Les débuts de l'impressionnisme

Le réalisme, le naturalisme et le défi de l'art officiel

Bien qu'il s'agisse d'un mouvement révolutionnaire, l'impressionnisme trouve ses racines dans d'autres styles de peinture, comme le réalisme et le naturalisme, qui remettaient déjà en question les notions conventionnelles de la beauté artistique et de la relation de l'artiste avec l'État.

Le mouvement réaliste, défendu par Gustave Courbet, a été le premier à s'opposer à l'establishment artistique parisien officiel, au milieu du XIXe siècle. Courbet était un anarchiste qui pensait que l'art de son époque fermait les yeux sur les réalités de la vie. Les Français étaient dirigés par un régime oppressif et une grande partie de la population était en proie à la pauvreté. Au lieu de dépeindre de telles scènes, les artistes de l'époque se concentraient sur des nus idéalisés, des récits classiques et mythologiques et des représentations glorifiantes de la nature. En guise de protestation, Courbet a financé une exposition de ses œuvres directement en face de l'Exposition universelle de Paris de 1855, un acte audacieux qui a inspiré de futurs artistes cherchant à défier le statu quo.

L'atelier du peintre (1854-55) de Gustave Courbet. L'artiste s'insère dans le tableau, ce qui témoigne de l'importance nouvelle accordée par le réalisme à la description de la vie de l'artiste et de son univers personnel, une tendance qui se poursuivra avec l'impressionnisme.

À la même époque, l'émergence du naturalisme - un mouvement étroitement associé au réalisme - a montré comment l'art pouvait prendre le monde naturel pour sujet sans le recouvrir des contextes de l'héroïsme historique ou mythologique. Depuis les années 1820, des artistes tels que Jean-Baptiste-Camille Corot et Jean-François Millet se rendaient dans la forêt de Barbizon, au sud de Paris, pour réaliser des croquis en plein air des arbres, de la campagne et des classes laborieuses rurales. L'émergence de l'école de Barbizon a marqué le début d'une tendance mondiale de la peinture à représenter le monde naturel dans toute sa splendeur et à célébrer la vie des travailleurs ruraux. Si le naturalisme s'écarte de l'impressionnisme par l'importance qu'il accorde fréquemment aux détails hyperréalistes - incarnés par une grande partie de l'œuvre de Jules Bastien-Lepage -, la célébration du monde naturel par les impressionnistes pour lui-même et l'utilisation de la technique du plein air doivent beaucoup à l'éthique naturaliste antérieure.

Les expositions à Paris et le Salon des Refusés

En 1863, lors du salon d'art annuel officiel, l'événement le plus important du monde de l'art français, un grand nombre d'artistes n'ont pas été autorisés à participer, ce qui a provoqué un tollé. La même année, le Salon des Refusés a été créé en réponse à cette situation, afin de permettre l'exposition d'œuvres d'artistes qui s'étaient auparavant vu refuser l'accès au salon officiel. Parmi les artistes exposés figurent Paul Cézanne, Camille Pissarro, James Whistler et Édouard Manet. Bien qu'elle ait été sanctionnée par l'empereur Napoléon III pour apaiser les artistes concernés, l'exposition de 1863 a été très controversée par le public, en grande partie à cause des thèmes et des styles non conventionnels d'œuvres telles que Le déjeuner sur l'herbe (1863) de Manet, qui représentait des hommes habillés et des femmes nues profitant d'un pique-nique (ces femmes n'étaient pas des nus classiques, mais des femmes modernes - peut-être des prostituées - dans un état de déshabillage dont les connotations étaient beaucoup plus explicitement sexuelles).

Édouard Manet et la révolution picturale

Édouard Manet a été l'un des premiers et des plus importants innovateurs à émerger sur la scène des expositions publiques à Paris. Bien qu'il ait grandi dans l'admiration des maîtres anciens, il a commencé à intégrer un style de peinture novateur, plus libre et une palette plus claire au début des années 1860. Il commence également à se concentrer sur les images de la vie quotidienne, telles que les scènes de cafés, de boudoirs et de rues. Son style anti-académique et ses sujets typiquement modernes attirent bientôt l'attention des artistes en marge de la société et influencent un nouveau type de peinture qui s'écarte des normes de l'époque. Des œuvres telles que Olympia (1863), qui, comme Le déjeuner sur l'herbe, dépeint un nu féminin moderne affrontant le spectateur avec assurance, ont donné au groupe impressionniste naissant l'élan nécessaire pour représenter des sujets qui n'étaient pas considérés comme dignes d'être peints.

Cafés français et diversité

Les cafés parisiens comptent parmi les lieux de rencontre et d'échange les plus populaires pour les peintres du mouvement impressionniste naissant. En particulier, le café Guerbois à Montmartre a été fréquenté par Manet à partir de 1866. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Claude Monet, Paul Cézanne et Camille Pissarro fréquentaient tous le café, tandis que Caillebotte et Bazille avaient des ateliers à proximité et se joignaient souvent aux réunions. D'autres personnalités sont attirées par ce groupe, notamment des écrivains, des critiques et des photographes.

At The Café (1869) d'Édouard Manet montre un groupe d'artistes se réunissant dans un café pour discuter de leurs idées avant-gardistes.

L'intérêt du groupe réside en partie dans la variété dynamique des personnalités, des circonstances économiques et des opinions politiques. Monet, Renoir et Pissarro étaient issus de familles marchandes ou de la classe ouvrière, tandis que Berthe Morisot, Gustave Caillebotte et Degas étaient issus de la classe supérieure. Mary Cassatt était américaine (et une femme) et Alfred Sisley était anglo-français. Cette diversité de personnalités est peut-être la raison pour laquelle tant de créativité est née des activités collectives du groupe.

Les expositions impressionnistes

Bien qu'ils ne soient pas encore unis par un style particulier, les membres du groupe partagent un sentiment général d'antipathie à l'égard des normes académiques trop strictes des beaux-arts et décident de rejoindre une coopérative commerciale, connue sous le nom de Société anonyme des artistes, peintres, sculpteurs, graveurs et autres. En général, les peintres n'avaient qu'un succès financier très limité et peu de leurs œuvres étaient acceptées dans les salons d'exposition de Paris. La société était donc importante pour établir leur solvabilité financière et leur indépendance créative. En 1874, ils ont organisé la première d'une série d'expositions dans le studio du photographe Félix Nadar. Ce n'est qu'après la troisième exposition, en 1877, qu'ils ont commencé à s'appeler les impressionnistes. Alors que leur première exposition n'a reçu qu'une attention limitée du public et que la plupart des huit expositions qu'ils ont organisées ont coûté de l'argent au lieu d'en rapporter au groupe, leurs expositions ultérieures ont attiré un vaste public, avec des milliers de spectateurs. Malgré cette attention, la plupart des membres du groupe ont vendu très peu d'œuvres, et certains d'entre eux sont restés incroyablement pauvres tout au long de cette période.

Un studio aux Batignolles (1870) d'Henri Fantin-Latour montre Édouard Manet en train de peindre, entouré de ses collègues artistes, dont Auguste Renoir, Claude Monet et Frédéric Bazille.

Le terme "impressionnisme"

Le mouvement doit son nom au critique français Louis Leroy, qui, dans sa critique hostile de la première grande exposition impressionniste de 1874, s'est emparé du titre du tableau de Claude Monet, Impression, soleil levant (1873). Leroy a accusé le groupe de ne peindre que des impressions. Les impressionnistes ont adopté ce surnom, bien que dans les décennies suivantes, ils se soient également qualifiés d'"indépendants", en référence aux principes subversifs de la Société des artistes indépendants, créée en 1884 par des peintres impressionnistes désireux de se détacher des conventions artistiques académiques. Bien que les styles pratiqués par les impressionnistes variaient considérablement (et en fait, tous les artistes n'acceptaient pas le titre de Leroy), ils étaient liés par un intérêt commun pour la représentation de la perception visuelle, basée sur des impressions optiques fugaces, et l'accent mis sur les moments éphémères de la vie moderne.

Le développement de la photographie

L'impressionnisme est redevable à la science de la photographie. Les origines de ce moyen de communication sont complexes et transcendent les frontières, mais un événement clé a été le dévoilement du daguerréotype par l'inventeur français Louis Daguerre, à Paris, en 1839. Daguerre avait mis au point une technologie permettant de transférer des images du monde sur une feuille de cuivre traitée avec de l'argent qui réagissait à la lumière. Cela permettait d'enregistrer une empreinte directe de la réalité sur une surface bidimensionnelle, un procédé qui a révolutionné la capacité à enregistrer visuellement le monde et sa propre vie. En 1849, 100 000 Parisiens par an se faisaient photographier.

L'influence de la photographie sur l'impressionnisme a peut-être été double. D'une part, elle a révolutionné la perception de ce qui était digne d'être recréé visuellement. La peinture académique en France s'était traditionnellement concentrée sur les sujets mythiques et historiques, ainsi que sur le portrait des dirigeants et des héros nationaux. Mais la photographie a permis à toutes sortes de personnes, de scènes, de bâtiments et de paysages d'être préservés sous forme d'images. Les scènes de café, les rues secondaires et les places animées des tableaux impressionnistes reflètent non seulement un monde urbain nouvellement vivant, mais aussi un nouveau sentiment que ce monde mérite d'être enregistré.

La Place de la Concorde d'Edgard Degas (1875), l'une des nombreuses peintures impressionnistes qui montrent l'influence de la photographie dans leur sujet et leur composition.

D'autre part, la photographie a enseigné aux peintres l'art de la composition spontanée, et le sentiment connexe qu'une image pouvait capturer un moment dans le temps ainsi qu'un emplacement dans l'espace. Une œuvre telle que la Place de la Concorde de Degas n'est pas tant une peinture d'une place publique de Paris qu'une peinture de cette place, ainsi que des personnes et des animaux qui la traversaient, à un moment donné. La disposition soigneusement désordonnée des corps en mouvement dans ce tableau et dans de nombreux autres tableaux impressionnistes n'a pu être apprise qu'en utilisant une technologie capable de figer et de transmettre visuellement une milliseconde de temps. Avant l'avènement de la science de la reproduction photographique, le sentiment de ce à quoi le monde pouvait ressembler dans cette condition temporelle spécifique était moins prononcé.

L'impressionnisme : Concepts, Styles, et Tendances

Peindre en plein air : Claude Monet

Claude Monet est peut-être le plus célèbre des impressionnistes. Il était réputé pour sa maîtrise de la lumière naturelle et peignait à différents moments de la journée pour tenter de saisir les conditions changeantes. Il avait tendance à créer des impressions spontanées de ses sujets, en utilisant des coups de pinceau très doux et des couleurs non mélangées pour générer un sentiment subtil de vibration, comme si la nature elle-même était vivante sur la toile. Il n'attendait pas que la peinture sèche pour appliquer des couches successives ; cette technique "mouillé sur mouillé" produisait des bords plus doux et des limites floues qui suggéraient des plans tridimensionnels plutôt que de les représenter de manière réaliste.

La technique de Monet consistant à peindre en plein air, connue sous le nom de peinture en plein air, était largement pratiquée par les impressionnistes. Héritée des peintres paysagistes de l'école de Barbizon, cette approche a conduit à des innovations dans la représentation de la lumière du soleil et du passage du temps, deux motifs centraux de la peinture impressionniste. Si Monet est considéré comme le principal artisan de la tradition de la peinture en plein air, Berthe Morisot, Camille Pissarro, John Singer Sargent, Alfred Sisley et bien d'autres ont également peint en plein air, dépeignant avec lucidité le caractère éphémère du monde naturel.

John Singer Sargent peint à l'extérieur ou en plein air, dans la tradition de l'école de Barbizon et de Claude Monet.

Les corps impressionnistes : Degas, Renoir et Cassatt

D'autres impressionnistes, comme Edgar Degas, étaient moins intéressés par la peinture en plein air et rejetaient l'idée que la peinture devait être un acte spontané. Considéré comme un dessinateur et un portraitiste très doué, Degas préférait les scènes de vie moderne en intérieur : des gens assis dans des cafés, des musiciens dans une fosse d'orchestre, des danseuses de ballet effectuant des tâches banales lors d'une répétition. Il avait également tendance à délimiter ses formes avec plus de clarté que Claude Monet et Camille Pissarro, en utilisant des lignes plus dures et des coups de pinceau plus épais.

D'autres artistes, tels que Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot et Mary Cassatt, se sont également concentrés sur la forme humaine et sur la psychologie de l'individu assis ou du protagoniste. Renoir, connu pour ses couleurs vibrantes et saturées, a dépeint les activités quotidiennes des personnages de son quartier de Montmartre, en particulier les passe-temps sociaux de la société parisienne. Si Renoir, comme Morisot et Cassatt, peignait également en plein air, il mettait l'accent sur la physionomie et les qualités émotionnelles de ses sujets plutôt que sur les conditions atmosphériques de la scène, utilisant la lumière et un pinceau lâche pour mettre en valeur la forme humaine.

Les femmes de l'impressionnisme

Alors que les impressionnistes masculins peignaient principalement des personnages dans le cadre public de la ville, Berthe Morisot se concentrait sur la vie privée des femmes dans la société de la fin du XIXe siècle. Première femme à exposer avec les impressionnistes, elle a créé des compositions riches qui mettent en évidence la sphère domestique et très personnelle de la société féminine, soulignant souvent le lien maternel entre la mère et l'enfant, comme dans Le berceau (1872). Avec Mary Cassatt, Eva Gonzalès et Marie Bracquemond, elle est considérée comme l'une des quatre figures féminines centrales du mouvement impressionniste.

Le bain de l'enfant (1893) de Mary Cassatt est un exemple des scènes domestiques intimes parfois représentées par les femmes impressionnistes.

Cassatt était une peintre américaine qui s'est installée à Paris en 1866 et a commencé à exposer avec les impressionnistes en 1879. Elle a dépeint la sphère privée du foyer mais a également représenté la femme dans les espaces publics de la ville nouvellement modernisée, comme dans son œuvre maîtresse À l'Opéra (1879). Ses tableaux présentent un certain nombre d'innovations, notamment l'aplatissement de l'espace tridimensionnel et l'application de couleurs vives, voire criardes, qui annoncent les développements ultérieurs de l'art moderne.

Paysages urbains impressionnistes

Comme le mouvement était profondément ancré dans la société parisienne, l'impressionnisme a été grandement influencé par la rénovation de la ville par le baron Georges-Eugène Haussmann dans les années 1860. Le projet urbain, également appelé "haussmannisation", visait à moderniser la ville et était principalement axé sur la construction de grands boulevards qui sont devenus des centres d'activité sociale publique. Cette reconstruction de la ville a également conduit à l'émergence de l'idée du flâneur : l'oisif ou le flâneur qui erre dans les espaces publics de la ville, observant la vie tout en restant détaché de la foule. Dans de nombreux tableaux impressionnistes, le détachement du flâneur est étroitement associé à la modernité et à l'éloignement de l'individu au sein de la métropole.

Le Boulevard des Capucines de Monet (1873-74), un paysage urbain impressionniste typique. Le cadrage en forme de portrait, inhabituel pour un paysage, met l'accent sur la vue à hauteur d'homme de la scène.

Ces thèmes de l'urbanité sont dépeints dans l'œuvre de Gustave Caillebotte, un des derniers adeptes du mouvement impressionniste, qui s'est concentré sur les vues panoramiques de la ville et la psychologie de ses citoyens. Bien que de style plus réaliste que les autres impressionnistes, les images de Caillebotte, telles que Paris, jour de pluie (1877), expriment la réaction de l'artiste à la nature changeante de la société, montrant un flaneur dans son manteau noir et son chapeau haut de forme caractéristiques déambulant dans l'espace ouvert du boulevard tout en regardant les passants. D'autres impressionnistes ont dépeint les qualités fugaces du mouvement et de la lumière dans la métropole, comme dans le Boulevard des Capucines de Monet (1873) et le Boulevard Montmarte, après-midi (1897) de Pissarro. De même, ces œuvres mettent l'accent sur la disposition géométrique de l'espace public en délimitant soigneusement les bâtiments, les arbres et les rues. En appliquant des coups de pinceau grossiers et des stries de couleur impressionnistes, les impressionnistes ont évoqué le rythme rapide de la vie moderne, facette centrale de la société urbaine de la fin du XIXe siècle.

Développements ultérieurs - Après l'impressionnisme

Bien que les impressionnistes se soient avérés être un groupe diversifié, ils se réunissaient régulièrement pour discuter de leur travail et exposer. Le groupe a collaboré à huit expositions entre 1874 et 1886, mais tout au long de cette période, le collectif s'est lentement effiloché. Nombre d'entre eux estimaient avoir maîtrisé les premiers styles expérimentaux qui leur avaient valu l'attention et souhaitaient explorer d'autres voies créatives. D'autres, inquiets de l'échec commercial continu de leurs œuvres, changent de cap stylistique dans l'espoir d'attirer de meilleures ventes ou un meilleur mécénat.

Le triomphe de l'impressionnisme

L'acceptation finale du mouvement impressionniste est en grande partie le fait de Paul Durand-Ruel, un marchand d'art français qui vivait à Londres. Monet a rencontré Durand-Ruel en 1871 et le galeriste a acheté des œuvres impressionnistes qu'il a exposées à Londres pendant de nombreuses années. Les ventes étaient maigres, mais à partir de la fin des années 1880, il a commencé à exposer des œuvres impressionnistes aux États-Unis, avec un succès croissant. Au cours des années suivantes, après avoir exposé à New York, Philadelphie et Chicago, Durand-Ruel a réussi à attirer un public d'acheteurs américains qui ont acheté plus d'œuvres impressionnistes que celles qui avaient été vendues en France. Les prix des œuvres impressionnistes s'envolent, au point que Monet devient millionnaire. En outre, l'impressionnisme est sur le point de devenir une orthodoxie académique, à tel point qu'un groupe entier de peintres américains se rend à la résidence de Monet à Giverny pour apprendre du chef de file du groupe.

Cézanne et le mouvement vers le post-impressionnisme

Entre-temps, les leçons du style ont été reprises par une nouvelle génération. Si Manet a comblé le fossé entre le réalisme et l'impressionnisme, Paul Cézanne est l'artiste qui a comblé le fossé entre l'impressionnisme et le post-impressionnisme. Cézanne a beaucoup appris de la technique impressionniste, mais il a développé un style plus réfléchi dans la manipulation de la peinture et, vers la fin de sa vie, il s'est intéressé de plus près à la structure des formes que ses larges coups de pinceau répétitifs décrivaient. Comme il l'a dit un jour, il souhaitait "refaire Poussin d'après nature et faire de l'impressionnisme quelque chose de solide et de durable comme les maîtres anciens". Cézanne souhaitait décomposer les objets en leurs constituants géométriques de base et dépeindre leurs éléments constitutifs essentiels. Ces expériences se révéleront finalement très influentes pour le développement du cubisme par Pablo Picasso et Georges Braque.

Les écoles et les peintres du post-impressionnisme

L'influence de l'impressionnisme était telle que ses jeunes disciples se sont séparés dans diverses directions, formant toute une série de groupes et d'écoles souvent éphémères. Cependant, le développement du post-impressionnisme est peut-être sous-tendu par une division essentielle. D'une part, il y avait des peintres et des écoles qui se concentraient sur l'utilisation de la couleur et du coup de pinceau pour représenter la vie mentale et émotionnelle du peintre plutôt que les pures impressions optiques véhiculées par des pionniers comme Monet. D'autre part, il y a ceux qui ont essayé de formaliser et d'affiner les techniques optiques qui sous-tendent le style impressionniste précoce.

Dans le premier camp se trouvent des groupes tels que les cloisonnistes, les synthétistes et les nabis, ainsi que des peintres individuels dont le style n'a jamais été entièrement lié à un groupe particulier, notamment Paul Gauguin et Vincent van Gogh. Le cloisonnisme est apparu à la fin des années 1880, et ses premières avancées sont souvent attribuées aux peintres Émile Bernard et Louis Anquetin. Leurs œuvres de cette période utilisent de grandes surfaces de couleurs vives séparées par d'épais contours sombres, ce qui fait que les différents blocs de couleurs rappellent les panneaux individuels ou "cloisonnés" des vitraux médiévaux. Les deux peintres ont passé du temps avec Van Gogh, ainsi qu'avec l'école de peinture de Pont-Aven, en Bretagne rurale, qui comptait parmi ses membres Paul Sérusier et, pendant un temps, Paul Gauguin. Sérusier, Bernard et Anquetin sont également associés au style du synthétisme, dont les techniques et les origines sont presque identiques à celles du cloisonnisme, sauf que le synthétisme est moins associé aux contours épais des œuvres cloisonnistes.

Les Femmes bretonnes dans la prairie (1888) d'Émile Bernard, une œuvre archétypale du cloisonnisme.

Parmi les œuvres les plus emblématiques associées au style cloisonniste-synthétiste, citons Vision après le sermon (1888) de Gauguin et Le Talisman (1888) de Sérusier, ce dernier étant devenu le point de départ de l'émergence du groupe Nabi, dont les œuvres combinaient les couleurs vives et émotives du cloisonnisme avec une nouvelle profondeur du symbolisme religieux et psychologique. À ce stade, l'histoire du post-impressionnisme commence à se croiser avec celle d'autres styles de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, comme le symbolisme et l'expressionnisme.

Les artistes associés au pointillisme, dont Georges Seurat et Paul Signac, se situent à l'extrémité la plus sobre et la plus scientifique des réponses à l'impressionnisme. Comme le note le critique Peter H. Feist, ces artistes étaient fortement investis dans les progrès de l'optique à la fin du XIXe siècle, en particulier la découverte - également importante pour les impressionnistes - que "les couleurs atteignent l'œil sous la forme de lumière de différentes longueurs d'onde, et sont mélangées dans l'œil pour établir la couleur qui correspond à l'objet vu". Par conséquent, "si un peintre juxtapose de petits points de couleurs primaires non mélangées de la bonne manière, l'œil les perçoit comme le ton de couleur souhaité lorsqu'il regarde à une certaine distance ; et ce ton apparaît plus clair que s'il avait été mélangé de manière conventionnelle, sur la palette ou la toile". L'œuvre la plus célèbre du pointillisme est Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte (1884-86) de Seurat. L'œuvre de Van Gogh, avec ses coups de pinceau proéminents et hypnotiquement répétitifs, peut en un sens être considérée comme une synthèse des qualités stylistiques prononcées du pointillisme et de l'attrait émotionnel intense de l'approche cloisonniste-synthetiste.

L'impressionnisme à travers le monde

Alors même que l'impressionnisme en France était dépassé par les progrès des post-impressionnistes, son héritage voyageait à travers les continents. Parmi les groupements impressionnistes internationaux les plus célèbres figure le mouvement impressionniste américain, associé non seulement à Cassatt mais aussi à des peintres tels que William Merritt Chase, qui a appliqué les techniques impressionnistes aux paysages et au milieu bourgeois et cosmopolite de la société américaine de la fin du XIXe siècle, Childe Hassam, célèbre pour ses scènes côtières et urbaines saisissantes, et Maurice Prendergast, qui a forgé un style post-impressionniste nord-américain distinctif. Parmi les autres écoles impressionnistes notables dans le monde anglophone, citons l'école impressionniste australienne, associée aux œuvres de Tom Roberts et Arthur Streeton, entre autres, et aux palettes de couleurs poussiéreuses du climat et du terrain des Antipodes.

Le Nocturne en noir et or (1875) de James Abbott McNeill Whistler, l'une des œuvres les plus frappantes de l'impressionnisme britannique.

Le mouvement impressionniste britannique de la fin du XIXe siècle a été particulièrement important. James Abbott McNeill Whistler, un Américain expatrié à Londres, a été le pionnier d'un style de peinture lâche et liquide qui, dans sa célèbre série des Nocturnes, a brillamment traduit l'obscurité et le charme de la nuit tombée sur la Tamise. Philip Wilson Steer, quant à lui, s'est associé au paysage marin impressionniste, en particulier avec des œuvres axées sur les paysages de Cornouailles et du sud-ouest de l'Angleterre, tandis que l'Écossais William McTaggart a produit des scènes marines plus orageuses, qui rappellent les paysages côtiers plus sauvages de son pays d'origine. D'autres écoles impressionnistes importantes ont vu le jour dans toute l'Europe, notamment en Allemagne, où Max Liebermann était l'une des figures de proue du mouvement, ainsi qu'en Hollande, en Belgique et au Danemark.

Le vingtième siècle

Même après la disparition des écoles post-impressionnistes, de nombreux artistes ont continué à se tourner vers l'impressionnisme. Par exemple, bien que le mouvement ne soit généralement pas considéré comme ayant eu un impact important sur l'expressionnisme abstrait, on peut trouver d'importantes similitudes dans les œuvres de ses artistes. Philip Guston a été décrit comme un "impressionniste américain" des temps modernes, et les qualités de surface, les suggestions de lumière et le traitement "all-over" de la forme dans l'œuvre de Jackson Pollock font tous référence à l'œuvre de Claude Monet.

Le mouvement Op Art des années 1960 est souvent considéré comme un développement radical de la logique sous-jacente de l'impressionnisme et du post-impressionnisme, avec son accent sur le soi-disant "œil réactif" (un terme inventé pour le titre d'une célèbre exposition Op Art à New York en 1964). Tout comme les impressionnistes avaient mis l'accent sur la différence entre la façon dont la couleur est perçue par l'œil et la façon dont elle est traitée par le cerveau, les artistes de l'Op Art, comme Bridget Riley, une adepte avouée de George Seurat, ont fondé leur œuvre de peintures abstraites visuellement éblouissantes sur le principe que des formes statiques peuvent être rendues comme étant en mouvement grâce à certains arrangements de lignes, de couleurs et de formes.

L'impressionnisme en musique et en littérature

Il est également important de se rappeler que, bien que l'impressionnisme soit un mouvement d'arts visuels, il a réagi et contribué à influencer une série d'autres médias et genres. Il s'agit notamment de la musique - comme dans les œuvres romantiques et rêveuses de Claude Debussy et Maurice Ravel - et, surtout, de la prose littéraire. L'écrivain français Émile Zola n'était pas seulement un défenseur passionné des peintres impressionnistes, mais il a apporté à son écriture une impulsion représentative très similaire à l'impressionnisme, en essayant de recréer la complexité de la perception et des sensations humaines à travers sa prose. En effet, ses romans ont été produits sur une période de temps qui coïncide presque exactement avec la durée de vie du mouvement impressionniste.

Alors que l'impressionniste cherchait à rendre l'aspect visuel d'une scène particulière à un moment donné, le style d'écriture développé par Zola, connu sous le nom de naturalisme, cherchait à rendre la façon dont le monde apparaissait mentalement et émotionnellement à un individu particulier. Dans son livre de 1886, Le chef-d'œuvre, Zola a même raconté la lutte du mouvement impressionniste sous forme allégorique. Le roman raconte l'histoire d'un jeune artiste basé à Paris qui lutte pour la reconnaissance et l'acceptation d'un nouveau style audacieux, mais qui est victime de la pauvreté et du désintérêt. L'histoire est racontée dans un style qui transpose la logique visuelle de l'impressionnisme dans le monde de la perception, de la pensée et des sentiments subjectifs.