, notamment Raphaël et l'architecte Bramante, ainsi que sur des artistes plus tardifs comme Albrecht Dürer et William Blake.

 

Léonard n'était pas seulement un peintre réputé, mais aussi un polymathe qui a été appelé le père de l'architecture, de l'ichnologie et de la paléontologie, entre autres domaines. Il était un inventeur, un cartographe et un ingénieur réputé, et ses découvertes et observations, consignées dans ses carnets, se sont retrouvées dans diverses collections, notamment le Codex Arundel (1480-1518) et le Codex Leicester (1510). Pour certains, ces carnets sont devenus aussi précieux que ses œuvres d'art.

Une époque de maîtres et de rivalités

La Haute Renaissance a été dominée par quelques maîtres célèbres et par les rivalités qui se sont développées entre eux alors qu'ils rivalisaient, non seulement pour obtenir le patronage de la noblesse, mais aussi pour atteindre l'excellence suprême dans leur art. À Florence, au moment où les foules se rassemblent pour admirer le dessin de Leonardo da Vinci pour la Vierge et Sainte Anne (vers 1499-1500), Michelangelo devient une étoile montante avec sa création de la Pietà (1496-1498).

Michelangelo considérait la sculpture comme l'art prééminent et, même en peinture, il sculptait la forme humaine. Avec la création de la statue emblématique David (1501-1504), sa réputation de sculpteur dont les œuvres illustrent la Haute Renaissance est établie. David s'est vu attribuer une place centrale dans la ville de Florence, défendant l'esprit de la cité-état dans la défense de ses libertés civiles.

Le David de Michel-Ange (1501-1504) est devenu un symbole civique, incarnant les idéaux de Florence.

 

Une rivalité s'est développée entre Michel-Ange et Léonard, à partir de 1504, avec leurs fresques concurrentes commandées pour des murs opposés de la salle des Cinq-Cents. Comme l'a écrit le critique d'art Jonathan Jones à propos de Michel-Ange, "il était férocement compétitif et devait surpasser Léonard. C'est devenu un concours non pas d'habileté, dans lequel ils étaient tous deux incomparables, mais d'imagination et d'originalité. Léonard, l'artiste le plus âgé, était déjà célèbre non seulement comme un peintre doué, mais aussi comme un esprit véritablement original... [Michel-Ange] revendique une vision personnelle et unique similaire". Cette vision personnelle se manifeste dans le choix par l'artiste d'une scène de bataille où des baigneurs nus sont attaqués, permettant ainsi un traitement dynamique, et essentiellement sculptural, du nu masculin.

Cette copie de la bataille de Cascina (1504-1506) de Michel-Ange a été réalisée par son élève, Aristotele de Sangallo. Le dessin original est perdu.

 

Les deux fresques, la Bataille d'Anghiari de Léonard (1503-1506) et la Bataille de Cascina de Michel-Ange (1504-1506), n'ont malheureusement pas été achevées, les deux hommes étant attirés par d'autres commandes. Néanmoins, ces œuvres ont continué d'influencer d'autres artistes, notamment Raphaël, qui ont copié ces chefs-d'œuvre dans le but de développer leurs propres pratiques artistiques.

Le pape Jules II

Le Portrait de Jules II (1511-1512) de Raphaël, d'une intimité novatrice, a établi la norme pour les portraits papaux ultérieurs, comme l'a écrit l'historienne de l'art Erica Langmuir : "C'est la fusion de la signification cérémoniale et de l'intimité qui était si surprenante."

 

Rome est devenue le centre artistique de la Haute Renaissance grâce au mécénat du pape Jules II, qui a régné de 1503 à 1513. Jules II était un grand collectionneur d'art, possédant le Laocoon (vers 42-20 avant J.-C.) et l'Apollon Belvédère (vers 120-140), ainsi que d'autres œuvres classiques remarquables, qui ont servi de base aux musées d'art du Vatican. Personnalité redoutable, il a fait de la papauté une force économique et militaire qui a dominé une grande partie de l'Italie. Son objectif était de faire de Rome le centre culturel de l'Europe à la place de Florence. Pour y parvenir, il a ardemment recherché les grands artistes de l'époque, persuadant Raphaël de s'installer à Rome pour peindre les fresques des appartements pontificaux du Vatican. Après avoir chargé Michel-Ange de créer le tombeau papal, il cajole le sculpteur réticent pour qu'il peigne le plafond de la chapelle Sixtine (1508-1512). L'ambition du pape de reconstruire la basilique Saint-Pierre et de réaménager le Vatican l'amène à recruter Bramante, Michel-Ange et Raphaël comme architectes de ses grands projets. Après la mort de Jules II, le patronage papal des arts s'est poursuivi sous la direction du pape Léon X, fils de Laurent de Médicis, patriarche de la famille régnante (et amatrice d'art) de Florence.

La Haute Renaissance : Concepts, styles et tendances

L'homme de la Renaissance

Au cours des premières années de la Renaissance, les concepts de l'humanisme ont été largement promus. Alors que l'art de la période gothique précédente avait mis l'accent sur l'idolâtrie du profane et du religieux, les artistes de la Florence du XIVe siècle s'intéressaient davantage à la place de l'homme dans le monde. Les artistes de la Haute Renaissance ont fait évoluer cette interrogation en explorant le concept d'"homme universel", en d'autres termes, un individu de génie, d'inspiration divine, qui pouvait exceller dans tous les aspects de l'art et de la science. L'expression "homme de la Renaissance" est encore utilisée aujourd'hui pour décrire une personne équilibrée et polyvalente qui fait preuve de maîtrise dans un large éventail d'activités intellectuelles et culturelles.

Un exemple précoce de l'homme de la Renaissance, puisqu'il était un mathématicien, un architecte, un peintre, un poète et un classiciste de renom, Leon Battista Alberti est représenté ici dans sa plaque de bronze Autoportrait (vers 1435).

 

Cet idéal, développé à partir de la phrase de Léon Battista Alberti "Un homme peut tout faire s'il le veut", a été illustré par Léonard de Vinci, comme l'écrit Vasari dans ses Vies des artistes (1568) : "Dans le cours normal des choses, de nombreux hommes et femmes naissent avec des talents remarquables ; Mais parfois, d'une manière qui transcende la nature, une seule personne est merveilleusement dotée par le Ciel de beauté, de grâce et de talent en telle abondance qu'elle laisse les autres hommes loin derrière, toutes ses actions semblent inspirées et, en fait, tout ce qu'elle fait vient clairement de Dieu plutôt que de l'habileté humaine. Tout le monde reconnaissait que cela était vrai de Léonard de Vinci, un artiste d'une beauté physique exceptionnelle, qui faisait preuve d'une grâce infinie dans tout ce qu'il faisait et qui cultivait son génie avec tant de brio que tous les problèmes qu'il étudiait, il les résolvait avec facilité."

Cette norme a non seulement dominé l'époque, mais aussi la réflexion ultérieure sur les capacités artistiques, en positionnant l'artiste comme un génie divinement inspiré, plutôt que comme un simple artisan remarquable.

Innovations dans le domaine de la peinture

Si la peinture de la Haute Renaissance a perpétué la tradition de la fresque en relation avec les scènes religieuses, la pratique des maîtres comme Raphaël, Léonard et Michel-Ange s'est nourrie des innovations du médium. Par exemple, pour peindre la chapelle Sixtine, Michel-Ange a non seulement conçu un système d'échafaudage pour atteindre la zone, mais il a également développé une nouvelle formule et une nouvelle application pour la fresque afin de contrer le problème de la moisissure, ainsi qu'une technique de lavis et l'utilisation d'une variété de pinceaux, pour appliquer d'abord la couleur puis, plus tard, ajouter des détails fins, des ombres et des lignes. Pour sa Cène (1490), Leonardo expérimente en travaillant sur une fresque sèche et utilise une combinaison d'huile et de détrempe pour obtenir un effet de peinture à l'huile. Raphaël, Léonard et Michel-Ange ont tous utilisé le trompe-l'œil dans leurs fresques, une technique permettant de créer l'illusion d'un espace pictural qui s'intègre à l'environnement architectural.

À la même époque, de nombreux chefs-d'œuvre de la Haute Renaissance étaient, pour la première fois, peints à l'huile, généralement sur des panneaux de bois, mais parfois aussi sur des toiles. Comme l'huile offrait davantage de possibilités de dégradés subtils de tons et de couleurs, les œuvres qui en résultaient étaient plus réalistes. C'est ainsi qu'est né un nouveau corpus de portraits fascinants de gens ordinaires. La Joconde de Leonardo da Vinci en est sans doute l'exemple le plus célèbre. D'autres artistes de la Haute Renaissance, comme Andrea del Sarto avec sa Madone aux harpies (1517) et Fra Bartolomeo avec son Portrait de Girolamo Savonarola (vers 1497-1498), ont également créé des œuvres puissantes à l'huile.

La maîtrise du sfumato par Raphaël se manifeste notamment dans le traitement du visage de la Vierge dans sa Vierge à l'Enfant et à Saint Jean Baptiste (1506).

 

La pratique de la peinture à l'huile par Leonardo l'a amené à développer une nouvelle technique appelée Sfumato, qui signifie "disparaître progressivement comme la fumée". Cette technique consiste à utiliser des glacis translucides travaillés au pinceau pour créer des transitions graduelles entre les tons d'ombre et de lumière. Le résultat était, comme l'a écrit Leonardo, "sans lignes ni frontières, dans la matière de la fumée", créant une imitation vivante de la réalité sans aucune trace des coups de pinceau de l'artiste. D'autres artistes de la Haute Renaissance, tels que Raphaël, Fra Bartolomeo et Correggio, ont également maîtrisé ce style, qui a ensuite grandement influencé les peintres de la Renaissance de l'école vénitienne, comme Giorgione, et plus tard, les peintres maniéristes.

Quadratura

La quadratura était le terme utilisé pour désigner le genre florissant des peintures de plafond de l'époque, remarquables par la manière dont elles s'unissaient à l'architecture environnante et connues pour leur emploi du trompe-l'œil. Ces œuvres ne se contentaient pas d'intégrer parfaitement la peinture et le lieu, mais nécessitent aussi souvent la création d'éléments architecturaux fictifs pour reconfigurer visuellement le site. La quadrature était souvent utilisée dans les églises catholiques pour produire un effet d'émerveillement, ce qui était en opposition directe avec le mouvement protestant qui allait devenir la Réforme.

Le quadratura exigeait des compétences visuelles et spatiales ainsi qu'une utilisation magistrale de la perspective linéaire, dont Andrea Mantegna avait été le premier à faire preuve dans sa Camera degli Sposi (1465-1474), plafond du palais ducal de Mantoue. Son œuvre a notamment influencé Antonio Allegri da Correggio, connu simplement sous le nom de Correggio, le chef de file de la Haute Renaissance à Parme.

Cette image représente la Vision de saint Jean l'Évangéliste sur Patmos (1520-1521) en quadrature du Correggio, dans le dôme de l'église San Giovanni Evangelista de Parme, en Italie.

 

Les fresques de Corrège, la Vision de saint Jean l'Évangéliste à Patmos (1520-1521) et l'Assomption de la Vierge (1524-30), développent les effets illusoires de la quadrature en utilisant de nouvelles techniques révolutionnaires comme le raccourcissement des corps et des objets afin qu'ils paraissent authentiques vus d'en bas. Cette méthode, également connue sous le nom de prospettiva melozziana, ou "perspective de Melozzo", a été développée par Melozzo da Forlì, un artiste et architecte italien.

Architecture

Le principal architecte de la Haute Renaissance est Donato Bramante, qui s'est fait remarquer par l'importance qu'il accorde à l'harmonie classique, à l'utilisation d'un plan central et à la symétrie de rotation, comme en témoigne son Tempietto (1502). La symétrie rotationnelle implique l'utilisation d'octogones, de cercles ou de carrés, de sorte qu'un bâtiment conserve la même forme de plusieurs points de vue. Il a également créé le premier effet de trompe-l'œil à des fins architecturales dans l'église de Santa Maria presso San Satiro à Milan. En raison de la présence d'une route derrière le mur de l'église, il ne restait qu'un mètre pour le chœur. L'architecte a donc utilisé la perspective linéaire et la peinture pour créer une impression illusoire d'espace élargi.

Cette photographie montre la vue vers le chœur illusoire de Santa Maria presso San Satiro (1472-1482) créé par Bramante.

 

Antonio da Sangallo le Jeune, élève de Bramante, a conçu le Palazzo Farnese, qualifié par Sir Barister Fletcher de "plus imposant palais italien du XVIe siècle". La conception adhérait aux principes classiques, avait une simplicité spartiate et utilisait la rustication, qui laissait la pierre de construction dans son état texturé et inachevé permettant des lignes et des couleurs naturelles. Cette époque a toutefois été marquée par des conceptions concurrentes et des rivalités personnelles. Le cardinal Farnèse, qui devint le pape Paul III en 1534, n'était pas satisfait du dessin de la corniche du Palazzo et organisa un concours pour un nouveau dessin, qui fut attribué à Michel-Ange. L'histoire populaire raconte que Sangallo le Jeune mourut de honte l'année suivante, alors que Michel-Ange achevait les dernières retouches du bâtiment.

Représentation par Giuseppe Vasi du Palazzo Farnese à Rome (1513-1546) conçu par Antonio de Sangallo le Jeune selon une division tripartite mathématiquement stricte. Le bâtiment est encore utilisé aujourd'hui.

 

Michel-Ange était le principal rival de Bramante, car, plus tard, il a travaillé comme architecte. Il a conçu la bibliothèque Laurentienne de Florence et a créé le dôme de la basilique Saint-Pierre, bien que le bâtiment dans son ensemble reflète le travail de Bramante, de Raphaël et d'autres architectes comme  le Bernin. Ce travail, qui s'est déroulé entre 1523 et 1571, était particulièrement novateur, créant un sens dynamique du mouvement dans l'escalier et les éléments muraux qui a influencé les architectes ultérieurs.

Sculpture

Le maître incontesté de la sculpture de la Haute Renaissance est Michel-Ange dont la Pietà (1498-1499), achevée alors qu'il n'avait que vingt-quatre ans, a lancé la carrière. Il choisit de représenter une Vierge Marie inhabituellement jeune, tenant le Christ mort sur ses genoux. Bien que le traitement de cette scène soit populaire en France, il est entièrement nouveau pour l'art italien. La composition pyramidale de l'œuvre et le traitement figuratif naturaliste créent un effet classique puissant. Pourtant, l'œuvre présente également des variations innovantes. L'échelle monumentale de la Vierge par rapport au Christ confère un aspect maternel très émotionnel à l'œuvre et devient une méthode caractéristique de l'artiste dans son travail, cette manipulation de contrastes élevés. Contrairement aux sculpteurs du début de la Renaissance comme Donatello, qui travaillaient le bronze, Michel-Ange a fait revivre à lui seul l'utilisation classique du marbre et a injecté des éléments de monumentalité dans toutes ses sculptures ultérieures, tant dans la taille des personnages que dans l'ampleur des projets.

La Pietà de Michel-Ange (1498-1499), chef-d'œuvre de la Haute Renaissance, est très vénérée par les fidèles.

 

Leonardo explore également la sculpture, et conçoit notamment la plus grande statue équestre en bronze du monde. Commandé par le duc de Milan en 1482 pour honorer son père, le projet n'a jamais été achevé, car le modèle en argile de 24 pieds de haut réalisé par l'artiste a été détruit par l'armée française qui a envahi Milan en 1499. Plusieurs versions du cheval, basées sur les dessins de l'artiste, ont été réalisées à l'époque moderne.

L'œuvre The American Horse (1999) de Nina Akamu, exposée dans les jardins de Meijer, dans le Michigan, est basée sur les dessins de Leonardo da Vinci pour sa proposition de sculpture.

 

Développements ultérieurs - Après la Haute Renaissance

Les idéaux et l'humanisme qui ont inspiré la Haute Renaissance ont continué à inspirer le monde au-delà de l'Italie, bien qu'avec des variations stylistiques et artistiques notables. Son influence s'est étendue à la Renaissance nord-européenne, illustrée par Albrecht Dürer, Pieter Bruegel et d'autres, ainsi qu'à la Renaissance vénitienne et à l'école de peinture vénitienne, dirigée par Giorgione et Titien et l'architecte Palladio. Parallèlement, les quadratures du Corrège influencent les artistes Carlo Cignani, Gaurdenzio Ferrari, Il Pordenone, et ont un impact notable sur les traitements baroques et rococo des coupoles et des plafonds.

La mort de Leonardo en 1519, suivie de celle de Raphaël alors qu'il n'avait que 37 ans l'année suivante, marque une baisse de l'effervescence de la Haute Renaissance italienne. Le sac de Rome par les armées de l'empereur romain germanique Charles Quint en 1527 a mis fin à cette époque. Cet événement brutal et terrifiant a réduit la population de Rome de 55 000 à 10 000 habitants, et a laissé la ville dans un état d'effondrement et de ruine financière. Les idéaux de la Haute Renaissance ne semblent plus tenables pour beaucoup. Le Jugement dernier de Michelangelo (1536-41), une fresque de la chapelle Sixtine, exprime la teneur émotionnelle plus sombre des décennies suivantes. En sculpture, il se tourne vers les pietas et les représentations d'esclaves captifs, comme l'esclave de l'Atlas (1530-34).

Les approches ultérieures de Michel-Ange en matière d'expression ont influencé les maniéristes, notamment Jacopo da Pontormo, Rosso Fiorentino, Giorgio Vasari et Francesco Salviati. Son traitement figuratif, en particulier du nu masculin, a influencé d'innombrables artistes. Les artistes de la période baroque, les néoclassiques et les mouvements d'avant-garde du XXe siècle ont également été largement influencés par les œuvres de la Renaissance. Par exemple, Pablo Picasso s'est inspiré de Raphaël dans son œuvre Guernica (1937), en se référant à L'incendie du Borgo (1514), qui représente une femme tendant son bébé à ceux qui se trouvent en dessous alors qu'elle se penche hors du bâtiment en feu.

Les œuvres créées par les artistes de la Haute Renaissance italienne restent les œuvres les plus reconnaissables et les plus populaires de l'histoire de l'art. La Joconde, la Cène, la Création d'Adam et la Madone Sixtine ont été reproduites sur d'innombrables articles de consommation, ont été citées dans des chansons populaires, des émissions de télévision, des vidéos et sont souvent utilisées dans la publicité.

En outre, les idées de la Haute Renaissance - l'artiste en tant que génie, la nature fondamentale de l'art classique, l'individu comme centre de l'univers, la valeur de la science et de l'exploration, l'accent mis sur l'humanisme - ont toutes profondément influencé les valeurs sociales et culturelles du monde depuis lors.