Surréalisme
Oct 27, 2022
Surréalisme
Début : 1924
Fin : 1966
Les débuts du surréalisme
Le surréalisme s'est développé à partir du mouvement Dada, qui était également en rébellion contre la complaisance de la classe moyenne. Les influences artistiques, cependant, provenaient de nombreuses sources différentes. L'influence la plus immédiate pour plusieurs des surréalistes était Giorgio de Chirico, leur contemporain qui, comme eux, utilisait une imagerie bizarre avec des juxtapositions troublantes (et son mouvement de peinture métaphysique). Ils étaient également attirés par des artistes du passé récent qui s'intéressaient au primitivisme, au naïf ou à l'imagerie fantastique, post-impressionnistes comme Gustave Moreau, Arnold Bocklin, Odilon Redon et Henri Rousseau. Même les artistes de la Renaissance, tels que Giuseppe Arcimboldo et Hieronymous Bosch, sont une source d'inspiration dans la mesure où ils ne se préoccupent pas outre mesure des questions esthétiques liées à la ligne et à la couleur, mais se sentent plutôt obligés de créer ce que les surréalistes considèrent comme le "réel".
Les scènes lunatiques de Giorgio de Chirico ont été parmi les premières inspirations des surréalistes. Détail de La Tour rouge (1913)
Le mouvement surréaliste a commencé comme un groupe littéraire fortement allié à Dada, émergeant dans le sillage de l'effondrement de Dada à Paris, lorsque le désir d'André Breton de donner un but à Dada s'est heurté à l'anti-autoritarisme de Tristan Tzara. Breton, qui est parfois décrit comme le "pape" du surréalisme, a officiellement fondé le mouvement en 1924 en rédigeant le "Manifeste du surréalisme". Cependant, le terme "surréalisme" a été inventé en 1917 par Guillaume Apollinaire lorsqu'il l'a utilisé dans les notes de programme du ballet Parade, écrites par Pablo Picasso, Léonide Massine, Jean Cocteau et Erik Satie.
À peu près au même moment où Breton publie son manifeste inaugural, le groupe commence à publier le journal La Révolution surréaliste, qui est largement axé sur l'écriture, mais comprend également des reproductions d'art d'artistes tels que de Chirico, Ernst, André Masson et Man Ray. La publication se poursuit jusqu'en 1929.
En haut à gauche : Paul Eluard, Jean Arp, Yves Tanguy, Rene Clevel.
En bas à gauche : Tristan Tzara, Andre Breton, Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray
(1930)
Le Bureau de recherche surréaliste ou Centrale surréaliste a également été créé à Paris en 1924. Il s'agissait d'un groupe d'écrivains et d'artistes vaguement affiliés qui se réunissaient et menaient des entretiens afin de "recueillir toutes les informations possibles sur les formes susceptibles d'exprimer l'activité inconsciente de l'esprit". Dirigé par Breton, le Bureau a créé une double archive : une qui recueillait l'imagerie des rêves et une autre qui recueillait le matériel lié à la vie sociale. Au moins deux personnes s'occupaient du bureau chaque jour - l'une pour accueillir les visiteurs et l'autre pour noter les observations et les commentaires des visiteurs qui faisaient ensuite partie des archives. En janvier 1925, le Bureau publie officiellement son intention révolutionnaire, signée par 27 personnes, dont Breton, Ernst et Masson.
Le surréalisme : Concepts, Styles et Tendances
Le surréalisme partageait en grande partie l'antirationalisme de Dada, le mouvement dont il est issu. Les premiers surréalistes parisiens utilisaient l'art pour échapper à des situations politiques violentes et pour répondre au malaise qu'ils ressentaient face aux incertitudes du monde. En recourant à l'imagerie fantastique et onirique, les artistes ont généré des œuvres créatives dans une variété de médias qui exposaient leur esprit intérieur de manière excentrique et symbolique, mettant au jour leurs angoisses et les traitant de manière analytique par des moyens visuels.
Peintures surréalistes
Deux styles ou méthodes distinguent la peinture surréaliste. Des artistes tels que Salvador Dalí, Yves Tanguy et René Magritte ont peint dans un style hyperréaliste dans lequel les objets étaient représentés avec des détails précis et l'illusion de la tridimensionnalité, soulignant leur caractère onirique. Les couleurs de ces œuvres sont souvent saturées (Dalí) ou monochromes (Tanguy), les deux choix évoquant un état de rêve.
Plusieurs surréalistes se sont également appuyés sur l'automatisme ou l'écriture automatique comme moyen d'accéder à l'inconscient. Des artistes comme Joan Miró et Max Ernst ont utilisé diverses techniques pour créer des images improbables et souvent farfelues, notamment le collage, le gribouillage, le frottage, la décalcomanie et le grattage. Des artistes tels que Hans Arp ont également créé des collages en tant qu'œuvres autonomes.
L'hyperréalisme et l'automatisme ne s'excluent pas mutuellement. Miro, par exemple, a souvent utilisé les deux méthodes dans une même œuvre. Dans un cas comme dans l'autre, quelle que soit la façon dont le sujet est abordé ou représenté, il est toujours bizarre, destiné à déranger et à déconcerter.
Objets et sculptures surréalistes
Breton considérait que l'objet était en crise depuis le début du 19ème siècle et pensait que cette impasse pouvait être surmontée si l'objet dans toute son étrangeté pouvait être vu comme si c'était la première fois. La stratégie n'était pas de fabriquer des objets surréalistes pour choquer la classe moyenne à la Dada, mais de rendre les objets "surréalistes" par ce qu'il appelait le dépaysement ou l'éloignement. Le but était de déplacer l'objet, de le sortir de son contexte habituel, de le "défamiliariser". Une fois l'objet retiré de ses circonstances normales, il pouvait être vu sans le masque de son contexte culturel. Ces combinaisons incongrues d'objets étaient également censées révéler les forces sexuelles et psychologiques enfouies sous la surface de la réalité.
Un nombre limité de surréalistes sont connus pour leur travail tridimensionnel. Arp, qui a débuté dans le cadre du mouvement Dada, était connu pour ses objets biomorphiques. Les pièces d'Oppenheim étaient des combinaisons bizarres qui sortaient des objets familiers de leur contexte quotidien, tandis que celles de Giacometti étaient des formes sculpturales plus traditionnelles, dont beaucoup étaient des figures hybrides homme-insecte. Dalí, moins connu pour son travail en 3D, a produit quelques installations intéressantes, notamment Rainy Taxi (1938), une automobile avec des mannequins et une série de tuyaux qui créaient de la "pluie" à l'intérieur de la voiture.
Photographie surréaliste
La photographie, en raison de la facilité avec laquelle elle permet aux artistes de produire des images inquiétantes, occupe une place centrale dans le surréalisme. Des artistes tels que Man Ray et Maurice Tabard ont utilisé ce médium pour explorer l'écriture automatique, en recourant à des techniques telles que la double exposition, l'impression combinée, le montage et la solarisation, cette dernière évitant complètement l'appareil photo. D'autres photographes ont utilisé la rotation ou la distorsion pour créer des images bizarres.
L'Éclipse d'Eugène Atget, avril 1912, a inspiré aux surréalistes la recherche de moments énigmatiques dans la photographie et au-delà.
Les surréalistes appréciaient également la photographie prosaïque, sortie de son contexte banal et vue à travers la lentille de la sensibilité surréaliste. Des instantanés vernaculaires, des photographies de police, des images fixes de films et des photographies documentaires ont tous été publiés dans des revues surréalistes comme La Révolution surréaliste et Minotaure, totalement déconnectés de leur objectif initial. Les surréalistes, par exemple, s'enthousiasment pour les photographies de Paris d'Eugène Atget. Publiées en 1926 dans La Révolution surréaliste à l'instigation de son voisin Man Ray, les images d'Atget d'un Paris qui disparaissait rapidement étaient comprises comme des visions impulsives. Les photographies d'Atget montrant des rues et des vitrines vides rappelaient la vision que le surréaliste avait de Paris en tant que "capitale du rêve".
Le cinéma surréaliste
Le surréalisme a été le premier mouvement artistique à expérimenter le cinéma, en partie parce qu'il offrait plus de possibilités que le théâtre pour créer le bizarre ou l'irréel. Le premier film qualifié de surréaliste est l'Entr'acte de 1924, un film muet de 22 minutes, écrit par René Clair et Francis Picabia, et réalisé par Clair. Mais le cinéaste surréaliste le plus célèbre est bien sûr Luis Buñuel. En collaboration avec Dalí, Buñuel a réalisé les films classiques Un Chien Andalou (1929) et L'Age d'Or (1930), tous deux caractérisés par une disjonction narrative et une imagerie particulière, parfois inquiétante. Dans les années 1930, Joseph Cornell produit des films surréalistes aux États-Unis, comme Rose Hobart (1936). Salvador Dalí a conçu une séquence de rêve pour le film Spellbound (1945) d'Alfred Hitchcock.
L'essor et le déclin du surréalisme
En haut à gauche : Stanley William Hayter, Leonora Carrington, Frederick Kiesler, Kurt Seligmann ;
Rangée du milieu : Max Ernst, Amédée Ozenfant, André Breton, Fernand Léger, Berenice Abbott.
Rangée du bas : Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, John Ferren, Marcel Duchamp, Piet Mondrian.
Photo de l'exposition "Artistes en exil" (1942)
Bien que le surréalisme soit né en France, on en retrouve des traces dans l'art du monde entier. Dans les années 1930 et 1940 en particulier, de nombreux artistes ont été entraînés dans son orbite, alors que les bouleversements politiques croissants et une deuxième guerre mondiale faisaient craindre que la civilisation humaine ne soit en état de crise et d'effondrement. L'émigration de nombreux surréalistes vers les Amériques pendant la Seconde Guerre mondiale a permis de diffuser leurs idées. Après la guerre, cependant, les idées du groupe ont été remises en question par la montée de l'existentialisme, qui, tout en célébrant l'individualisme, avait une base plus rationnelle que le surréalisme. Dans le domaine des arts, les expressionnistes abstraits reprennent les idées surréalistes et usurpent leur domination en mettant au point de nouvelles techniques de représentation de l'inconscient. Breton s'intéresse de plus en plus à l'activisme politique révolutionnaire, qui constitue l'objectif premier du mouvement. Le résultat est la dispersion du mouvement original en de plus petites factions d'artistes. Les bretonniens, tels que Roberto Matta, pensaient que l'art était intrinsèquement politique. D'autres, comme Yves Tanguy, Max Ernst, et Dorothea Tanning, sont restés en Amérique pour se séparer de Breton. Salvador Dalí, lui aussi, s'est retiré en Espagne, croyant en la centralité de l'individu dans l'art.
Développements ultérieurs - Après le surréalisme
Expressionnisme abstrait
En 1936, le Museum of Modern Art de New York présente une exposition intitulée Fantastic Art, Dada, Surrealism, qui impressionne fortement de nombreux artistes américains. Certains, comme Jackson Pollock, commencent à expérimenter l'automatisme et des images qui semblent provenir de l'inconscient - des expériences qui aboutiront plus tard à ses peintures "goutte à goutte". De même, on dit de Robert Motherwell qu'il était "coincé entre les deux mondes" de l'abstraction et de l'automatisme.
En grande partie à cause des bouleversements politiques en Europe, c'est New York, plutôt que Paris, qui devient le centre émergent d'une nouvelle avant-garde, qui privilégie l'exploitation de l'inconscient par l'abstraction, par opposition aux "rêves peints à la main" de Salvador Dalí. L'exposition d'artistes influencés par le surréalisme (Rothko, Gottlieb, Motherwell, Baziotes, Hoffman, Still et Pollock) organisée par Peggy Guggenheim en 1942, aux côtés des artistes européens Miró, Klee et Masson, souligne la vitesse à laquelle les concepts surréalistes se sont répandus dans la communauté artistique new-yorkaise.
Féminisme et femmes surréalistes
Les surréalistes ont souvent été dépeints comme un groupe d'hommes très soudés, et leur art voyait souvent les femmes comme des " autres " sauvages dans un monde cultivé et rationnel. Les travaux des historiennes de l'art féministes ont depuis corrigé cette impression, non seulement en soulignant le nombre de femmes surréalistes actives dans le groupe, en particulier dans les années 1930, mais aussi en analysant les stéréotypes de genre à l'œuvre dans une grande partie de l'art surréaliste. Des critiques d'art féministes, telles que Dawn Ades, Mary Ann Caws et Whitney Chadwick, ont consacré plusieurs livres et expositions à ce sujet.
Alors que la plupart des surréalistes masculins, en particulier Man Ray, Magritte et Dalí, se sont concentrés à plusieurs reprises sur la forme féminine et/ou l'ont déformée et ont représenté les femmes comme des muses, à l'instar des artistes masculins depuis des siècles, les femmes surréalistes, comme Claude Cahun, Lee Miller, Leonora Carrington et Dorothea Tanning, ont cherché à s'attaquer à l'adoption problématique de la psychanalyse freudienne, qui présente souvent les femmes comme des monstres et des êtres inférieurs. Ainsi, de nombreuses femmes surréalistes ont expérimenté le travestissement et se sont dépeintes comme des animaux ou des créatures mythiques.
Le surréalisme britannique
Il est intéressant de noter que de nombreuses femmes surréalistes notables étaient britanniques. Citons par exemple Eileen Agar, Ithell Colquhoun, Edith Rimmington et Emmy Bridgwater. L'interprétation britannique de l'idéologie surréaliste se caractérise par une exploration continue des relations humaines avec l'environnement naturel et, plus particulièrement, avec la mer. Aux côtés d'Agar, Paul Nash a développé un intérêt pour l'objet trouvé, généralement sous la forme d'objets ramassés sur la plage. L'accent mis sur la frontière entre la terre et la mer, où les rochers ressemblent anthropomorphiquement à des personnes, a touché une corde sensible de l'identité britannique et, plus généralement, des principes surréalistes de réconciliation et d'union des opposés.
Circle of the Monoliths (1937-38) de Paul Nash présente de nombreux aspects propres au surréalisme britannique.
