Post-impressionnisme

Les débuts du post-impressionnisme

L'impressionnisme et l'essor du post-impressionnisme

En 1872, Claude Monet a radicalement changé la voie de la peinture, inaugurant un mode d'expression visuelle révolutionnaire dans lequel les artistes réagissent à leur environnement moderne. Cet objectif a été atteint dans le tableau Impression, lever de soleil (1872), dans lequel Monet a utilisé chaque coup de pinceau visible pour enregistrer exactement la façon dont la lumière du soleil tombait sur les bateaux à vapeur et l'eau en contrebas. Le critique Louis Leroy a surnommé par dérision leur style de peinture "impressionniste" en raison des coups de pinceau visibles, et a involontairement donné au groupe son identité collective. Bien que le noyau dur du groupe soit constitué de Claude Monet, Berthe Morisot, Auguste Renoir et Edgar Degas, de nombreux autres artistes se sont associés au groupe. Parmi eux, Paul Cézanne, qui a exposé avec les impressionnistes dans les années 1870 et au début des années 1880.

Lors de la dernière exposition impressionniste en 1886, les jeunes artistes et les critiques ont demandé un changement d'orientation des arts figuratifs. Ils estimaient que les impressionnistes avaient laissé leurs préoccupations en matière de technique et d'effets de la lumière naturelle éclipser l'importance du sujet. Ces artistes dissidents ont fini par être connus sous le nom de post-impressionnistes, un terme qui regroupait des styles artistiques individuels très différents. En effet, nombre des principales figures du mouvement étaient rivales en termes de méthode et d'approche. Gauguin et Seurat se détestaient et avaient une piètre opinion du style de l'autre, et si van Gogh vénérait l'œuvre de l'impressionniste Edgar Degas et de son collègue post-impressionniste Henri Rousseau, il était sceptique quant au style rigoureusement ordonné de Cézanne.

Georges Seurat : Dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte (1884-86)

Si Paris est incontestablement la source du post-impressionnisme, l'accent mis sur le contenu symbolique et expressif signifie que la vie de la ville n'est plus le sujet dominant pour les artistes. Par la suite, de nombreux peintres ont développé leur propre style esthétique en dehors de Paris. Cézanne a passé la majeure partie de sa carrière en Provence ; Van Gogh a atteint son style mature à Arles, dans le sud de la France ; et, dans un renoncement infâme à Paris, Gauguin s'est expatrié à Tahiti.

Le post-impressionnisme : Concepts, styles et tendances

Seurat et le pointillisme

Le premier héraut de cette nouvelle tendance qui rompt avec l'impressionnisme est Georges Seurat. Il a développé le style de peinture connu sous le nom de pointillisme, qui fait référence à l'utilisation d'un point comme base de la construction d'un tableau. Le mouvement stylistique plus large des disciples de Seurat est connu sous le nom de néo-impressionnisme, mais ce mouvement est également identifié comme le "chromo-luminarisme" ou le divisionnisme. Seurat a exploré une nouvelle approche scientifique de la représentation de la couleur et a étendu les intérêts des impressionnistes à l'optique. Les marques qui composent le tableau sont exécutées chacune dans une couleur unique. Ces marques et couleurs individuelles se mélangent ensuite visuellement dans l'œil du spectateur, comme le dictent les principes dominants de la théorie des couleurs de l'époque. Dans des œuvres telles que Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte (1884-86), Seurat a appliqué la couleur en champs denses de points minuscules afin d'imiter l'aspect vif et vibrant de la lumière naturelle, qui est également le résultat du mélange des différentes couleurs du spectre. Paul Signac a suivi de près les traces de Seurat dans ces explorations.

Le port de Saint-Tropez (1906) de Paul Signac est un exemple célèbre et magnifique du néo-impressionnisme.

Van Gogh et le japonisme

Vincent van Gogh s'est appuyé sur des couleurs saturées et de larges coups de pinceau pour évoquer le tumulte intérieur de l'artiste. Avec Gauguin, il a expérimenté de nouvelles approches de la peinture et a rejeté la représentation académique, la finition fine et la fixation des impressionnistes sur l'optique. Il a été influencé par diverses sources, notamment son amour des représentations stylisées des estampes japonaises Ukiyo-e. À la fin du XIXe siècle, l'afflux de biens et d'œuvres d'art japonais sur le marché européen a donné naissance au japonisme - l'interprétation européenne des styles artistiques japonais dans les objets d'art occidentaux. Des influences similaires sont également évidentes dans l'œuvre d'Henri de Toulouse-Lautrec. Toulouse-Lautrec était un observateur du monde des cabarets avec une perspective unique ; il était né dans la noblesse française, mais était physiquement handicapé, et incarnait donc la perspective à la fois d'un initié et d'un outsider. Sa vision unique de la vie nocturne parisienne s'est traduite par des peintures et des lithographies de salles de danse et de cabarets qui s'appuient sur les contours forts et les aplats de couleurs de l'ukiyo-e.

Katsushika Hokusai Trente-six vues du Mont Fuji : La grande vague au large de la côte de Kanagawa (1906) a été étudiée par des modernistes européens comme Van Gogh et Toulouse-Lautrec.

Gauguin et le synthétisme

À l'automne 1888, Van Gogh et Gauguin partagent un petit appartement et un atelier à Arles, dans le sud de la France. Au cours de ces mois, les deux artistes ont forgé une relation difficile, mais mutuellement bénéfique. Alors qu'ils partagent tous deux un intérêt pour le contenu symbolique et les images abstraites de leur apparence naturelle, Gauguin développe ces idées dans sa théorie du "synthétisme". Selon cette théorie, la forme visuelle finale est déterminée par une synthèse de l'apparence extérieure de la forme naturelle, des sentiments de l'artiste sur le sujet et des considérations esthétiques de la couleur, de la ligne et de la forme. Dans ses œuvres, Gauguin a souvent renoncé à l'ombrage, au modelage et à la perspective à un seul point, et a plutôt utilisé des couleurs pures, des lignes fortes et une bidimensionnalité plate pour susciter un impact émotionnel viscéral. Ces œuvres sont aussi souvent dérivées "de tête" - de la mémoire ou de l'imagination - et expriment un lien fort avec le sujet qui a inspiré l'œuvre, qu'il soit religieux, littéraire ou mythologique.

Mountains In Tahiti (1897) de Paul Gauguin exprime la vision de l'artiste avec des couleurs vibrantes.

Cézanne et la structure de la forme picturale

Dans sa peinture, Paul Cézanne s'est concentré sur l'exploration de la structure formelle sous-jacente des natures mortes, des portraits et des paysages. Plutôt que de décrire l'impression générale d'une scène, Cézanne cherche à articuler son organisation sous-jacente et suggère que le paysage est construit à partir des composants géométriques les plus simples. Comme il l'a écrit dans une lettre au peintre symboliste Emile Bernard, "Traitez la nature en termes de cylindre, de sphère, de cône". En utilisant des plans de couleur pour créer ces formes, il a partiellement fusionné des parties de figures au premier plan avec des éléments de l'arrière-plan, joignant surface et profondeur. Peut-être le plus influent des post-impressionnistes, Cézanne a créé un lien entre l'impressionnisme et le cubisme. Ses innovations ont eu une influence considérable sur les maîtres de la modernité, comme Henri Matisse et Pablo Picasso. Picasso est même allé jusqu'à appeler Cézanne "le père de nous tous".

La série Montagne Sainte-Victoire de Cézanne décompose la structure d'un tableau en formes géométriques.

Rousseau et le primitivisme

De nombreux post-impressionnistes ont été attirés par le primitivisme dans leur recherche de styles plus vifs et de contenu symbolique. Dans ce cas, le primitivisme fait référence au style "naïf" et autodidacte d'Henri Rousseau, considéré comme un pionnier, mais il peut également faire référence à l'emprunt de formes artistiques non occidentales par des artistes comme Picasso et Gauguin. Rousseau est venu à l'art de manière détournée en faisant des croquis pour s'occuper dans son travail au service des péages parisiens qui géraient les portes de la ville. En 1884, il copie avidement les œuvres de la collection du Louvre et parvient à un style qui dominera toute son œuvre. Si, à première vue, les peintures de Rousseau semblent présenter des sujets conventionnels, les formes simplifiées et abstraites et les motifs de surface qui se fondent dans les images peintes proviennent uniquement de son imagination. Bien qu'il n'ait reçu aucune formation académique, ses paysages évocateurs et ses scènes de jungle, comme Le Gitan endormi (1897) et Le Rêve (1910), reposent sur les interprétations de son subconscient plutôt que sur le monde environnant. Sa représentation du royaume des rêves dans un style intuitif unique a eu une grande influence sur les Fauves, les Cubistes et les Surréalistes.

Le style autodidacte et simpliste de Rousseau a offert de nouvelles directions de représentation aux modernistes.

Les Nabis

Influencé par le japonisme, la peinture symboliste et les préraphaélites anglais, le groupe d'artistes connu sous le nom de "Les Nabis" adhère fermement à l'idée que l'artiste doit faire la synthèse entre la nature et l'expression personnelle dans l'œuvre d'art. Le nom "Les Nabis", dérivé du mot arabe signifiant "prophète", annonçait l'idéologie centrale du groupe - un mélange de mysticisme et de spiritualité intérieure de l'artiste. Paul Sérusier a fondé le groupe et a affiné le style qui allait dominer leur production. Influencés par Gauguin, ils utilisent la peinture à même le tube dans de larges zones de couleur non modulées, avec des motifs et des contours stylisés qui reflètent la vision subjective de l'artiste. Le peintre et théoricien Maurice Denis publie en 1890 l'essai Définition du néotraditionnisme, dans lequel il déclare : "N'oubliez pas qu'un tableau - avant d'être un cheval de guerre, un nu ou une scène de genre - est avant tout une surface plane recouverte de couleurs disposées dans un certain ordre." Les Nabis ont exposé ensemble de 1892 à 1899, et ont embrassé une variété de médias, dont la peinture, les gravures, les vitraux et les décors de théâtre. Le noyau dur du groupe se compose de Paul Sérusier et Maurice Denis, ainsi que de Pierre Bonnard et Édouard Vuillard. Plusieurs autres artistes ont exposé et travaillé avec le groupe à différents moments, notamment Aristide Maillol et Henri de Toulouse-Lautrec.

Les muses au bois sacré(1893) par le Nabi et symboliste Maurice Denis

Le post-impressionnisme international

Bien que le post-impressionnisme ait été centré en France, les styles et théories artistiques issus de ce mouvement se sont rapidement répandus dans d'autres pays. Le peintre norvégien Edvard Munch s'est inspiré des idées du symbolisme pour créer un style artistique personnel et très expressif. Grâce à des rendus abstraits et à l'utilisation de couleurs vives et de lignes tendues, il a cherché à évoquer le conflit interne de l'artiste ainsi que l'anxiété naissante de l'homme moderne. D'autres, comme le peintre et graveur belge James Ensor, ont utilisé des teintes vibrantes et une perspective aplatie de manière anti-réaliste afin de transmettre la tension et l'angoisse généralisées de l'esprit de la "fin de siècle". Les sujets d'Ensor proviennent souvent des annales de la légende et de l'allégorie, mais il dépeint souvent le grotesque comme une rébellion contre les beaux thèmes classiques de l'art académique.

Edvard Munch : Le Cri (1893)

Développements ultérieurs - Après le post-impressionnisme

Bien que le nom du mouvement post-impressionniste soit largement connu aujourd'hui, l'artiste et critique anglais Roger Fry n'a inventé le terme qu'en 1910, à l'occasion d'une exposition qu'il a organisée aux Grafton Galleries de Londres, Manet et les post-impressionnistes. Dans le catalogue, il reconnaissait que l'imprécision de l'étiquette "post-impressionnisme" soulignait la disparité des différents styles et intérêts des artistes qu'elle englobait. Malgré les variations de styles, la logique générale qui sous-tend l'exposition retrace la progression de l'impressionnisme. Fry a estimé que cela avait commencé avec Manet, mais l'exposition s'est concentrée sur les œuvres de Cézanne, Van Gogh et Gauguin.