Maniérisme

Les débuts du maniérisme

Le développement du maniérisme a commencé à Florence et à Rome vers 1520, reflétant une "tempête parfaite" de circonstances affectant le monde de l'art à l'époque. La gravure avait permis à l'imagerie populaire d'artistes tels que Michelangelo et Albrecht Dürer de s'infiltrer dans la conscience collective en Italie (et dans les pays du Nord), faisant des artistes des créateurs divins plutôt que de simples employés de riches mécènes et d'églises. En 1517, les Thèses de Wittenberg de Martin Luther, qui dénoncent les pratiques de l'église et appellent à la réforme, lancent la Réforme protestante. De ce fait, les idéalisations sereines et classiques de la beauté caractéristiques de la Haute Renaissance ne semblent plus tenables.

Dans le même temps, les jeunes artistes ont le sentiment que le style de Raphaël et de Leonardo est si parfait qu'aucun autre développement ou expression de leur individualité n'est possible.

En outre, les découvertes scientifiques, notamment la découverte du Nouveau Monde, et Copernic, qui a établi que le soleil, et non la terre comme on le croyait généralement, était le centre du système solaire, ont remis en question la croyance humaniste selon laquelle l'homme était le centre de l'univers.

Cela a provoqué un sentiment d'aliénation et de déconnexion qui a été transmis dans les traitements maniéristes, car même les personnages réagissant avec une émotion intense semblaient isolés les uns des autres. Plutôt que de créer des compositions harmonieuses décrivant un espace réaliste, les artistes ont commencé à explorer la possibilité de situer l'image dans un espace intellectuel. En conséquence, le traitement de l'espace et de la figure devient moins rationnel, comprimant un certain nombre de figures dans un plan aplati, créant des cadres architecturaux bizarres ou complexes, le cadre et l'image se confondant en un seul effet décoratif.

Laocoön et ses fils

Un important précurseur du maniérisme a été l'influence de la statue romaine classique Laocoön et ses fils (40-30 avant J.-C.), retrouvée à Rome en 1506 lors d'importantes reconstructions. La statue représente de façon dramatique le moment où les dieux ont envoyé des serpents géants pour tuer le prophète et ses deux fils qui avaient tenté de mettre en garde leurs compatriotes troyens contre l'introduction du cheval de bois grec dans la ville. La statue offrait un nouveau regard sur l'art classique, incarnant le style hellénistique qui mettait l'accent sur le mouvement dramatique et l'émotion intense, plutôt que sur l'harmonie idéalisée précédemment associée aux Grecs et aux Romains. On pense que la serpentinata figurative, ou "figure serpentine", qui est devenue un élément notable du maniérisme, a été tirée des formes en lutte de ce chef-d'œuvre.

Laocoön et ses fils (40-30 av. J.-C.) a été un modèle précoce pour les traitements maniéristes.

 

Laocoön et ses fils a attiré l'attention des principaux artistes et mécènes de la Renaissance. Le pape Jules II, le plus puissant mécène de l'époque et collectionneur notoire d'œuvres classiques, envoie Michelangelo superviser la récupération de la statue. L'influence du Laocoön sur l'artiste se manifeste aussi bien dans ses sculptures, comme l'Esclave mourant (1513-1516), que dans sa peinture de diverses figures du plafond de la chapelle Sixtine (1508-1512), alors qu'il se tourne vers un traitement maniériste. Le Laocoön a également influencé d'autres artistes de la Haute Renaissance, puisque Raphaël a utilisé le visage du Laocoön dans sa fresque du Parnasse (1509-1511) et que Titien s'est fait l'écho des figures en lutte dans son polyptyque Averoldi (1520-1522).

Rosso Fiorentino et Jacopo da Pontormo

Deux artistes florentins, Giovanni Battista di Jacopo, connu sous le nom de Rosso Fiorentino ou Il Rosso, et Jacopo da Pontormo ont été les pionniers du maniérisme. Tous deux ont été formés dans l'atelier d'Andrea del Sarto, qui a utilisé les principes de la Haute Renaissance tout en adoptant une palette de couleurs de plus en plus vives et une grande variété de poses figuratives. Ses adaptations ont influencé le développement par Pontormo et Rosso d'un style artistique qui rejetait le traitement classique de l'espace et de la figure humaine.

La Sibylle libyenne (1508-1512) de Michel-Ange, au plafond de la chapelle Sixtine, est un exemple précoce des membres étendus et de la figure serpentine qui ont également influencé le développement du maniérisme.

 

En outre, Michel-Ange et Albrecht Dürer ont tous deux influencé Pontormo. Pontormo a trouvé que l'accent mis par Dürer sur l'émotion intense tout en employant un champ de figures surchargé était sympathique à ses propres objectifs artistiques.

La Sainte Famille avec le jeune saint Jean-Baptiste (1528) d'Andrea del Sarto montre la variété des poses et des juxtapositions figuratives qui ont influencé le développement du maniérisme.

 

Pontormo se rendit également à Rome pour étudier les œuvres de Michel-Ange, ce qui influença l'accent mis par son propre style sur le mouvement dynamique. En 1515, il avait commencé à développer son style maniériste, comme en témoigne son Joseph en Égypte (1515-1518), qui crée un espace complexe mais non naturaliste, où des foules vêtues de robes colorées tourbillonnantes se déplacent, leurs figures ayant des poses et des proportions exagérées. Pontormo, qui était également un professeur réputé, est devenu le mentor de Bronzino, le principal maniériste de la génération suivante.

Le Joseph en Égypte de Pontormo (1515-1518) montre que l'artiste développe son idiome maniériste, puisqu'il juxtapose plusieurs récits dans un cadre irréaliste, comme en témoigne notamment l'escalier en courbe qui semble s'élever dans les airs.

 

 La première œuvre remarquable de Rosso, Déposition (1521), montre également une rupture radicale avec les proportions et l'harmonie de la Renaissance en faveur d'un traitement maniériste de l'espace pictural et de la figure humaine. Lors de son installation à Rome, il est encore plus influencé par le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange (1508-1512), où les fresques et les figures peintes sur les frontons environnants se combinent pour créer un effet singulier. Rosso a ensuite dirigé la première école de Fontainebleau, qui a influencé le développement du maniérisme du Nord.

La Déposition (1521) de Rosso Fiorentino met l'accent sur le mouvement frénétique et l'intensité des sentiments lors de la descente du Christ de la croix.

 

Le haut maniérisme

Le haut maniérisme a souvent été décrit comme un style de cour, ses œuvres étant produites principalement pour les puissants souverains de l'époque et reflétant leurs styles de vie et leurs attitudes aristocratiques. Les œuvres de Giambologna illustrent le haut maniérisme en sculpture, tandis que les œuvres d'Agnolo di Cosimo di Mariano, connu simplement sous le nom de Bronzino, illustrent le style en peinture. L'exécution raffinée de Bronzino, sa sophistication intellectuelle et son traitement figuratif qui mettait l'accent sur les membres allongés et un sentiment de détachement froid personnifiait la cour des Médicis. En 1539, Bronzino est chargé par Cosimo Ier de Médicis de concevoir les somptueuses décorations du mariage du duc avec Eleanora di Toledo. Par la suite, il devient le peintre officiel de la cour de Cosimo Ier, poste qu'il occupera jusqu'à la fin de sa vie. Il devient l'un des principaux portraitistes de l'aristocratie, comme en témoigne son Portrait de Lucrezia Panciatichi (vers 1545), mais il est peut-être plus célèbre pour son traitement glacial et complexe de sujets érotiques allégoriques, comme dans Vénus, Cupidon, la Folie et le Temps (vers 1545).

Le Portrait d'un jeune homme de Bronzino (vers 1530) est censé représenter un jeune homme aristocratique qui faisait partie du cercle littéraire de Bronzino.

 

Bien que né en Flandre, Giambologna étudie à Rome où il considère également Michel-Ange comme une grande influence. En 1563, il est nommé à l'Accademia delle Arti del Disegno, que Cosimo Ier venait de fonder à Florence, et devient un artiste officiel de la cour des Médicis. Il lui est même interdit de quitter Florence, car les Médicis craignent qu'il ne soit attiré par un autre mécène de la cour. Travaillant le marbre, Giambologna créa des œuvres remarquables comme Samson terrassant un philistin (1562), qui étaient censées transmettre un message politique soulignant le pouvoir des Médicis. Il est devenu tout aussi célèbre pour ses bronzes, dont la plupart reproduisent ses œuvres plus grandes, qui étaient recherchées dans toute l'Europe.

Le Mercure de Giambologna (1588) est devenu l'œuvre la plus populaire et la plus reproduite de l'artiste.

 

Le maniérisme : Concepts, styles et tendances

Bien que le maniérisme se soit distingué par un style typiquement courtisan, il a également été largement adapté par les artistes de différents lieux géographiques aux sujets et motifs traditionnels d'une région particulière. Identifié par le terme général de maniérisme du Nord, il comprenait les centres réputés de l'école de Fontainebleau en France, la peinture de cour élisabéthaine et jacobéenne en Angleterre, la cour de l'empereur romain germanique Rodolphe II à Prague et les villes néerlandaises d'Anvers et d'Utrecht.

La France : L'école de Fontainebleau (1530-1630)

En 1530, le roi de France, François Ier, mécène avide d'art et passionné par la Renaissance italienne, invite Rosso Fiorentino à la cour de France. Saisissant l'occasion après avoir tout perdu lors du sac de Rome en 1527, Rosso s'installe à Fontainebleau où il résidera pour le reste de sa vie. Il devient le chef de file de la première école de Fontainebleau en 1530 et développe un style de cour distinctif. Le maniérisme français était connu pour ses intérieurs où peintures, meubles, éléments décoratifs et architecturaux créent une unité hautement stylisée. Rosso a été le premier à utiliser de grands reliefs en stuc pour encadrer des peintures. Ils portaient souvent des images de nymphes nues ou de grappes de fruits et ont influencé l'utilisation de l'ornementation dans toute l'Europe. Dans le même temps, ses peintures ont été largement copiées et ont influencé d'autres artistes français.

L'Éléphant (vers 1536) de Rosso Fiorentino, au château de Fontainebleau, est un exemple de ce type de relief en stuc, avec son travail de sangle qui mêle le cadre aux chérubins nus et au dragon d'or du tableau inséré.

 

En peinture, le mécénat de François Ier a conduit à mettre l'accent sur les sujets mythologiques et allégoriques à thème érotique. Rosso a mené ce développement aux côtés des maniéristes italiens Francesco Primaticcio et Niccolò dell'Abbate, qui ont été invités à la cour dans les années 1540. Dell'Abbate est particulièrement connu pour ses peintures mythologiques, comme le Viol de Proserpine (1552-1570), qui combinent les genres du nu et du paysage popularisés par l'école vénitienne. Primaticcio a créé des tapisseries sur des sujets similaires, ainsi que de nombreuses productions théâtrales et cérémonielles pour la cour, bien qu'une grande partie de ce travail ait été perdue. Certains motifs, comme les représentations de la déesse romaine Diane, personnifient l'amour du roi français pour la beauté féminine idéale et deviennent si standardisés qu'ils sont largement produits par les nombreux artistes anonymes de l'École.

Ce tableau de Diane chasseresse (1550-1560) de l'école de Fontainebleau illustre l'idéal érotique maniériste français.

 

François Ier a également commandé un certain nombre d'œuvres remarquables, dont la plus célèbre est la Cellule à sel de Benvenuto Cellini (1543). À l'origine, l'œuvre avait été commandée par le cardinal Ippolito d'Este, qui a décliné le projet mais a présenté le modèle à François Ier. Le roi a été si impressionné qu'il a ordonné que l'œuvre soit réalisée en or. Ce traitement artistique novateur d'un objet ménager courant représentait une déesse représentant la terre et un dieu représentant la mer, les jambes entrelacées. Il illustre la richesse, le pouvoir et le style de vie hédoniste de la cour.

La salière de Benvenuto Cellini (1543) a été qualifiée de "chef-d'œuvre de la sculpture maniériste", mais elle illustre également le style décoratif somptueux de la cour française.

 

Comme l'École était également connue pour ses travaux de gravure, la plupart de ses œuvres et de ses dessins ont été diffusés dans des estampes qui ont atteint un large public dans toute l'Europe. En conséquence, des artistes français comme Jean Cousin l'Ancien et des sculpteurs comme Germain Pilon ont adopté le style maniériste, ainsi que la deuxième école de Fontainebleau, qui a suivi la mort de Rosso et de Primaticcio, et qui était dirigée par le Français Toussaint Dubreuil et le Flamand Ambroise Dubois.

La Dispute entre Neptune et Athéna (1540-1545) d'Antonio Fantuzzi est une gravure de la composition originale de Rosso Fiorentino.

 

 

Peinture de cour élisabéthaine et jacobéenne (1558-1625)

Le maniérisme français a également influencé la peinture de la cour britannique pendant les règnes de la reine Elizabeth I et de son successeur James I, principalement en mettant l'accent sur l'élégance et la stylisation des portraits. Certains portraitistes se sont spécialisés dans les portraits miniatures, un genre de souvenirs intimes, comme Nicholas Hilliard dans son Portrait d'un jeune homme, probablement Robert Devereux (1566-1601), deuxième comte d'Essex (1588), représentant un favori particulier de la reine. D'autres artistes, comme Robert Peake l'Ancien et Marcus Gheeaerts le Jeune, étaient connus pour leurs portraits à grande échelle, comme le montre le portrait de la reine Elizabeth I, le portrait de Ditchley (vers 1592) du Flamand Gheeraerts le Jeune.

Le Portrait d'un jeune homme, probablement Robert Devereux (1566-1601), deuxième comte d'Essex (1588) de Nicholas Hilliard a probablement été peint pour la reine Elizabeth I à l'époque où elle était éprise du comte d'Essex.

 

Prague et Rodolphe II (1576-1612)

Le mécénat de l'empereur romain germanique Rodolphe II a été décrit par l'historien de l'art Martin Bull comme "une explosion d'images mythologiques... qui n'avait pas été vue depuis Fontainebleau". Rodolphe était particulièrement intéressé par les scènes mythologiques de nudité et les représentations d'Hercule, auquel il s'identifiait. Le style de la cour qui s'est développé à Prague a permis à la fois de faire de la propagande pour l'empereur et, en représentant des sujets mythologiques, d'éviter la controverse entourant l'imagerie religieuse. Un certain nombre d'artistes de renom ont travaillé sur commande pour la cour, notamment Giambologna à Florence et Paolo Veronese à Venise. Rudolf est le mécène d'autres grands artistes de l'époque, dont Hans von Aachen, Giuseppe Arcimboldo, Roelandt Savery, Adrian de Vries et Aegidius Sadeler. La collection et l'influence de Rudolf devinrent si importantes que le terme "maniérisme rudolfien" fut créé pour décrire le style qu'il privilégiait.

Vertumnus, dieu romain des saisons (1590-1591) de Giuseppe Arcimboldo est un portrait de Rodolphe II en dieu romain.

 

À Prague, le peintre de la cour Bartholomeus Spranger est le chef de file du maniérisme. Sa formation reflète le caractère véritablement international du maniérisme de cour, puisqu'il est né et a d'abord été formé à Anvers, mais qu'il a ensuite été largement influencé par l'Europe du Nord et la Renaissance italienne, et en particulier par les maniéristes romains. Ses grands tableaux étaient souvent des scènes mythologiques, combinant un traitement paillard du nu avec une facilité artistique qui mettait l'accent sur des effets décoratifs somptueux. Des reproductions de ses œuvres ont été diffusées dans toute l'Europe et ont eu un impact notable sur le développement du maniérisme aux Pays-Bas.

Hercule, Deianira et Nessus (1580-85) de Bartholomeus Spranger représente Hercule tenant sa femme Deinaira dans ses bras après avoir combattu et tué Nessus, le centaure qui avait tenté de la violer.

 

Le maniérisme aux Pays-Bas (années 1580-1620)

Le maniérisme aux Pays-Bas a été influencé par la tradition nord-européenne de la gravure, dont Hendrick Goltz est devenu l'un des principaux acteurs. Il a innové de nouvelles techniques de gravure, notamment la méthode du "point et du losange". Cette méthode était innovante en raison de son processus qui consiste pour l'artiste à placer des points dans une grille d'espaces dans un losange (ou récipient destiné à contenir une forme familière comme un muscle du corps ou un être en cours d'animation), censé contenir une image, et à laisser délibérément des points en dehors d'autres zones de la grille, ce qui rendait possible des gradations de tons plus fines. Une autre technique de Goltz était la "ligne gonflante", où l'artiste créait des lignes de largeur variable avec son burin, un outil de gravure, pour manipuler la perception finale de la profondeur par le spectateur. Il a créé des centaines d'estampes, certaines des plus remarquables illustrant des sujets mythologiques et allégoriques, comme son Icare (1588), et également un certain nombre d'estampes d'après les dessins ou les peintures de Bartholomeus Spranger. Spranger a également influencé Goltzius van Mander, Cornelis van Haarlem et le groupe d'artistes connu sous le nom de Maniéristes de Haarlem.

L'Icare (1588) d'Hendrick Goltzius, issu d'une série intitulée Les quatre disgracieux, est représentatif de l'émotivité exagérée prêtée par les maniéristes à leurs sujets.

 

D'autres artistes néerlandais ont été principalement influencés par les maniéristes italiens, comme en témoignent les œuvres de Joachim Wtewael, après son séjour en Italie dans les années 1580. Il a combiné des sujets mythologiques avec l'accent traditionnel de l'Europe du Nord sur le paysage et les détails symboliques. Son approche est devenue la principale tendance parmi les artistes d'Utrecht, notamment dans les œuvres d'Abraham Bloemaert.

Persée et Andromède (1616) de Joachim Wtewael représente Andromède à gauche, tandis que Persée descend sur Pégase au-dessus du monstre marin à droite.

 

En outre, les artistes des Pays-Bas ont également adapté le style maniériste aux sujets traditionnels d'Europe du Nord lorsque Mattijs, Paul Bril, Hans Rottenhammer et Adam Elsheimer se sont fait remarquer pour leurs panoramas de paysages. D'autres artistes comme Albrecht Altdorfer et Gillis van Coninxloo ont peint ce qu'ils appelaient des "paysages purs", représentant généralement une forêt dense en gros plan. Cette approche a influencé des artistes ultérieurs comme Roelandt Savery, élève d'Altdorfer, dont la Forêt aux cerfs (1608-1610) est presque moderne dans son effet expressionniste.

Roelandt Savery, Forêt avec cerfs, (1608-10)

 

Architecture

Les deux architectes maniéristes les plus célèbres sont Michel-Ange et Giulio Romano. Le projet le plus célèbre de Michel-Ange est la bibliothèque Laurentienne (1523-1568), qu'il a commencée en 1523 après avoir reçu une commande du pape Clément VII, membre de la famille Médicis. Le vestibule de la bibliothèque était centré sur l'escalier qui combinait radicalement des formes elliptiques pour les trois marches inférieures, des formes quadrangulaires pour la marche extérieure et des formes convexes pour les marches centrales afin de créer un mouvement vertical dynamique vers la salle de lecture supérieure. L'effet maniériste est encore accentué par des motifs décoratifs en forme de vagues sous les paires de colonnes ascendantes. En outre, le développement par Michel-Ange de "l'ordre colossal" ou "ordre géant", qui utilise des pilastres s'étendant sur deux étages ou plus, a également eu une influence, comme en témoigne son projet pour le Palazzo dei Conservatori (milieu du XVIe siècle).

Le vestibule de Michel-Ange pour la Bibliothèque Laurentienne (1523-1528) utilise des figures architecturales variées pour créer un sentiment de dynamisme visuel.

 

Le Palazzo del Te (1524-1534) de Giulio Romano est un tour de force de l'architecture maniériste qui le rendit célèbre. Federico Gonzaga, qui envisageait une sorte de palais de plaisance, a commandé ce projet pour son domaine familial où il élevait des chevaux. Bloc carré avec une cour centrale, le Palazzo del Te utilise des fausses portes et fenêtres, des juxtapositions dramatiques, comme on peut le voir sur les quatre façades différentes de la cour intérieure, et les fresques de l'artiste. Une salle était consacrée à des scènes mythologiques érotiques, une autre à des représentations grandeur nature des chevaux de Gonzague, et la troisième, la célèbre Sala dei Giganti, montrait des géants tentant de conquérir le mont Olympe dans une scène peinte du sol au plafond en trompe-l'œil. Comme l'ont écrit les historiens de l'art Marvin Trachtenberg et Isabelle Hyman, "l'imagination étrange et chimérique de Giulio s'est déchaînée de façon spectaculaire dans ses fresques illusionnistes... mais l'architecture, elle aussi, est remplie d'effets compliqués et inattendus".

La Sala dei Giganti (1532-34) de Giulio Romano associe la peinture à fresque à l'architecture. Le sol est légèrement incliné vers le bas afin de créer un effet de déséquilibre et de catastrophe.

 

Développements ultérieurs - Après le maniérisme

Le maniérisme a commencé à décliner vers 1600, lorsque le célèbre artiste Caravage, surnommé "le père du baroque", a été le premier à adopter une approche révolutionnaire combinant le clair-obscur et le ténébrisme, deux techniques mettant l'accent sur le jeu de l'ombre et de la lumière, avec un nouveau réalisme dans les scènes dramatiques. En 1620, la période baroque domine, bien que l'accent mis par ce mouvement sur l'action dramatique et les scènes intensément émotionnelles puisse être considéré comme une évolution des traitements maniéristes. Dans les arts décoratifs, l'influence maniériste se poursuivra jusqu'au milieu du XVIe siècle, notamment dans les cours d'Europe.

Les maniéristes ont influencé la génération suivante d'artistes, puisque les élèves de Giambologna, Adriaen de Vries, Pietro Puget et Pietro Francavilla, ont continué à promouvoir son style en Europe du Nord. Plus important encore, les œuvres de Giambologna ont eu une influence notable sur  Bernin et Alessandro Algari, les principaux sculpteurs de l'ère baroque. L'œuvre de Cellini a influencé Antonio Canova, Feodosy Fyodorovich Shchedrin et, au XXe siècle, Salvador Dalí. Mais, en général, le maniérisme est tombé en disgrâce, tout comme nombre de ses artistes de premier plan, au cours des siècles suivants et a été généralement considéré comme une période de déclin et de décadence après la Haute Renaissance.

Généralement oublié (sauf en Espagne), El Greco, artiste espagnol de la Renaissance et du maniérisme, a été redécouvert dans les années 1800 par des artistes français tels qu'Eugène Delacroix et Édouard Manet. Paul Cézanne est allé plus loin en peignant sa propre version de la Dame à la fourrure du Greco (1882). Son œuvre a ensuite exercé une influence majeure sur Pablo Picasso et le développement du cubisme, ainsi que sur le développement de l'expressionnisme dans les œuvres de Beckmann, Macke, Kokoschka, Hofer, Steinhardt et Korteweg. Il a également influencé Soutine et Chagall, ainsi que les surréalistes Masson et Domínguez. Les célèbres artistes espagnols Ignacio Zuloaga, Santiago Rusiñol et Joaquín Sorolla se sont inspirés de son travail, tout comme les artistes mexicains Rivera et Orozco. Aux États-Unis, Thomas Hart Benton, Jackson Pollock et Roberto Matta ont fait référence à son travail.

L'œuvre de Bronzino a également été "redécouverte" par le néoclassique Jacques-Louis David, puis par des artistes du XXe siècle tels que Picasso, Matisse, de Chirico et Frida Kahlo. Les écrivains de renom Marcel Proust, William Somerset Maugham et Iris Murdoch ont fait référence à son travail. Son œuvre a séduit de nombreux artistes contemporains, du manga From Eroica with Love (1976-2010) de Yasuko Aoike au film Seven Beauties (1975) de Lina Wertmüller, en passant par la série de portraits 1503 (2010) du photographe Christian Tagliavini.

L'architecture maniériste a influencé l'architecture baroque et, par la suite, le mouvement néo-palladien et l'architecture des Beaux-Arts. Le style a également influencé le célèbre architecte du XXe siècle Robert Venturi, qui a fait revivre le terme en écrivant : "Le maniérisme pour l'architecture de notre époque qui... brise l'ordre conventionnel pour s'adapter à la complexité et à la contradiction." L'importance et l'évaluation continue du maniérisme à travers un prisme contemporain se poursuivent, comme en témoignent la vision multimédia de l'œuvre de Paolo Veronese présentée par Peter Greenaway en 2009 et l'exposition majeure de l'œuvre de Jacopo Bassano en 2010.