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mai 07, 2022 23 translation missing: fr.blogs.article.read_time

 Les Maîtres anciens


Débuts

Guildes médiévales

À partir du 11ème siècle, les guildes étaient des organisations communautaires qui détenaient le monopole d'un commerce ou d'un artisanat, et au 12ème siècle, elles avaient développé un processus strict d'avancement. Débutant comme apprenti, le participant travaillait et étudiait sous la direction d'un maître, un artisan exemplaire, pendant plusieurs années avant de terminer un travail qualifiant pour être certifié comme compagnon. Une fois qu'un certificat de compagnon avait été obtenu, il pouvait voyager librement en dehors de la zone géographique de sa propre guilde et apprendre des autres maîtres. Finalement, souvent après des années d'études, un compagnon pouvait devenir maître, mais seulement après avoir terminé un « chef-d'œuvre » approuvé par tous les maîtres de la guilde. Les documents de la guilde écossaise contiennent la première utilisation enregistrée de "masterstik" (un vieux mot écossais qui se traduit maintenant par chef-d'œuvre) en 1570, et le dramaturge britannique Ben Jonson a utilisé la dérivation "chef-d'œuvre" en 1605. Ces maîtres artisans ont rarement signé leurs œuvres et, en conséquence, beaucoup restent anonymes. Plus tard, les historiens de l'art, identifiant un style unique, ont eu tendance à les nommer d'après le lieu de leur travail (le maître de Flémalle) ou d'après une pièce spécifique (le maître du diptyque de Brunswick).

Le Saint Luc dessinant la Vierge de Rogier van der Weyden (vers 1435-1440) a été peint pour la chapelle de la guilde des peintres à Bruxelles.

Le Saint Luc dessinant la Vierge de Rogier van der Weyden (vers 1435-1440) a été peint pour la chapelle de la guilde des peintres à Bruxelles.

L'Europe du Nord a ouvert la voie en développant des guildes de peintres et le premier exemple enregistré est la guilde de Saint Luc, qui a été fondée à Anvers en 1382. La guilde tire son nom du disciple du Christ qui, selon la tradition, a peint la première ressemblance du Vierge Marie. Dans d'autres régions, comme à Florence, les peintres pouvaient rejoindre la guilde des médecins et des apothicaires, car les apothicaires fournissaient les matériaux pour fabriquer la peinture. Ils pourraient également rejoindre la Compagnia di San Luca (Compagnie de Saint Luc) fondée en 1349, une confrérie vaguement organisée plutôt qu'une guilde. Malgré ces variations, dans toute l'Europe, les ateliers dirigés par un maître artiste sont devenus le mode dominant de production artistique et le moyen d'obtenir une éducation artistique. On pense que le célèbre artiste italien Giotto est devenu apprenti à l'âge de dix ans chez Cimabue, le principal maître du XIIIe siècle. La tradition d'apprendre d'un maître s'est poursuivie à la Renaissance et au-delà, comme le montre l'apprentissage de Michel-Ange avec Domenico Ghirlandaio et les premières études de Léonard de Vinci avec Andrea del Verrocchio, dont l'atelier florentin, comme l'a noté l'historien de l'art Arturo Galansino, a façonné "des générations d'artistes" .


Académies d'art

Les académies d'art ont joué un rôle dominant dans l'établissement du concept de maîtres anciens, car elles ont développé un programme qui mettait l'accent sur l'imitation de leurs œuvres, ainsi que sur l'art classique grec et romain. La première académie a été fondée par Cosimo I de 'Medici à Florence en 1562 à la suggestion de Giorgio Vasari, lui-même artiste et également considéré comme le premier historien de l'art. L'Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Académie et compagnie des arts du dessin) avait un double rôle, dispensant une éducation aux arts et supervisant la production d'œuvres d'art dans la ville. En plus d'imiter les œuvres classiques et les œuvres de ces maîtres de la Renaissance, reconnus comme égalant ou dépassant l'ère classique, les étudiants ont étudié la géométrie, l'anatomie et les idées de l'humanisme de la Renaissance. L'Académie florentine est devenue le modèle des académies suivantes, notamment l'Accademia di San Luca, fondée à Rome en 1577.

Le Pèlerinage à Cythère (1717) d'Antoine Watteau est à la fois un célèbre chef-d'œuvre rococo et sa pièce de réception pour l'Académie française, peinte après l'obtention de son diplôme.

Le Pèlerinage à Cythère (1717) d'Antoine Watteau est à la fois un célèbre chef-d'œuvre rococo et sa pièce de réception pour l'Académie française, peinte après l'obtention de son diplôme.

Lorsque le roi de France Louis XIV fonde l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1648 sous l'influence et la direction de Charles le Brun, elle s'inspire de l'Accademia di San Luca de Rome et adopte une approche stricte de l'enseignement. Les étudiants ont d'abord étudié le dessin, en copiant des gravures de sculptures grecques classiques ou de maîtres anciens de la Renaissance, tels que Raphaëlet da Vinci Leonardo. Puis ils étudient le dessin figuratif, copiant soit des sculptures classiques, soit des moulages en plâtre, avant de pouvoir dessiner d'après nature, en esquissant un modèle masculin. Ils ont également étudié la géométrie et l'anatomie et ce n'est qu'après plusieurs années qu'ils ont été autorisés à peindre.

En 1667, l'Académie a tenu sa première exposition d'art public, ou Salon. Bien qu'initialement axées sur l'exposition du travail de récents diplômés, ces expositions annuelles ont commencé à inclure le travail d'autres artistes. Au fil du temps, l'acceptation des peintures au Salon est devenue une condition préalable à la réussite artistique et le rejet pouvait ruiner une carrière. L'Académie est ainsi devenue l'arbitre du goût artistique, dictant le sujet, le style et même l'utilisation de la couleur. Cela a créé un genre de peinture connu sous le nom d'art académique, fortement influencé par le travail des maîtres anciens. Les académies nationales suivantes, telles que la Royal Academy of Art de Londres et la Royal Danish Academy of Fine Arts ont adopté le modèle français, avec pour résultat que la peinture académique a dominé l'art occidental, jusqu'au début du XIXe siècle, lorsque les artistes réalistes ont commencé à se rebeller contre le système. .

Conformément à ces changements dans l'enseignement et l'affichage, la première utilisation enregistrée du terme Old Master avec sa signification actuelle peut également être attribuée à cette période. En 1696, John Evelyn, un chroniqueur britannique réputé, écrivait : "Mon L : Pembroke. dessins des maîtres anciens." L'utilisation par Evelyn de Old Master de cette manière suggère qu'il s'agissait déjà d'un concept bien compris à la fin du XVIIe siècle.


Les femmes comme maîtres anciens

Comme l'a écrit le critique d'art Scott Reyburn en 2018, "Contrairement à l'art contemporain, les maîtres anciens (comme la terminologie l'indique) ont également le problème d'être un canon rigide et dominé par les hommes". Pourtant, dès la Renaissance, les maîtres artistes comptent des femmes, même si elles doivent négocier des résistances artistiques et sociétales. Alors que certaines guildes médiévales comptaient exclusivement des femmes et que d'autres formaient des apprenties dans divers métiers et métiers, l'Italie de la Renaissance a découragé l'acceptation des femmes comme apprenties en peinture, les coupant de fait d'une carrière artistique. Sofonisba Anguissola établit un rare précédent en rejoignant l'atelier de Bernardino Campi vers 1546. Plébiscitée par Michel-Ange, elle connaît un succès international, travaillant pour le duc de Milan avant de devenir peintre attitré du roi Philippe II en Espagne. Son exemple et son travail ont influencé des artistes, dont Anthony van Dyck qui lui a attribué le mérite de lui avoir enseigné les "vrais principes" de l'art.

L' Autoportrait de Sofonisba Anguissola avec Bernardino Campi (1559), représentant son professeur peignant un portrait d'elle et défiant les normes de genre, a été le pionnier du double portrait.

L'Autoportrait de Sofonisba Anguissola avec Bernardino Campi (1559), représentant son professeur peignant un portrait d'elle et défiant les normes de genre, a été le pionnier du double portrait.

Malgré l'exemple d'Anguissola, la plupart des femmes ont obtenu leur formation artistique dans un atelier familial. Par exemple, la maniériste Lavinia Fontana a été enseignée par son père, tout comme les maîtres baroques Artemisia Gentileschi et Elisabetta Sirani. Ces artistes ont influencé leurs contemporains et les artistes suivants, tout en créant de nouvelles opportunités pour les femmes. Seule soutien financier de sa famille élargie, Fontana a été la première femme artiste de carrière et Gentileschi a été la première à devenir membre de l'Accademia di Arte del Disegno de Florence. Sirani a créé la première école de peinture pour femmes, à laquelle ont participé les célèbres artistes Veronica Fontana, Lucrezia Scarfaglia et Ginevra Cantofoli.

L'Autoportrait au chapeau de paille (c.1782) d'Élisabeth Louise Vigée Le Brun est un autoportrait vibrant, exprimant son statut social et sa maîtrise artistique.

L'Autoportrait au chapeau de paille (c.1782) d'Élisabeth Louise Vigée Le Brun est un autoportrait vibrant, exprimant son statut social et sa maîtrise artistique.

À l'époque rococo, Élisabeth Louise Vigée Le Brun était célèbre pour ses portraits vibrants et Angelica Kauffman est devenue l'un des principaux maîtres de l'ère néoclassique, connue pour ses peintures d'histoire. Le Brun était un artiste officiel de la cour de France et Kauffman était un membre fondateur de la London Royal Academy. Judith Leyster a connu un grand succès pendant l'âge d'or hollandais. Après sa mort, cependant, la plupart de ses œuvres ont été attribuées soit à son mari Jan Miense Molenaer, soit à Frans Hals. Son travail n'a été correctement attribué qu'en 1893. Au XIXe siècle, de nombreuses femmes maîtres ont été oubliées; leur travail n'a pas été exposé et ils ont souvent été laissés pour compte de l'histoire de l'art. Le mouvement féministe des années 1970 a beaucoup fait pour redécouvrir bon nombre de ces pionnières, bien que, comme l'a noté Sotheby's lors de sa vente "The Female Triumphant" de 2019 lors de la Masters Week, "Près de 50 ans plus tard, les histoires de femmes remarquables qui ont brisé les frontières pour atteindre les acclamations artistiques commencent tout juste à se dire ».


Concepts et tendances

Innovation

En raison de la longue période couverte, le terme Old Master englobe une gamme variée de styles et de mouvements. Tout au long de la période, cependant, l'approche fondamentale de l'art occidental était figurative. En conséquence, les principes classiques de proportion et de perspective sont restés dominants. Les maîtres anciens les plus célèbres étaient des innovateurs infatigables, développant ou élevant de nouvelles techniques, éléments stylistiques et sujets. Les peintures à l'huile de Léonard de Vinci étaient célébrées pour leur utilisation originale du clair-obscur et son invention du sfumato, l'utilisation de nombreuses couches de glaçure pour créer de subtiles gradations de tons, tandis que les œuvres de Pieter Breughel l'Ancien élevaient les scènes de genre et les paysages au rang d'art. Le désir d'égaler et de surpasser les maîtres précédents a également conduit au développement de nouvelles approches stylistiques. Certains chercheurs considèrent l'utilisation innovante par le maniérisme de formes allongées et d'espaces aplatis pour produire des images nouvelles et puissantes comme contraint par le désir d'échapper aux règles strictes de symétrie et de rapport affichées par da Vinci, Michel-Ange et Raphaël, et d'autres artistes de la Haute Renaissance.

L'emblématique La Cène de Léonard de Vinci (1495-1498), une étude innovante de la perspective et de l'interaction humaine.

L'emblématique La Cène de Léonard de Vinci (1495-1498), une étude innovante de la perspective et de l'interaction humaine.

Gravures Anciennes

Une estampe ancienne fait généralement référence à une estampe réalisée du début des années 1400 à 1830, soit par un artiste ancien, en tant qu'œuvre d'art originale, soit en tant que moyen de reproduction d'œuvres d'art pour une diffusion plus large. Le Maître des cartes à jouer, graveur allemand anonyme du début des années 1400, est décrit par le Metropolitan Museum of Art comme "la première grande figure de l'histoire de la gravure". Son nom est dérivé de 77 gravures survivantes, représentant un jeu de cartes à jouer, le plus ancien jeu connu de plaques en creux.

Maître de la carte à jouer La reine des fleurs (vers 1435-1440)

Maître de la carte à jouer La reine des fleurs (vers 1435-1440)

La gravure, mode artistique dominant en Europe du Nord vers 1430, s'est rapidement répandue dans le reste de l'Europe. En Italie, il a été adopté par Andrea Mantegna, qui fut l'un des premiers peintres italiens à utiliser la gravure pour la création d'œuvres originales par opposition à un support de reproduction. La réputation internationale d'Albrecht Dürer reposait principalement sur ses estampes innovantes, qui ont atteint un large public dans toute l'Europe et ont eu un impact énorme sur ses contemporains. Au XVIe siècle, de nombreux artistes, dont Raphaël, Titien et Pérugin, s'étaient intéressés à la gravure, en particulier aux estampes qui reproduisaient leurs peintures et rendaient les images plus facilement disponibles dans toute l'Europe.

La bataille des dieux de la mer (vers 1475) d'Andrea Mantegna, une gravure et une estampe à la pointe sèche, a influencé l'estampe tout aussi renommée de Dürer, Sea Monster (vers 1498).

La bataille des dieux de la mer (vers 1475) d'Andrea Mantegna, une gravure et une estampe à la pointe sèche, a influencé l'estampe tout aussi renommée de Dürer, Sea Monster (vers 1498).


Petits Maîtres

Le terme Petits Maîtres décrit un groupe de graveurs allemands qui, travaillant d'environ 1525 à 1550, ont créé des estampes miniatures. Parfois pas plus grandes que la taille d'un timbre-poste, ces œuvres étaient célébrées pour la finesse de leurs détails. Albrecht Dürer et les artistes de la Renaissance italienne ont influencé la plupart des principaux membres du groupe, notamment Albrecht Altdorfer, Hans Sebald Beham, Barthel Beham, George Penz et Heinrich Aldegraver. Ils ont représenté des scènes de la Bible et de la mythologie classique, des paysages et des scènes de la vie paysanne, combinant le raffinement de l'art italien avec le design allemand. En Allemagne, ces petits tirages étaient très demandés par la noblesse et les riches marchands qui les exposaient dans des Kunstkammers, ou cabinets de curiosité.

Influencé par les frises en marbre de Polidoro de Caravaggio, Hercule de Hans Sebald Beham luttant contre les Centaures (1542) est une scène richement détaillée dans une taille de seulement 2 x 3 pouces

Influencé par les frises en marbre de Polidoro de Caravaggio, Hercule de Hans Sebald Beham luttant contre les Centaures (1542) est une scène richement détaillée dans une taille de seulement 2 x 3 pouces


Dessin

Le dessin était une partie essentielle de la formation de la guilde, car les étudiants devaient le maîtriser avant de passer à la peinture. L'utilisation et la production plus larges de dessins par les maîtres anciens ont cependant tendance à refléter des tendances plus localisées. En Hollande protestante, où l'art était destiné aux classes moyennes aisées, les croquis de scènes de genre et de paysages étaient considérés comme de l'art en soi, tandis qu'en Italie, où l'Église catholique commandait la plupart des œuvres d'art, les dessins étaient souvent des études préliminaires ou des cartons pour de grandes fresques. Comme les dessins et les caricatures étaient portables, ils étaient souvent les exemples disponibles d'œuvres maîtresses et étudiés et imités par les étudiants en art de toute l'Europe. Les musées, tels que le British Museum, le Louvre et le Rijksmuseum, ont constitué de vastes collections de dessins, et les maisons de vente aux enchères d'art proposent souvent des ventes de dessins de maîtres anciens. Comme les dessins de maîtres anciens exemplaires sont rarement disponibles, les œuvres de maîtres anciens moins connus sont devenues très appréciées. En 2018, Christie's a vendu une étude de chiffres de Lucas van Leyden pour près de 11,5 millions de livres. Comme l'a noté l'historien de l'art Furio Rinaldi, faisant de "Van Leyden, aux côtés de Raphael ... le deuxième artiste de l'ancien maître à avoir vendu un dessin pour plus de 10 000 000 £". 

Un jeune homme debout de Lucas van Leyden (vers 1494-1533) illustre la tradition hollandaise de présenter les dessins comme des œuvres finies à part entière.

Un jeune homme debout de Lucas van Leyden (vers 1494-1533) illustre la tradition hollandaise de présenter les dessins comme des œuvres finies à part entière.


Musées d'art

Dès le XVIIIe siècle, les musées jouent un rôle de premier plan dans la promotion des maîtres anciens, en fondant leurs collections sur ces œuvres. Connue pour sa collection de maîtres anciens, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde est l'une des plus anciennes. Le roi de Pologne, Auguste le Fort, a commencé à collectionner des œuvres européennes notables à la fin du XVIIe siècle, et la collection s'est élargie sous la direction de son fils Auguste III pour inclure des maîtres hollandais, flamands et allemands. En visite au musée en 1768, l'écrivain allemand Wolfgang von Goethe s'est exclamé : "Je suis entré dans ce sanctuaire, et mon étonnement a dépassé toute idée préconçue". Le musée est devenu un modèle pour les musées qui ont ouvert à la fin du XVIIIe siècle, comme le musée du Louvre (1793). Les visiteurs étaient principalement issus des classes supérieures, mais comprenaient également des étudiants et des artistes qui souhaitaient étudier et copier les chefs-d'œuvre de la collection. En témoigne la politique du Louvre de réserver cinq jours sur dix aux artistes.

La Madone Sixtine de Raphaël (1512) est la pièce maîtresse de la collection de la Gemäldegalerie Alte Meister.

La Madone Sixtine de Raphaël (1512) est la pièce maîtresse de la collection de la Gemäldegalerie Alte Meister.


Maisons de vente aux enchères d'art

La demande des musées et des collectionneurs d'œuvres de maîtres anciens a joué un rôle important dans l'essor des maisons de vente aux enchères d'art. Les premières maisons de vente aux enchères ont émergé en Suède, avec le Stockholm Auktionsverk fondé en 1674 et l'Uppsala auktionskammar en 1731. Londres a suivi peu après avec Baker and Leigh, qui devint plus tard Sotheby's, fondée en 1744, et Christie's en 1766. époque, ces maisons de vente aux enchères se sont développées à l'international, avec des bureaux dans les grandes villes du monde.

La gravure de Thomas Rowlandson et Augustus Charles Pugin dans Microcosm of London (1808) représente une vente aux enchères de maîtres anciens chez Christie's.

La gravure de Thomas Rowlandson et Augustus Charles Pugin dans Microcosm of London (1808) représente une vente aux enchères de maîtres anciens chez Christie's.

Sur le marché de l'art contemporain, comme le note le critique du New York Times Scott Reyburn, "l'un des plus grands défis auxquels est confronté le monde de l'art... [est]... Comment l'intérêt pour l'art ancien peut-il être maintenu alors que l'attention est tellement plus concentrée - et tant d'argent est dépensé - pour des œuvres contemporaines ? » Pour attirer l'attention sur les maîtres anciens, les maisons de vente aux enchères organisent des événements comme la semaine des maîtres anciens pour mettre en valeur les œuvres, bien que, comme de nombreuses œuvres éminentes sont déjà hébergées dans des musées, les offres sont souvent d'artistes moins connus. Comme Reyburn l'a décrit à l'été 2017, "La semaine dernière à Londres, les ventes du soir de Sotheby's et Christie's ont proposé un total combiné de 131 photos d'artistes nés avant 1850. Plus de la moitié d'entre elles étaient soit inconnues, soit inconnues de quiconque n'avait pas étudié l'histoire de l'art. ." Lorsque, rarement, une œuvre d'un célèbre maître ancien est mise aux enchères, non seulement elle fait grimper les prix, mais elle devient également un phénomène culturel. À New York, en 2017, Christie's a vendu le Salvator Mundi de Léonard de Vinci (vers 1500) pour un montant record de 450,3 millions de dollars.

Auparavant considéré comme une copie peinte par son école d'adeptes, Salvator Mundi (vers 1500) a été attribué à Léonard de Vinci après des recherches et une restauration approfondies.

Auparavant considéré comme une copie peinte par son école d'adeptes, Salvator Mundi (vers 1500) a été attribué à Léonard de Vinci après des recherches et une restauration approfondies.


Développements ultérieurs

Comme l'a écrit l'historienne de l'art Nancy Locke, "La liste des artistes célèbres dont l'admiration documentée et les copies d'après les maîtres anciens est sans fin ; Landseer après Rubens; John Singer Sargent après Velasquez ; Henri Fantin Latour après Titien et Véronèse, Géricault après Caravage et avant ; Watteau d'après Titien, Van Dyck d'après Tintoret, Matsys d'après Raphaël, pour n'en citer que quelques-uns." Pourtant, même si les étudiants en art étudient et imitent encore aujourd'hui les maîtres anciens, le programme strict de l'académie a commencé à tomber en disgrâce dans les années 1800, alors que le réalisme, le premier mouvement moderne, mettait l'accent sur l'observation de la nature et les représentations réalistes de la vie de la classe ouvrière. .


Même ainsi, des artistes de premier plan ont continué à revenir aux maîtres anciens, les référençant souvent dans leurs propres œuvres. L'Olympia de Manet (1863) faisait référence à la Vénus d'Urbino de Titien (1538), et Degas visitait souvent le Louvre pour copier et esquisser les œuvres d'Ingres et de Poussin. Comme l'écrivait Nancy Locke, Paul Cézanne « ressentait une profonde vénération pour certains artistes du Louvre et se tournait fréquemment vers eux pour trouver inspiration et conseils, même dans sa maturité ». Cézanne, comme l'a noté Locke, "a lutté avec ses prédécesseurs sur la voie de les transformer" et les mouvements d'art moderne du XXe siècle ont souvent été marqués par une volonté de remplacer, de reconfigurer ou de rejeter activement l'influence des maîtres du passé. Picasso, par exemple, a consacré énormément de temps à retravailler Cranach, Velázquez, Delacroix, Manet et Degas. En 1919, Marcel Duchamp a dégradé une reproduction de la Joconde (1503-1507) avec une moustache, pour produire L.H.O.O.Q., tandis que La Naissance de Vénus (1984) d'Andy Warhol était un gros plan recarder et aplati de l'œuvre de Botticelli.


Dans les années 1970, le mouvement émergent de l'art féministe a défié la tradition des maîtres anciens, arguant que l'accent avait effacé les femmes artistes de l'histoire de l'art, de l'éducation et du mécénat. « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? » de Linda Nochlin. (1971) ont remis en question l'hypothèse traditionnelle selon laquelle les grands maîtres étaient exclusivement européens, tandis que les Guerrilla Girls des années 1980 ont mis les musées d'art au défi d'exposer davantage d'artistes femmes, y compris celles comme Judith Leyster et Artemisia Gentileschi, reconnues comme des maîtres à leur époque mais effacées par la suite. .


Les artistes suivants ont continué à reconfigurer les maîtres anciens. Comme l'a écrit la critique d'art Magda Mihalska, la série de trente-cinq photographies Old Masters (1989-1990) de Cindy Sherman "mélange la conscience post-moderne avec des chefs-d'œuvre intemporels (ou tropes qu'ils représentent) de maîtres européens". Kehinde Wiley, comme l'a noté la critique d'art Anne Quito, "En puisant dans les titans de l'art occidental comme Jacques-Louis David, Édouard Manet, Jean-Auguste-Dominique Ingres et Titien... crée des portraits hyperréalistes, imprégnant ses sujets d'un air similaire de dignité ou de vaine gloire que l'on trouve dans les peintures anciennes". D'autre part, les frères Chapman, ont directement modifié les œuvres d'art originales, y compris un ensemble rare d'estampes de Francisco Goya dans Insult to Injury (2004).

 

Les artistes importants et les œuvres des maîtres anciens

 

Masaccio

Expulsion du jardin d'Eden

1426-1427

Fresque - Église de Santa Maria Novella, Florence, Italie

1426-1427 Expulsion du jardin d'Eden Artiste : Masaccio

Cette première œuvre de maître ancien, qui fait partie du cycle de fresques de Masaccio dans la chapelle Brancacci, représente un Adam et Eve nus, leur langage corporel et leurs expressions faciales exprimant la honte et l'angoisse, alors qu'ils sont chassés du jardin d'Eden. De l'arc derrière eux, des lignes noires représentent la voix de Dieu tandis qu'au-dessus de l'arc un ange, vêtu de rouge et portant une épée noire, les pousse énergiquement vers l'avant. Les lignes représentant la voix de Dieu et l'épée sont en argent, bien qu'elles se soient ternies avec le temps. L'influence de la sculpture classique est évidente dans les proportions des deux personnages, tandis que les bras d'Eve couvrant ses seins et son pubis évoquent spécifiquement la pose de Vénus pudique, largement utilisée par les artistes ultérieurs. Dans sa représentation d'Adam, Masaccio a également été influencé par le Crucifix de Donatello (1412-13) dans l'église Santa Croce, connue pour sa représentation réaliste.

Peignant les premiers nus depuis l'époque romaine, les innovations de Masaccio, figuration réaliste et perspective linéaire, ont créé une nouvelle esthétique. Comme l'a écrit Giorgio Vasari, peintre du XVIe siècle, Masaccio a mis "en lumière le style moderne qui a été suivi depuis par tous les artistes". Des influences directes peuvent être observées dans le travail de Fra Filippo Lippi, Sandro Botticelli, da Vinci (qui a appelé les personnages "parfait"), et Michel-Ange ainsi que des noms ultérieurs tels que John Ruskin, Joshua Reynolds et le sculpteur Henry Moore. Comme l'a noté l'historien de l'art contemporain Keith Christiansen, "les méthodes employées par Masaccio sur les murs de la chapelle Brancacci sont en effet devenues la base de la formation artistique dans toute l'Europe".

 

 

Leonardo da Vinci

Mona Lisa (La Giaconda)

1503-1507

Huile sur panneau - Musée du Louvre, Paris

1503-1507 Mona Lisa (La Giaconda) Artiste : Léonard de Vinci

Probablement le plus célèbre et le plus reconnaissable des tableaux, ce portrait de la Renaissance représente une femme dont le sourire mystérieux et l'identité fascinent les érudits et les spectateurs depuis des siècles. Dans ses techniques et son traitement du sujet, l'œuvre de Léonard était radicalement novatrice. Auparavant, les portraits féminins, généralement commandés par des membres masculins de la famille, représentaient la gardienne de profil et soulignaient son statut social et son aptitude à épouser, en prêtant attention à ses parures et à ses bijoux. L'utilisation pionnière de Da Vinci du sfumato, l'application de multiples couches minces de glaçure, crée les douces transitions tonales de l'œuvre et les gradations entre la lumière et l'ombre. Ceci, associé à sa connaissance de l'anatomie et à sa maîtrise de la perspective, crée le réalisme de la pièce. Comme l'a écrit Giorgio Vasari, "Comme l'art peut imiter la nature, elle ne semble pas être peinte, mais vraiment de chair et de sang. En regardant de près le creux de sa gorge, on pourrait jurer que les pulsations battaient."

Le paysage devient le centre de l'œuvre, plutôt qu'une simple toile de fond, car ses caractéristiques, rendues en perspective aérienne, ressemblent à des formes paysagères réalistes mais, prises dans leur ensemble, évoquent un monde imaginaire. Comme l'écrivait Jean-Pierre Cuzin, conservateur du Louvre, "Le fond peut être une représentation de l'univers, avec des montagnes, des plaines et des rivières. Ou peut-être est-ce à la fois la réalité et le monde du rêve. On pourrait supposer que le paysage n'existe pas , que c'est le monde onirique de la jeune femme."

Bien que la plupart des érudits pensent qu'il a commencé à peindre l'œuvre à Florence vers 1500, da Vinci a ensuite emmené l'œuvre avec lui en France et y a travaillé jusqu'à sa mort. Comme Cuzin l'a écrit : « Toute l'histoire du portrait dépend ensuite de la Joconde. Si vous regardez tous les autres portraits - non seulement de la Renaissance italienne, mais aussi des XVIIe et XIXe siècles - si vous regardez Picasso, tout le monde que tu veux nommer, tous ont été inspirés par ce tableau. C'est donc en quelque sorte la racine, presque, de la peinture de portrait occidentale. Les techniques de Da Vinci de clair-obscur, sfumato, perspective linéaire et perspective aérienne, et son utilisation de la composition, sont devenues fondamentales pour les artistes suivants. En raison de ses découvertes scientifiques, inventions et observations tout aussi célèbres (enregistrées dans ses cahiers), il était considéré comme l'homme exemplaire de la Renaissance, un maître dans tout ce qu'il tentait.

 

 

 

Michel-Ange

La création d'Adam

1508-1512

Fresque - Cité du Vatican

1508-1512 La création d'Adam Artiste : Michel-Ange

Cette œuvre emblématique, qui fait partie du célèbre cycle de fresques Michel-Ange peint sur la chapelle Sixtine, représente le moment où Dieu, représenté dans une nuée d'anges et de chérubins à droite, transmet l'étincelle de vie à Adam, nu et allongé à gauche. Influencées par les sculptures grecques et romaines classiques, les figures de Michel-Ange sont à la fois idéalisées et sculpturales, élevant le nu, qui dans l'art chrétien antérieur n'avait été utilisé que pour représenter Adam et Eve, dans la honte, alors qu'ils étaient chassés du paradis.

Ici, il crée une image puissante de la beauté masculine, qui a influencé à la fois les traitements artistiques et les croyances culturelles, reflétées au XXe siècle par le commentaire du pape Jean-Paul II : « La Chapelle Sixtine est précisément - si l'on peut dire - le sanctuaire de la théologie du corps humain."

Le pape Jules II a commandé la peinture du plafond de la chapelle Sixtine en 1507. Le résultat a été immédiatement salué comme un chef-d'œuvre qui a marqué l'âge et a été l'un des premiers exemples de la peinture d'histoire. Michel-Ange était également connu pour ses compositions innovantes, notamment l'utilisation de raccourcis, une palette de couleurs vibrantes et un mouvement dynamique. Au XVIIe siècle, les académies d'art émergentes ont défini la peinture d'histoire comme l'une des formes d'art les plus élevées. La copie d'œuvres de maîtres anciens dans le genre a été soulignée dans le processus éducatif et de nombreux artistes se sont rendus à Rome pour étudier l'œuvre. La représentation de Michel-Ange de la forme humaine a grandement influencé le Titien, le Bernin, Rubens, Rodin et Paul Cézanne, entre autres.

 

 

 

Albrecht Dürer

Chevalier, la mort et le diable

1513

Gravure - Le Metropolitan Museum of Art, New York, New York

1513 Chevalier, la mort et le diable Artiste : Albrecht Dürer

Cette grande estampe, avec Saint Jérôme dans son étude (1514) et Melacholia I (1514), est l'une des Meisterstiche de Dürer, ou gravures de maître. Un chevalier équestre, vêtu d'une armure et portant une lance, sa pointe enveloppée dans une sétaire, remplit le tableau, alors qu'il chevauche résolument à travers un paysage escarpé et désolé. Il regarde sévèrement vers l'avant, sans regarder la Mort, sur un cheval à sa droite, qui l'exhorte ou le Diable à tête de bouc qui le suit. Son chien fidèle court à côté. L'œuvre est profondément allégorique, du crâne sur le sol devant le cheval au sablier que tient la Mort, et est peut-être basée sur les Instructions pour le soldat chrétien de l'humaniste de la Renaissance (1504), qui disait : « Afin que vous ne soyez pas détourné du chemin de la vertu parce qu'il semble rude et morne... et parce que vous devez constamment combattre trois ennemis injustes - la chair, le diable et le monde... Ne regardez pas derrière vous." Le propre titre de Dürer pour l'œuvre était simplement le Reuter (cavalier), reflétant l'accent qu'il mettait sur le chevalier en tant que figure héroïque.

Durer a consacré sa vie à produire des représentations proportionnellement précises de personnes et d'animaux et on pense qu'il a été influencé par ses études sur les statues équestres des maîtres anciens italiens, y compris le Gattamelata de Donatello (1453) ou les dessins de Léonard de 1490 pour une statue équestre qui n'a jamais été terminé. Giorgio Vasari a déclaré que les maîtres-gravures de Durer étaient "d'une telle excellence que rien de plus beau ne peut être réalisé". Durer était extrêmement innovant dans sa gravure, élargissant sa gamme tonale et narrative, l'élevant à une forme d'art à part entière et influençant les artistes suivants, notamment les Petits Maîtres. De plus, ses estampes ont été reproduites et distribuées dans toute l'Europe, ce qui en fait l'un des premiers exemples d'art produit en série. En conséquence, des artistes tels que Raphaël, Titien et Parmigianino ont commencé à collaborer avec des graveurs pour promouvoir et distribuer leur travail.

 

 

Pieter Bruegel l'Ancien

Les chasseurs dans la neige

1556

Huile sur bois - Le Kunsthistorisches Museum, Vienne, Autriche

1556 Les chasseurs dans la neige Artiste : Pieter Bruegel l'Ancien

Ce paysage montre trois chasseurs, accompagnés de leurs chiens de chasse, marchant péniblement dans la neige sur une colline surplombant un petit village, où patinent des villageois sur la rivière gelée et de grands étangs. Présentant une vision convaincante de la vie rurale, l'œuvre emploie un sens magistral de la composition, car la diagonale créée par les silhouettes aux contours sombres des chasseurs fait écho à la diagonale des troncs d'arbres noirs qui descendent de la colline. On peut voir cette ligne se poursuivre à travers la bande de terre blanche entre les étangs jusqu'aux pics escarpés au loin. Cette œuvre fait partie d'une série que Breughel a peinte représentant les saisons, mais comme l'a noté l'historien de l'art Jacob Wisse, "Bien qu'enraciné dans l'héritage des scènes du calendrier, l'accent de Brueghel n'est pas sur les travaux qui marquent chaque saison mais sur l'atmosphère et la transformation de le paysage lui-même. Ces compositions panoramiques suggèrent une vision perspicace et universelle du monde."

Les œuvres de Breughel ont informé le développement du paysage et aussi de l'art de genre, car ses scènes représentant la vie ordinaire ont été étudiées pour son utilisation de la perspective linéaire, des contours audacieux et des formes triangulaires répétitives. Il a influencé les artistes de la Renaissance nord-européenne et de l'âge d'or néerlandais, ainsi que des artistes ultérieurs tels que Camille Pissarro et Vincent Van Gogh. Comme l'a écrit le critique d'art contemporain Jonathan Jones, "Des scènes telles que The Hunters in the Snow semblent résumer la nature même de la vie sur terre dans leur étendue géographique et leur portée anthropologique. Comme Shakespeare, il peut capturer le théâtre de la vie."

 

 

 

Caravage

La Cène à Emmaüs

1601

Huile sur toile - National Gallery, Londres

1601 La Cène à Emmaüs Artiste : Caravage

Cette œuvre représente le moment où le Christ ressuscité révèle son identité à deux de ses disciples à Emmaüs. Placé comme dans une petite taverne éclairée à la chandelle, la scène met l'accent sur le moment de la révélation. Le Christ, son visage et son corps illuminés, est représenté faisant des gestes au spectateur, tandis que les disciples réagissent physiquement, l'un avec les bras étendus d'étonnement et l'autre comme s'il s'apprêtait à se lever de sa chaise. Bien qu'il n'ait pas inventé la technique, Caravaggio a maîtrisé et popularisé le clair-obscur, en en faisant un élément stylistique dominant dans ses peintures et en l'utilisant pour augmenter le drame et le mouvement de son travail. Il s'est également concentré sur la création de figures réalistes, plutôt que sur leur idéalisation, une technique qui l'a rendu controversé dans certains cercles religieux.

Des groupes d'artistes, tels que les Utrecht Caravaggisti, ont imité l'utilisation du clair-obscur par Caravage et son accent sur les moments dramatiques et il a également influencé Rubens, Vermeer, Rembrandt et Velázquez. Comme l'a écrit l'historien de l'art Bernard Berenson, "A l'exception de Michel-Ange, aucun autre peintre italien n'a exercé autant d'influence". Le critique d'art moderne Roberto Longhi a noté: "Ribera, Vermeer, La Tour et Rembrandt n'auraient jamais pu exister sans lui. Et l'art de Delacroix, Courbet et Manetaurait été complètement différent."

 

 

 

Diego Velázquez

Les Ménines

1656

Huile sur toile - Prado, Madrid, Espagne

1656 Les Ménines Artiste : Diego Velázquez

Cette composition complexe représente l'Infante Marguerite Thérèse accompagnée de son entourage, dont deux demoiselles d'honneur, un chaperon, un garde du corps, deux nains et un dogue. À gauche, Velazquez se représente en train de peindre sur une grande toile et à l'arrière-plan, un miroir reflète le roi et la reine qui semblent se tenir dans la même position que le spectateur. Alternativement, il a été postulé que le reflet est de la peinture sur laquelle Velazquez travaille. Nominalement, un portrait de l'Infante, cette œuvre est une exploration complexe du phénomène de la perception visuelle qui soulève des questions sur la réalité et l'illusion dans l'art.

L'artiste baroque Luca Giordano a décrit l'œuvre comme représentant la «théologie de la peinture», tandis qu'en 1827, le peintre Thomas Lawrence a déclaré qu'elle évoquait «la véritable philosophie de l'art». L'œuvre n'a cessé de préoccuper et de provoquer la pensée contemporaine. Le célèbre philosophe Michel Foucault écrivait : « Nous regardons un tableau dans lequel le peintre nous regarde tour à tour. Une simple confrontation, des regards qui se croisent, des regards directs qui se superposent en se croisant. Et pourtant ce ligne ténue de visibilité réciproque embrasse tout un réseau complexe d'incertitudes, d'échanges et de feintes." Foucault voyait dans l'œuvre le présage d'un nouveau mode de pensée, occupant un point intermédiaire entre le classique et le moderne, comme il le dit, « la représentation, enfin libérée de la relation qui l'entravait, peut s'offrir comme représentation dans sa forme pure ».

L'œuvre a eu une influence sur les artistes suivants, dont Francisco Goya, John Singer Sargent, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Richard Hamilton, ainsi que la vidéaste contemporaine Eve Sussman, qui l'a décontextualisée. Édouard Manet devait appeler Velázquez, "le peintre des peintres", et Picasso a peint cinquante-huit interprétations de Las Meninas dans une série de 1957, alors qu'il étudiait de manière exhaustive sa forme, son mouvement et sa couleur.

 

 

 

 Rembrandt van Rijn

Autoportrait à 63 ans

1669

Huile sur toile - National Gallery, Londres

 1669 Autoportrait à 63 ans Artiste : Rembrandt van Rijn

Cet autoportrait représente l'artiste de trois quarts, tourné vers le spectateur. Sur le fond sombre, seul son visage sillonné et vieillissant est illuminé, révélant les rides sous les yeux et les imperfections de son front. Comme l'a noté le critique d'art Hilton Cramer, les "surfaces peintes en épaisseur ... sont le parfait corrélatif pictural" pour sa "candeur existentielle". Utilisant un clair-obscur profond, le visage est divisé entre la lumière et l'ombre par l'arête du nez, une caractéristique d'identification du style de Rembrandt.

Peintre baroque de premier plan de l'âge d'or hollandais, Rembrandt était célèbre pour ses portraits, ses scènes bibliques et classiques, ses allégories, ses paysages, ses peintures de genre et ses puissantes gravures et eaux-fortes. Pourtant, après sa mort, comme le note l'historien de l'art Mark Hudson, "pendant près de 200 ans... personne ne s'intéressait beaucoup à l'art de Rembrandt... les qualités mêmes que nous admirons en lui - la vérité terre à terre par rapport à la réalité physique, la franchise avec laquelle la présence humaine est mise devant nous, le sentiment presque comestible palpable de la lumière et de l'ombre - étaient antithétiques au raffinement classique conscient de soi qui dominait les valeurs critiques à la fin des XVIIe et XVIIIe siècles."

Rembrandt a été redécouvert à la fin des années 1800, avec pour résultat qu'il est devenu l'un des maîtres anciens prééminents pour influencer l'ère moderne. Ses nombreux autoportraits, ont été particulièrement influents, en raison du nombre important qu'il a produit tout au long de sa vie. Cézanne esquissa sa Bethsabée au bain (1654), Vincent van Gogh qualifia Rembrandt de « magicien », Auguste Rodin le qualifia de « colosse de l'art », et Pablo Picasso dira : « tout peintre se prend pour Rembrandt ». Des artistes ultérieurs, dont Frank Auerbach et Francis Bacon, ont été profondément influencés par ce qu'Auerbach a appelé la «vérité brute» de Rembrandt et sa manipulation de la peinture, en utilisant un empâtement épais et un pinceau lâche expressif. Comme l'a écrit Hudson, "C'est aussi la trajectoire que nous attendons de l'art : loin de l'étroitesse, de l'ordre et du contrôle, vers l'expressivité et l'abstraction. Comme Rembrandt s'invente dans la peinture, il invente l'art moderne au fur et à mesure."

 

 


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