Art moderne

Début : 1850

Fin : 1970

Définition de l'art moderne

L'art moderne est la réponse du monde de la création aux pratiques et aux perspectives rationalistes des nouvelles vies et des nouvelles idées offertes par les progrès technologiques de l'ère industrielle, qui ont amené la société contemporaine à se manifester d'une manière nouvelle par rapport au passé. Les artistes se sont efforcés de représenter leur expérience de la nouveauté de la vie moderne de manière innovante et appropriée. Bien que l'art moderne en tant que terme s'applique à un grand nombre de genres artistiques couvrant plus d'un siècle, d'un point de vue esthétique, l'art moderne se caractérise par l'intention de l'artiste de dépeindre un sujet tel qu'il existe dans le monde, selon sa perspective unique, et se caractérise par un rejet des styles et valeurs acceptés ou traditionnels.

Les débuts de l'art moderne

L'art classique et les débuts de l'art moderne

Les siècles qui ont précédé l'ère moderne ont été marqués par de nombreuses avancées dans les arts visuels, des recherches humanistes de la Renaissance et de la période baroque aux fantaisies élaborées du style rococo et à la beauté physique idéale du néoclassicisme européen du XVIIIe siècle. Cependant, l'idéalisation du sujet, qu'il soit humain, naturel ou situationnel, est une caractéristique dominante de ces premières époques modernes. Les artistes peignaient généralement non pas ce qu'ils percevaient avec des yeux subjectifs, mais plutôt ce qu'ils imaginaient comme l'épitomé de leur sujet.

La Tour Eiffel (1926) de Robert Delaunay est un exemple précoce de réaction d'un artiste aux développements de l'ère moderne.

 

L'ère du modernisme et de l'art

L'ère moderne est arrivée avec l'aube de la révolution industrielle en Europe occidentale au milieu du XIXe siècle, l'un des tournants les plus cruciaux de l'histoire mondiale. Avec l'invention et la large diffusion de technologies telles que le moteur à combustion interne, les grandes usines alimentées par des machines et la production d'électricité dans les zones urbaines, le rythme et la qualité de la vie quotidienne ont radicalement changé. De nombreuses personnes ont migré des fermes rurales vers les centres urbains pour trouver du travail, déplaçant le centre de vie de la famille et du village à la campagne vers les métropoles urbaines en expansion. Ces évolutions ont attiré les peintres vers ces nouveaux paysages visuels, désormais animés par toutes sortes de spectacles et de modes modernes.

La photographie est un développement technologique majeur étroitement lié aux arts visuels. La technologie photographique a rapidement progressé et, en quelques décennies, une photographie pouvait reproduire n'importe quelle scène avec une précision parfaite. À mesure que la technologie se développait, la photographie devenait de plus en plus accessible au grand public. Sur le plan conceptuel, la photographie représentait une menace sérieuse pour les modes artistiques classiques de représentation d'un sujet, car ni la sculpture ni la peinture ne pouvaient saisir le même degré de détail que la photographie. En raison de la précision de la photographie, les artistes ont dû trouver de nouveaux modes d'expression, ce qui a conduit à de nouveaux paradigmes dans l'art.

Le point de vue de l'artiste et l'art moderne

Dans les premières décennies du XIXe siècle, un certain nombre de peintres européens ont commencé à expérimenter le simple acte d'observation. Des artistes de tout le continent, y compris des portraitistes et des peintres de genre comme Gustave Courbet et Henri Fantin-Latour, ont créé des œuvres visant à dépeindre objectivement les personnes et les situations, avec toutes leurs imperfections, plutôt que de créer une représentation idéalisée du sujet. Cette approche radicale de l'art a donné naissance à la grande école d'art connue sous le nom de réalisme.

Toujours au début du XIXe siècle, les romantiques ont commencé à présenter le paysage non pas nécessairement tel qu'il existait objectivement, mais plutôt tel qu'ils le voyaient et le ressentaient. Les paysages peints par Caspar David Friedrich et J.M.W. Turner sont des représentations dramatiques qui capturent le sentiment de sublime qui a frappé l'artiste en regardant cette scène particulière de la nature. Cette représentation d'un sentiment associé à un lieu a été une étape cruciale dans la création de la perspective innovante et unique de l'artiste moderne.

L'abstraction précoce et l'art moderne

De même, alors que certains artistes se sont concentrés sur la représentation objective, d'autres ont déplacé leur objectif artistique pour mettre l'accent sur la sensation visuelle de leurs sujets observés plutôt que sur une représentation précise et naturaliste de ceux-ci. Cette pratique représente les débuts de l'abstraction dans les arts visuels. Deux exemples clés en sont le Nocturne en noir et or : The Falling Rocket (1874) de James McNeill Whistler et Boulevard des Capucines (1873) de Claude Monet. Dans le premier, l'artiste combine de larges éclaboussures et de petites taches de peinture pour créer un portrait d'un ciel nocturne illuminé par des feux d'artifice, plus atmosphérique que représentatif. Dans le second, Monet offre une vue aérienne de la vie parisienne moderne et animée. En dépeignant cette scène, Monet a rendu les piétons et le paysage urbain comme une "impression", ou en d'autres termes, une représentation visuelle d'une perspective fugace, subjective et légèrement abstraite.

Ce tableau, Nocturne en noir et or : The Falling Rocket (1874) de James McNeill Whistler ouvre la voie à l'abstraction.

Thèmes et concepts de l'art moderne

Artistes modernes

L'histoire de l'art moderne est l'histoire des grands artistes et de leurs réalisations. Les artistes modernes se sont efforcés d'exprimer leur vision du monde qui les entoure en utilisant des supports visuels. Si certains ont relié leur travail à des mouvements ou des idées antérieurs, l'objectif général de chaque artiste de l'ère moderne était de faire progresser sa pratique jusqu'à une position de pure originalité. Certains artistes se sont imposés comme des penseurs indépendants, s'aventurant au-delà de ce qui constituait à l'époque des formes acceptables de "grand art", approuvées par les académies publiques traditionnelles et les mécènes de la classe supérieure des arts visuels. Ces innovateurs ont représenté des sujets que beaucoup considéraient comme obscènes, controversés ou même carrément laids.

L'icône Vincent van Gogh (1886) telle que représentée par l'artiste John Russell.

 

Le premier artiste moderne à se démarquer à cet égard est Gustave Courbet, qui, au milieu du XIXe siècle, a cherché à développer son propre style. Il y est parvenu en grande partie avec son tableau de 1849-1850, Enterrement à Ornans, qui a scandalisé le monde de l'art français en représentant les funérailles d'un homme ordinaire d'un village de paysans. L'Académie s'offusque de la représentation d'ouvriers agricoles sales autour d'une tombe ouverte, car seuls les mythes classiques ou les scènes historiques conviennent à un tableau de cette envergure. Dans un premier temps, Courbet a été ostracisé pour son œuvre, mais il a finalement exercé une grande influence sur les générations suivantes d'artistes modernes. Ce schéma général de rejet et d'influence ultérieure a été répété par des centaines d'artistes de l'ère moderne.

Mouvements d'art moderne

La discipline de l'histoire de l'art tend à classer les individus dans des unités d'artistes partageant les mêmes idées et historiquement liés, désignées comme les différents mouvements et "écoles". Cette approche simple consistant à établir des catégories est particulièrement pertinente lorsqu'elle s'applique à des mouvements centralisés ayant un objectif singulier, comme l'impressionnisme, le futurisme et le surréalisme. Par exemple, lorsque Claude Monet a exposé son tableau Impression, lever de soleil (1872) dans le cadre d'une exposition collective en 1874, le tableau et l'exposition dans son ensemble ont été mal accueillis. Cependant, Monet et ses collègues artistes ont finalement été motivés et unis par la critique. Les impressionnistes ont ainsi créé un précédent pour les futurs artistes indépendants qui ont cherché à se regrouper sur la base d'un objectif et d'une approche esthétique uniques.

Mahana no atua (Jour du Dieu) (1894) de Paul Gauguin montre les artistes légendaires qui ont ouvert la voie à des mouvements futurs tels que l'expressionnisme et le primitivisme.

 

Cette pratique consistant à regrouper les artistes en mouvements n'est pas toujours tout à fait exacte ou appropriée, car de nombreux mouvements ou écoles se composent d'artistes et de modes de représentation artistique très divers. Par exemple, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat et Paul Cézanne sont considérés comme les principaux artistes du post-impressionnisme, un mouvement nommé ainsi en raison des déviations des artistes par rapport aux motifs impressionnistes ainsi que de leur place chronologique dans l'histoire. Cependant, contrairement à leurs prédécesseurs, les post-impressionnistes ne représentent pas un mouvement cohésif d'artistes réunis sous une même bannière idéologique. En outre, on peut affirmer que certains artistes ne correspondent à aucun mouvement ou catégorie particulière. Parmi les principaux exemples, citons Auguste Rodin, Amadeo Modigliani et Marc Chagall. Malgré ces complications, la désignation imparfaite des mouvements permet de diviser la vaste histoire de l'art moderne en segments plus petits séparés par des facteurs contextuels qui aident à examiner les artistes et les œuvres individuelles.

L'Avant-Garde et la progression de l'art moderne

L'avant-garde est un terme qui dérive du français, la division de tête qui part au combat, littéralement l'avant-garde, et sa désignation dans l'art moderne est très proche de son homonyme militaire. D'une manière générale, la plupart des artistes modernes créatifs et couronnés de succès étaient des avant-gardistes. Leur objectif dans l'ère moderne était de faire progresser les pratiques et les idées de l'art, et de continuellement remettre en question ce qui constituait une forme artistique acceptable afin de transmettre le plus précisément possible l'expérience de l'artiste de la vie moderne. Les artistes modernes ont continuellement examiné le passé et l'ont réévalué par rapport à la modernité.

Art moderne, contemporain et postmoderne

D'une manière générale, l'art contemporain est défini comme toute forme d'art, quel que soit le support, produite de nos jours. Toutefois, dans le monde de l'art, ce terme désigne l'art produit pendant et après l'ère post-pop des années 1960. L'avènement du conceptualisme à la fin des années 1960 marque le tournant de l'art moderne vers l'art contemporain. L'art contemporain est une vaste délimitation chronologique qui englobe un large éventail de mouvements tels que l'art terrien, l'art de la performance, le néo-expressionnisme et l'art numérique. Il ne s'agit pas d'une période ou d'un style clairement désigné, mais il marque plutôt la fin de la périodisation du modernisme.

Le "readymade" de Duchamp, LHOOQ (1919), est un exemple précoce d'un artiste remettant en question le progrès de l'art et pointant vers des mouvements postmodernes tels que l'art conceptuel, l'art d'appropriation et d'autres pratiques.

 

Le postmodernisme est une réaction ou une résistance aux projets du modernisme, et a commencé avec la rupture de la représentation qui s'est produite à la fin des années 1960. Le modernisme est devenu la nouvelle tradition que l'on retrouve dans toutes les institutions contre lesquelles il s'était initialement rebellé. Les artistes postmodernes ont cherché à dépasser les limites fixées par le modernisme, déconstruisant le grand récit du modernisme afin d'explorer les codes culturels, la politique et l'idéologie sociale dans leur contexte immédiat. C'est cet engagement théorique avec les idéologies du monde environnant qui différencie l'art postmoderne de l'art moderne et le désigne comme une facette unique de l'art contemporain. Les caractéristiques souvent associées à l'art postmoderne sont l'utilisation de nouveaux médias et de nouvelles technologies, comme la vidéo, ainsi que la technique du bricolage et du collage, la collision de l'art et du kitsch, et l'appropriation de styles antérieurs dans un nouveau contexte. Certains mouvements communément cités comme étant postmodernes sont : L'art conceptuel, l'art féministe, l'art de l'installation et l'art de la performance.