CARACTÉRISTIQUES DE LA SCULPTURE

En plus d’être le plus durable forme d’art, la sculpture est certainement la plus influente. Historiquement, presque tous les rois, papes et tyrans ont reconnu l’effet de propagande de la sculpture inspirationnelle.

Portrait distribué des empereurs romains, bustes d’eux-mêmes à chaque coin de rue de leur empire; l’Église romaine décorés leurs cathédrales, abbayes et les églises avec des dizaines de milliers de statues et de sculptures en relief transmettant le message de la Bible.

Pharaons, rois et empereurs de l’Egypte antique, Perse, Grèce et le monde moderne, ont investi des fortunes en sculpture monumentale pour commémorer le succès au combat.

Tyrans modernes, de Staline à Saddam Hussein, ont érigés statues comme monuments à leur glorieux règne.Bien sûr, rien ne se compare au message qu'inspire la Statue de la Liberté, probablement l'œuvre propagandiste Nº1 de sculpture.En plus d’avoir un énorme récit contenu capable de promouvoir un message spécifique, la sculpture est également un métier difficile dont les créateurs dépendent fortement des outils et technologie. Dès le début des cultures-outils de l’ère paléolithique ,le progrès sculptural a été marqué par la découverte de nouveaux matériaux et équipements . Étonnamment, a la naissance du Christ, la plupart du sculpteur , méthodes et techniques traditionnelles avait déjà été découvert ,y compris le bronzage et le orfèvrerie raffinée pratiquée par les tribus nomades.Quoi qu’il en soit, pour toutes ces raisons ,l’histoire de la sculpture est étroitement liés à la politique, la technologie et la prospérité financière de la société.Par-dessus tout, son histoire est inextricablement liés à l’architecture, le parent art dont les structures forment une telle maison importante pour la décoration œuvres sculpturales. Chaque grand mouvement architectural a été accompagné d’une forte demande pour sculptures de toutes sortes.

 

Introduction

Tout récit chronologique des origines et de l’évolution de l’art tridimensionnel devrait occuper plusieurs volumes, sinon toute une bibliothèque de livres. La comprimer en une seule page signifie que la plupart de l’histoire est inévitablement omise. Même si, c’est encore une grande histoire! De la Préhistoire, en passant par l’Antiquité classique, l’ère gothique, la Renaissance au 21ème siècle, l’histoire de la sculpture est remplie d’artistes extraordinaires - tristement anonymes - dont l’expressivité visuelle reste avec nous sous la forme de magnifiques statues de marbre, les reliefs de pierre et les bronzes immortels.

Même aujourd’hui, visitez n’importe quelle cathédrale, ou n’importe quelle des grandes villes, places ou bâtiments du monde, et vous êtes certain de voir de grands exemples de l’art 3D.

Chronologie de la sculpture d’art

Sculpture préhistorique

La sculpture commence à l’âge de pierre. Exactement quand, nous ne savons pas. Les premiers exemples connus sont les deux effigies de pierre primitives connues comme La Vénus de Berekhat Ram et La Vénus de Tan-Tan. La Vénus de Berekhat Ram (datant de 230.000 avant J.C ) est une figurine basaltique fabriquée pendant la période acheuléenne, qui a été découverte sur le plateau du Golan. La Vénus de Tan-Tan (environ 200000 av J.C ) est une figurine en quartzite de la même période.

Si ces objets sont des formes pré-sculpturales, la première sculpture préhistorique proprement dite a émergé autour de 35.000 av J.C sous forme de sculptures d’animaux, d’oiseaux, et de figures thérianthropes, faites au cours de la période Périgordien Inférieur/Aurignacien et découvertes dans les grottes de Vogelherd, Hohle Fels et Hohlenstein-Stadel, dans le Jura souabe, en Allemagne. La première sculpture figurative est la sculpture en ivoire connue sous le nom d’Homme Lion de Hohlenstein Stadel (38000 avant notre ère).

Un autre type de sculpture ancienne de l’âge de pierre sont les figurines obèses miniatures appelées Venus : comme les Venus de Willendorf, Kostienki, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy, et Gagarino. Faites de matériaux aussi variés que l’os de mammouth, l’argile céramique et la cendre osseuse, ainsi que de divers types de pierres comme la stéatite, le calcaire oolithique, la serpentine et la roche volcanique, ces figures de vénus ont été localisées dans des sites à travers l’Europe, de la Russie à l’Espagne. Les anthropologues croient qu’ils peuvent avoir été utilisés dans les rituels de fertilité, bien que pourquoi les femmes obèses devraient être si emblématiques reste un mystère. (Le manque de nourriture? ).

Sculpture mésolithique (environ 10 000 à 4 000 Avant notre ère)

L’art mésolithique a vu davantage de bas-reliefs et de sculptures autoportantes comme les figurines anthropomorphes découvertes à Nevali Cori et Gobekli Tepe près d’Urfa dans l’est de la Turquie, et les statues de Lepenski Vir (par exemple Le dieu des poissons) en Serbie. Il a également été témoin de la création de la Seghir Idol (7500 avant notre ère) - la plus ancienne sculpture sur bois au monde - trouvée près de Sverdlovsk en Russie. Sans doute la plus grande œuvre d’art mésolithique est la sculpture en terre cuite de Roumanie, connue sous le nom du Penseur de Cernavoda, une image indubitable de la pensée cognitive.

Sculpture néolithique (environ 4000-2000 avant notre ère )

L’art néolithique est surtout connu pour sa poterie, mais il a également présenté des sculptures indépendantes et des statuettes en bronze - en particulier de la civilisation de la vallée de l’Indus, du Caucase du Nord et de l’art précolombien dans les Amériques. La forme la plus spectaculaire de l’art néolithique était l’architecture pyramidale égyptienne dont les chambres funéraires ont conduit à une demande accrue pour divers types de reliefs ainsi que des statues et des statuettes portables. En effet, l’avènement de l’âge du bronze En Europe : 3000-1200 av J.C ainsi que l’émergence des villes et des bâtiments publics, et le développement d’outils plus sophistiqués, ont déclenché une augmentation générale de la demande pour tous les types d’art, y compris la sculpture. Voir, par exemple, sculpture mésopotamienne (3000-500). C’est à cette époque que l’art a commencé à jouer un rôle important en reflétant les aspirations de puissants dirigeants et les divinités qu’ils adoraient. Bref, les communautés prospères et ambitieuses étaient bonnes pour la sculpture.

Sculpture de la Méditerranée orientale (vers 2000-1100 avant notre ère)

Après la floraison de l’architecture et d’autres arts en Egypte, le Levant a également été témoin de la montée de la culture minoenne sur l’île de Crète, qui a été notée pour sa sculpture et travail du métal. Après une catastrophe inconnue (probablement un tremblement de terre) vers 1500 avant notre ère , la civilisation minoenne s’est effondrée, et la Crète a été conquise par les Mycènes du continent grec, qui ont été eux-mêmes surmontés et la ville de Mycènes détruite autour 1100 avant notre ère .

Sculpture d’Extrême-Orient (vers 1700 avant J.C - 1150 )

L’art chinois sous la dynastie Shang (1600-1050 env.) s’est développé selon des lignes très différentes des variétés occidentales. Pour la plus belle sculpture en bronze produite en Chine durant cette période, voir : Sanxingdui Bronzes (1200-1000 av J.C). Des exemples célèbres de sculptures indiennes et d’Asie du Sud-Est comprennent les reliefs extraordinaires du temple hindou Kandariya Mahadeva du XIe siècle (1017-1019) dans le Madhya Pradesh, en Inde ; et le temple khmer Angkor Wat du XIIe siècle (1115-1115) au Cambodge.

Sculpture de l’Antiquité classique (vers 1100-100 avant notre ère)

En raison de la stagnation culturelle du grec "Dark Ages" (1100-900 av J.C) et la prédominance de la poterie pendant la période géométrique (900-700 av J.C), la sculpture grecque n’a pas vraiment apparu jusqu’à la période de Daedalic ou de style oriental autour de 650 av J.C. Par la suite, il a développé selon la chronologie traditionnelle de l’art grec pendant l’antiquité classique, comme suit : Période archaïque (c.650-500 av J.C); Période classique (c.500-323 BCE); et la période hellénistique (c.323-100 av J.C).

Sculpture grecque archaïque (c.600-500 av J.C)

La période archaïque était une période d’expérimentation lente mais continue; la forme la plus prisée de la sculpture grecque archaïque était le kouros (pl.kouroi), ou nu masculin debout.

Sculpture grecque classique (c.500-323 av J.C)

Divisé en la première période classique, la haute période classique et la fin de la période classique, ce fut le point culminant de la créativité grecque. Dans les arts plastiques, des sculpteurs célèbres comme Polykleitos (5ème siècle avant JC), Myron (Active entre 480-444 avant JC), et Phidias (c.488-431 avant JC) (voir son travail au Parthénon) atteint un niveau de réalisme - développé par des artistes ultérieurs tels que Callimachus (Active 432-408 avant JC), Skopas (Active 395-350 avant JC), Lysippos (c.395-305 avant JC), Praxiteles (Active 375-335 avant JC), et Leochares (Active 340-320 avant JC) - qui resterait inégalée jusqu’à la Renaissance italienne.

Sculpture grecque hellénistique (c.323-27 avant JC)

Pendant cette période (caractérisée par la diffusion de la culture grecque dans le monde civilisé), le réalisme classique a été remplacé par un plus grand héroïsme et expressionnisme. Parmi les œuvres célèbres de la sculpture grecque hellénistique figurent : Gaule mourante d’Epigone ; Victoire ailée de Samothrace ; Laocoon et ses fils de Hagesandros, Polydorus et Athenodorus (42-20 avant JC) et la Vénus de Milo. Pour les plus grands reliefs hellénistiques, voir : Autel de Pergame de Zeus (166-56 avant JC).

Malgré la disparition politique et militaire des cités grecques à partir d’environ 200 ans avant notre ère, et la montée de Rome qui s’ensuivit, la sculpture grecque conserva son statut de plus belle œuvre jamais réalisée. Même les Romains n’ont pas réussi à surmonter leur sentiment d’infériorité face à l’art grec, bien qu’ils étaient assez mignons pour copier autant d’œuvres grecques que possible, et c’est en grande partie grâce à ces copies que l’art de la sculpture grecque est connu. L’influence réelle des statues et des reliefs hellénistiques s’est produite 1600-1700 ans plus tard, quand elle a été "redécouverte" par les artistes de la Renaissance primitive en Italie, après quoi elle a formé la pierre angulaire de l’art européen pour les quatre siècles suivants. Bref, les Grecs obtiennent le maximum de points.

Sculpture celtique en métal (400-100 avant JC)

N’oublions pas les Celtes - une série de tribus nomades qui ont émergé du Caucase autour de 800 avant JC, et se propagent progressivement vers l’ouest à travers l’Europe (600-100 avant JC) jusqu’à la péninsule ibérique, la Grande-Bretagne et l’Irlande. Bien que très mobiles, maîtres de la forge et de l’orfèvrerie, ils étaient trop désorganisés pour rivaliser avec l’État très discipliné et centralisé de Rome. Finalement entièrement romanisé, au moins sur le continent, leur art de travail du métal celtique comprenait certaines des plus belles sculptures en métal de l’époque (par exemple. le Broighter Boat c.100-50 avant JC). Ils étaient aussi des commerçants exceptionnels et leurs conceptions complexes de métal ont été exportées et imitées à travers le monde connu.  Pour la sculpture monumentale en pierre de Keltoi, voir : la pierre de Turoe.

       La plus grande sculpture d’argile au monde

L’armée de terre cuite (datant de 246-208 avant notre ère), une énorme collection de guerriers et de chevaux d’argile, a été sculptée dans la province de Shaanxi, en Chine, sous les ordres de l’empereur Qin Shi Huangdi. Des milliers de personnages y sont enterrés. 

Sculpture romaine (vers 200 avant JC - vers 200 après JC)

Jusqu’à environ 27 avant J.-C., malgré l’influence des sculpteurs étrusques précédents - remarqués pour leur "joie de vivre" - la sculpture romaine était un idéal et réaliste ; par la suite elle est devenue sévèrement héroïque, et tout à fait médiocre. Il a été conçu avant tout pour exprimer la majesté et la puissance de la domination romaine, ainsi mis à part un certain nombre de magnifiques reliefs historiques (par exemple. le bas-relief en spirale de la colonne de Trajan) et des monuments rares (par exemple. l’Ara Pacis Augustae), les sculpteurs romains ont été largement employés dans la production de bustes portraits des empereurs et d’autres dignitaires. Bref, pas de problème.

Sculpture byzantine (330-1450)

Jusqu’au IVe siècle, la sculpture chrétienne primitive avait été presque exclusivement des reliefs de tombeau pour sarcophages à Rome. Lorsque l’Empire romain s’est divisé en Orient et en Occident, la capitale orientale était située à Constantinople. L’art de l’Empire romain d’Orient, basé à Byzance, était presque entièrement religieux, mais, mis à part quelques bas reliefs en ivoire et l’orfèvrerie, la marque orthodoxe orientale du christianisme n’a pas permis la production d'œuvres d’art comme des statues ou de hauts reliefs. Bon pour les peintres, mauvais pour les sculpteurs.

Sculpture pendant les âges sombres (c.500-800)

Comme son nom l’indique, ce fut une période sombre et tranquille pour les sculpteurs européens. L’Église était faible, les barbares (qui n’étaient pas grands dans la sculpture) étaient forts, et les villes étaient appauvries et incultes. Il y a eu une certaine activité à Constantinople et en périphérie de l’Europe, par exemple en Irlande, où (de 800 à 1100) l’église monastique a commencé à commander un certain nombre de croix de pierre autoportantes connues sous le nom de sculptures celtiques High Cross - décorées avec des scènes évangéliques et d’autres modèles celtiques de style - mais peu d’art médiéval a été créé sur le continent.

Note sur la sculpture et l’architecture

Avant de poursuivre, il convient de souligner le lien essentiel entre l’architecture publique ou les programmes de construction, et la sculpture. En termes simples, les bâtiments publics ont généralement besoin d’une décoration sculpturale, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur. Les colonnes de soutien incorporent souvent des motifs décoratifs ou des statues et des reliefs, tout comme les façades, les portes et divers écrans intérieurs. Ainsi, chaque nouveau grand programme de travaux publics - typiquement annoncé par un nouveau style d’architecture -a déclenché un énorme programme parallèle de sculpture. Bref, les sculpteurs médiévaux aimaient les architectes.

Sculpture romane ancienne (carolingienne, ottonienne) (vers 800-1050)

Le renouveau de la sculpture médiévale a commencé avec Charlemagne I, roi des Francs, qui a été couronné empereur romain saint en 800. L’empire carolingien se dissout assez rapidement, mais le mécénat des arts de Charlemagne est une première étape cruciale dans la revitalisation de la culture européenne, notamment parce que de nombreuses églises romanes et gothiques sont construites sur les fondations de l’architecture carolingienne. Les réalisations architecturales de Charlemagne ont été poursuivies par les empereurs romains Otto I, II et III, dans un style appelé ottonien. Ainsi, l’art de la sculpture était de retour, bien que sur une échelle modeste. 

Sculpture romane (vers 1000-1200)

Au XIe siècle, une Église chrétienne plus confiante commença à se réaffirmer. Cet expansionnisme doctrinal a conduit aux croisades pour libérer la Terre Sainte de l’emprise de l’Islam. Le succès des Croisés et leur acquisition de Saintes Reliques a déclenché la construction de nouvelles églises et cathédrales à travers l’Europe dans le style roman à part entière de l’architecture - un style connu en Grande-Bretagne et en Irlande comme "architecture normande" . Cela a conduit à une énorme vague de commandes pour la sculpture romane et les vitraux. Ainsi, enfin, l’art de la sculpture était de retour. Et avec cette nouvelle demande pour l’art plastique est venu l’établissement de nouveaux ateliers de sculpture et de modélisation, des apprentissages, et la reconnaissance pour les maîtres-artisans. En effet, au XIIe siècle, les principaux sculpteurs sont devenus très recherchés par les abbés, les archevêques et d’autres mécènes séculiers, pour leur contribution unique à l’impact visuel des édifices religieux en construction.

Sculpteurs romanes célèbres :

Gislebertus (XIIe siècle)

Maître de Cabestany (XIIe siècle)

Maître Mateo (XIIe siècle)

Benedetto Antelami (actif 1178-1196)

Sculpture gothique (vers 1150-1300)

Le programme de construction de l’église a stimulé le développement de nouvelles techniques architecturales. Ces techniques se sont réunies au milieu du XIIe siècle dans un style que les architectes de la Renaissance plus tard appelé "architecture gothique". Des éléments caractéristiques de style roman tels que des arcs arrondis, des murs massivement épais et de petites fenêtres ont été remplacés par des arcs en ogive, des plafonds élancés, des murs fins et d’énormes vitraux. Cela a complètement transformé l’intérieur de nombreuses cathédrales en havres d’inspiration, où le message chrétien a été transmis dans une variété d’art biblique, y compris de beaux vitraux, et par une grande variété de sculptures. Les façades et les portes de la cathédrale étaient généralement remplies de reliefs sculpturaux représentant des scènes bibliques, ainsi que des rangées de sculptures représentant des prophètes, des apôtres, d’anciens rois de Judée et d’autres figures évangéliques. Les intérieurs présentaient des statues en colonnes et d’autres reliefs, le tout étant disposé selon un plan complexe d’iconographie évangélique conçu pour éduquer et inspirer les adorateurs analphabètes.

En substance, la cathédrale gothique était destinée à représenter l’Univers en miniature - une pièce unique de l’art chrétien conçue pour transmettre un sens de la puissance et de la gloire de Dieu et la nature rationnelle ordonnée de son plan mondain. Parmi les plus grandes maisons de la sculpture architecturale gothique sont les cathédrales françaises de Notre-Dame de Paris, Chartres, Reims, et Amiens; les cathédrales allemandes de Cologne, Strasbourg et Bamberg, et les églises anglaises de Westminster Abbey et York Minster - entre autres. En résumé, la sculpture gothique représente le point culminant de l’art religieux monumental. Bien que l’Eglise continuerait à investir fortement dans le pouvoir de la peinture et de la sculpture pour inspirer les masses (notamment dans la période baroque de la contre-réforme), l’époque gothique était vraiment l’apogée de l’art religieux "idéaliste". Désormais, l’art de la sculpture deviendrait de plus en plus empêtré dans la politique laïque aussi bien que papale.

Sculpteurs gothiques célèbres :

Nicola Pisano (vers 1206-1278)

Giovanni Pisano (v. 1250-1314)

Arnolfo di Cambio (vers 1240-1310)

Giovanni di Balduccio (vers 1290-1339)

Andrea Pisano (1295-1348)

Filippo Calendario (avant 1315-1355)

André Beauneveu (vers 1335-1400)

Claus Sluter (c. 1340-1406)

Sculpture de la Renaissance italienne (vers 1400-1600)

La Renaissance italienne a été inspirée par la "redécouverte" des arts de l’Antiquité classique, en particulier dans le domaine de l’architecture et de la sculpture. L’art de la Renaissance a également été coloré par une forte croyance en l’humanisme et la noblesse de l’homme. Il a commencé à Florence, inspiré par des individus tels que l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le sculpteur Donatello (1386-1466), le peintre Tommaso Masaccio et le théoricien Leon Battista Alberti (1404-72), et financé par la famille Médicis. Il s’est ensuite propagé à Rome - où il a reçu le soutien des ambitions pontificales du pape Sixte IV (1471-1484), le pape Jules II (1503-1313), le pape Léon X (1513-2121) et le pape Paul III (1534-455) - et de Venise. Les arts en Europe du Nord (notamment en Flandre, en Hollande, en Allemagne et en Angleterre) ont également connu une renaissance, en particulier dans la peinture à l’huile, la gravure et, dans une moindre mesure, la sculpture sur bois, bien qu'appelé Renaissance du Nord développé un peu indépendamment en raison de la Réforme (c.1520) et le manque de patronage religieux d’une église protestante qui a pris une vue terne de la peinture et de la sculpture religieuse.

Sculpture du début de la Renaissance (1400-90)

Compte tenu du respect accordé à la Renaissance italienne, il est facile d’oublier que de nombreux artistes italiens ont été fortement influencés par les traditions gothiques et l’artisanat. Les sculpteurs de la Renaissance, en particulier, étaient redevables à leurs prédécesseurs gothiques. Il suffit d’étudier les reliefs sur les façades et les portes des cathédrales du XIIe siècle pour voir l’extraordinaire réalisme tridimensionnel et l’émotivité qui était atteint des siècles avant la Renaissance. La grande différence entre les sculpteurs gothiques et de la Renaissance est que les noms de ces derniers sont maintenant mondialement célèbres, tandis que beaucoup de la première sont inconnus.

Dans cet esprit, les sculpteurs de la Renaissance primitive ont cherché à améliorer davantage les œuvres gothiques, s’inspirant en grande partie de la sculpture classique romaine et grecque. Ce faisant, ils ont injecté leurs statues de toute une gamme d’émotions et les ont imprégnées d’une énergie et d’une pensée nouvelles. Les trois plus grands artistes 3D de la Renaissance Primitive étaient Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolò di Betto Bardi, connu sous le nom de Donatello, et Andrea del Verrocchio (1435-88).

Lorenzo Ghiberti

En 1401, un concours a été organisé pour la création d’une paire de portes en bronze pour le baptistère de Florence de Saint-Jean - l’une des plus anciennes églises de la ville. Lorenzo Ghiberti a remporté la commission pour les portes, ce qui lui a pris 27 ans pour terminer. Une deuxième commission similaire suivit, occupant Ghiberti pendant 25 ans. Cependant, ses portes sont devenues un symbole tangible de l’art florentin, amenant Michel-Ange à se référer à eux "les portes du paradis".

Donatello

Donatello, le premier véritable génie de la sculpture Renaissance italienne, a réinventé le médium de la sculpture de la même manière que Masaccio, Piero della Francesca et Mantegna ont révolutionné l’art de la peinture. Capable d’investir ses figures avec un réalisme et une émotion intenses, son chef-d’œuvre est sa sculpture en bronze David (vers 1435-1453), la première sculpture nue grandeur nature depuis l’Antiquité, créée pour la famille Médicis et située dans le Palais Médicis à Florence. La forme élancée du berger biblique semble à peine capable de l’habileté meurtrière requise pour tuer Goliath, mais à la fois sa pose féminine pensive avec ses contrapposto classiques (torsion des hanches), exerce un effet hypnotique sur le spectateur. Ce doit sûrement être l’une des plus grandes statues jamais créées. 

Andrea del Verrocchio

Le David (v.1475) d’Andrea del Verrocchio est plus raffiné mais moins intense que la statue de Donatello, tandis que sa statue équestre de la condottiere Bartolomeo Colleoni (1480s) est moins héroïque, mais transmet un plus grand sens du mouvement et de swagger que Gattamelata de Donatello (1444-53) à Padoue.

D’autres sculpteurs importants de la Renaissance tôt comprennent : Jacopo della Quercia (c.1374-1438); Nanni di Banco (c.1386-1421); les sculpteurs en terre cuite Luca Della Robbia (1400-1482), son neveu Andrea Della Robbia (1435-1525), Niccolò Dell’Arca (1435-94) et Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427-1479); Antonio Pollaiuolo (1432-1498).

 Sculpture de la Haute Renaissance (vers 1490-1530)

Les sculpteurs de la Renaissance étaient dominés par Michel-Ange (1475-1564), le plus grand sculpteur de la Renaissance italienne, et sans doute de tous les temps. L’historien de l’art Anthony Blunt dit des œuvres de Michel-Ange comme Pieta (1497-9, marbre, basilique Saint-Pierre, Rome), David (1501-4, marbre, Galleria dell’Accademia, Florence) et Dying Slave (1513-16, marbre, Louvre, Paris) qu’ils possédaient une "qualité surhumaine" mais aussi "un sentiment de couvaison, de sombre inquiétude... ils reflètent la tragédie du destin humain." Certaines des sculptures en marbre de Michel-Ange ont une beauté et un poli impeccables, témoignant de sa maîtrise technique absolue. Dans le domaine du nu masculin héroïque, il reste l’exposant suprême. 

D’autres sculpteurs importants de la Haute Renaissance comprennent l’artiste et architecte vénitien Jacopo Sansovino (1486-1570) et Baccio Bandinelli (1493-1560).

Sculpture de la Renaissance nordique (vers 1400-1530)

En Europe du Nord, l’art de la sculpture a été illustré en particulier par deux artisans impressionnants qui ont pris l’art de la sculpture en bois à de nouveaux sommets : le sculpteur de calcaire allemand Tilman Riemenschneider (1460-1531), noté pour ses reliefs et sculpture en bois autoportant; et le sculpteur sur bois Veit Stoss (1450-1533) réputé pour ses délicates retables.

D’autres sculpteurs importants du nord des Alpes comprennent:

Hans Multscher (vers 1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);Michel Colombe (vers 1430-1512); Gregor Erhart (vers 1460-1540).

Sculpture maniériste (1530-1600)

Si la confiance et l’ordre de la Haute Renaissance se reflétaient dans ses formes idéalisées de sculpture figurative, La sculpture maniériste reflète le chaos et l’incertitude d’une Europe déchirée par la division religieuse et d’une Rome récemment pillée et occupée par des soldats français mercenaires. Les sculpteurs maniéristes introduisent une nouvelle expressivité dans leurs œuvres, comme en témoignent le puissant Viol des sabines de Giambologna (1529-1608) et Persée (1545-1544) de Benvenuto Cellini (1500-1971). Cependant, comparez la célèbre statue en marbre couché naturaliste de Sainte-Cécile de Stefano Maderno (1576-1636). Voir aussi Juan de Juni (1507-1577), qui a étendu la Renaissance à l’Espagne, Alonso Berruguete (c.1486-1561) qui a introduit le maniérisme en Espagne, et Francesco Primaticcio (1504-1570) qui a lancé le maniérisme en France. Pour les meilleurs sculpteurs maniéristes français, voir : Jean Goujon (v.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) et Adriaen de Vries (1560-1626).

 

Sculpture baroque (vers 1600-1700)

À la fin du XVIe siècle, en réponse à la Réforme protestante, l’Église catholique a lancé sa propre Contre-Réforme. Cette campagne de propagande, destinée à persuader les fidèles de retourner à la "vraie" Eglise, employant la panoplie complète des arts visuels, y compris l’architecture, la sculpture et la peinture, est devenue associée à un langage plus grand, plus dramatique connu sous le nom d’art baroque. Cela a entraîné un mécénat massif pour les artistes - bonne nouvelle pour les sculpteurs!

Même la Place Saint-Pierre, à Rome, a été remodelée pour impressionner les visiteurs. L’architecte/sculpteur de génie Bernini (1598-1680) a conçu une série de colonnades menant à la cathédrale, qui a donné l’impression aux visiteurs qu’ils étaient embrassés par les bras de l’Église catholique.

Bernini était le plus grand de tous les sculpteurs baroques. Après avoir travaillé pour le cardinal Scipione Borghese, il est devenu le principal sculpteur pour le pape Urbain VIII. Attiré par le naturalisme dramatique de ce qu’on appelle le style baroque hellénistique du deuxième et du premier siècle avant notre ère (p. ex., voir des œuvres comme The Vanquished Gaul Killing Himself and his Wife) La contribution unique de Bernini était de créer des chefs-d’œuvre illusionnistes sensationnels (p. ex., en décrivant un moment dans le temps), d’une manière jusqu’ici seulement réalisée par les peintres. C’était comme s’il traitait les matériaux relativement insolubles de la sculpture comme s’ils étaient entièrement malléables. Sa technique sculpturale et sa composition étaient si époustouflantes qu’il ne reçut peu de critiques de rivaux envieux.

Son principal rival était Alessandro Algardi (1598-1654), le sculpteur préféré du pape Innocent X. Si Bernin incarnait le naturalisme dramatique grec, le style d’Algardi était plus sobre (les critiques disent faible). Un autre rival était le sculpteur flamand François Duquesnoy (1594-1643) dont le style était entièrement classique. Duquesnoy était plutôt une figure ombragée qui a travaillé dans un style sévère, sans émotion qui a néanmoins été très apprécié par les écrivains universitaires pour sa parfaite synthèse de la nature et de l’antiquité. Les draperies coulent élégamment, suivant la forme du corps, tandis que la figure est équilibrée dans la grâce et le repos parfait - le contraire complet du mouvement dynamique du Bernini et la sensation intense.

La sculpture baroque française est illustrée par François Girardon (1628-1715), une sorte d’Algardi français, et son rival Antoine Coysevox (1640-1720) dont le style relâché est encore relativement restreint par rapport au Bernin, et Pierre Puget (1620-1994) qui fut l’un des rares sculpteurs à retrouver l’immédiateté de la meilleure œuvre de Bernini.

D’autres sculpteurs baroques sont : Juan Martines Montanes (1568-1649), Alonzo Cano (Grenade, 1601-1677) et Andreas Schlüter (1664-1714), le plus grand sculpteur baroque d’Allemagne du Nord. Dans le sud de l’Allemagne, l’un des plus grands maîtres était Jorg Zurn (1583-1638), qui a produit l’imposant autel de cinq étages de la Vierge Marie (1613-16), dans l’église Saint-Nicolas à Uberlingen, sur la rive nord du lac de Constance (Bodensee).

Sculpture rococo (vers 1700-1789)

Fondamentalement une réaction française contre la gravité du baroque, l’art rococo a commencé à la cour française au château de Versailles avant de se propager à travers l’Europe. Si la sculpture baroque est dramatique et sérieuse, le rococo n’est que fioritures et sans substance, bien qu’en réalité il ne s’agisse pas tant d’un style différent du baroque, mais plutôt d’une variation du style porté par Bernini et ses contemporains. Même ainsi, on peut parler des qualités rococo dans une œuvre de sculpture - l’informalité, la gaieté, un souci pour les questions du cœur et un auto-conscient éviter le sérieux.

Le sculpteur le plus connu de la première moitié du XVIIIe siècle est Guillaume Coustou (1677-1746), directeur de l’Académie de France de 1707, qui poursuit la tendance baroque de son oncle Coysevox. Son élève, Edme Bouchardon (1698-1762), est une figure plus intéressante. dont le sentiment pour l’antique l’a amené à anticiper la tendance tardive vers le néoclassicisme.

Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), un favori de Mme de Pompadour, était un autre exemple important du style rococo comme était son principal rival Etienne-Maurice Falconet (1716-91) qui se sont spécialisés dans les figures érotiques qui ont une dérivation ténue des originaux hellénistiques. Son chef-d’œuvre, cependant, reste son classique "Cavalier de bronze" monument à Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg.

En Angleterre, les principaux sculpteurs du XVIIe/XVIIIe siècle comprenaient le classiciste Michael Rysbrack (1694-1770), le plus théâtral Louis François Roubiliac (1705-1762) et l’éminent sculpteur sur bois Grinling Gibbons (1648-1721). La sculpture rococo allemande a été illustrée dans des œuvres du sculpteur de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732), de petits groupes d’artisans travaillant dans les églises catholiques du sud de l’Allemagne, et Ignaz Günther (1725-75) dont les sculptures figuratives ont une surface dure réaliste et polychrome qui rappelle la sculpture sur bois médiévale allemande.

Capricieux décadent, Rococo a été balayé par la Révolution française qui a inauguré le nouveau style austère du néoclassicisme.

 Sculpture néoclassique (Fleuri vers 1790-1830)

L’art néoclassique - essentiellement l’art grec avec une touche moderne - était dominé par l’architecture néoclassique. Les bâtiments néoclassiques comprennent le Panthéon (Paris), l’Arc de Triomphe (Paris), la Porte de Brandebourg (Berlin) et le Capitole des États-Unis. La sculpture néoclassique met l’accent sur les vertus de l’héroïsme, du devoir et de la gravité. Parmi les principaux sculpteurs néoclassiques, citons Antonio Canova (1757-1822), extrêmement sévère et héroïque, Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), maître du portrait-buste, et Jean-Antoine Houdon (1741-1828), plus naturaliste/réaliste., le plutôt léger Claude Michel appelé Clodion (1738-1814) et les sculpteurs anglais Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) et sir Richard Westmacott (1775-1856). Ce n’est que plus tard au XVIIIe siècle qu’apparaît un digne successeur de Canova en la personne du sculpteur danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844), qui aborda l’antiquité avec une hauteur d’esprit comparable mais avec moins d’originalité.

Sculpture du XIXe siècle

À bien des égards, le XIXe siècle a été un âge de crise pour la sculpture. En termes simples, le développement architectural s’était largement épuisé, le mécénat religieux avait décliné à la suite de la Révolution française, et le climat général de "populisme", a commencé à causer beaucoup de confusion dans l’esprit des mécènes institutionnels et privés quant à ce qui constituait des sujets et des styles acceptables pour la représentation sculpturale. Engagés dans une forme d’art plus chère que les peintres, et donc dépendants de commandes coûteuses, les sculpteurs se retrouvent souvent à la merci de l’opinion publique sous la forme de conseils municipaux et de comités. Mis à part un certain nombre de monuments publics grandioses, et les statues commémoratives habituelles des évêques et des rois - invariablement exécuté dans le style stérile et conformiste requis par les autorités (par exemple. le Mémorial Albert) - les sculpteurs ont eu peu d’occasions de montrer leur originalité. La peinture, d’autre part, subissait d’énormes et passionnants changements. En bref, ce n’était pas un grand moment pour être impliqué dans l’art 3D.

Parmi les sculpteurs du XIXe siècle qui méritent d’être mentionnés, mentionnons le polyvalent James Pradier (1790-1852), les romantiques François Rude (1784-1855), David d’Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875), et Auguste Préault (1799-1809), et le néo-florentin Sculpteur de la Renaissance Félicie de St Fauveau (1799-1886). L’un des artistes les plus talentueux est le gaillard Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), dont la sensualité a été adaptée aux exigences des sculpteurs décoratifs des années 1860 par Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887), par ailleurs le plus noté pour le fait que l’un de ses élèves était un sculpteur inconnu appelé Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) était un disciple plus contemplatif et sérieux de Carpeaux. Parmi les classicistes du XIXe siècle, on compte John Gibson (1791-1866), le talentueux mais frustré Alfred Stevens (1817-1875), le polyvalent George Frederick Watts (1817-1904) et l’Américain Hiram Powers (1805-1873).

Il ne faut pas non plus oublier l’imaginatif sculpteur français Auguste Bartholdi (1834-1904) - mieux connu comme le créateur de la sculpture de renommée mondiale - La Statue de la Liberté - dans le port de New York. Aussi le grand sculpteur américain monumental Daniel Chester French (1850-1931), noté pour la figure assise de Lincoln au Lincoln Memorial à Washington DC.

Auguste Rodin

La grande exception est l’incomparable génie français Auguste Rodin (1840-1917). L’un des rares maîtres authentiques de la sculpture moderne, Rodin s’est vu comme le successeur de son héros emblématique Michel-Ange - bien que le Florentin était un sculpteur en marbre tandis que Rodin était principalement un modeleur en bronze. Même si Michel-Ange illustre les formes nobles et intemporelles de l’Antiquité classique, les œuvres les plus caractéristiques de Rodin véhiculent une modernité et un naturalisme saisissants. On peut dire que les véritables prédécesseurs de Rodin sont les sculpteurs gothiques, car il est un admirateur passionné des cathédrales gothiques de France, dont les reliefs héroïques lui inspirent beaucoup. Quoi qu’il en soit, l’influence de Rodin sur sa forme artistique est plus grande que celle de tout sculpteur depuis la Renaissance.

Sculpture du XXe siècle : l’avènement du modernisme

Avec la sculpture moins capable de refléter les nouvelles tendances de l’art moderne au 19ème siècle, laissant des artistes comme Auguste Rodin (1840-1917) libres de poursuivre un monumentalisme dérivé essentiellement de l’idéologie de la Renaissance, et d’autres pour célébrer les valeurs victoriennes sous forme de figures patriotiques et historiques, également exécuté à la manière grandiose des temps anciens, il n’a pas été jusqu’à l’émergence de sculpteurs modernes du XXe siècle comme Constantin Brancusi (1876-1957), le futuriste Umberto Boccioni (1882-1916) et Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) (1890-1977), cette sculpture a vraiment commencé à changer, au tournant du siècle. Pour l’influence des cultures tribales sur le développement de la sculpture du XXe siècle .À cet égard, voir les travaux de Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) et son mentor Jacob Epstein (1880-1959). Notons en particulier l’impact de la sculpture africaine sur les sculpteurs modernes de l’École de Paris.

En fait, les premières décennies du XXe siècle ont vu les beaux-arts en pleine effervescence. Le mouvement cubiste révolutionnaire, inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), a brisé de nombreux canons sacrés de l’art traditionnel, et a déclenché une vague d’expérimentation dans la peinture et la sculpture. Ce dernier a été considérablement redéfini par une série de sculpteurs comme Marcel Duchamp (1887-1968) - voir ses "readymades" - Jacques Lipchitz (1891-1973), et Alexander Archipenko (1887-1964), ainsi que Brancusi, Boccioni et Gabo. La représentation a été rejetée en faveur de nouvelles expressions abstraites de l’espace et du mouvement, utilisant souvent des matériaux non traditionnels jamais utilisés dans la sculpture.

Dans le sillage du cubisme, la Grande Guerre (1914-1918) et la révolution bolchevique de 1917 ont eu un autre impact énorme sur les artistes à travers l’Europe, comme en témoignent les mouvements iconoclastes influents de Dada et du constructivisme. Les sculpteurs se sont joints aux peintres pour produire des œuvres d’art reflétant de nouvelles icônes comme la machine, ainsi que de nouvelles idéologies du design (p. ex. les théories de l’école de design Bauhaus) et de la forme (p. ex. l’incroyable Merzbau de Kurt Schwitters).

Les années 1920 à Paris ont vu l’émergence du surréalisme, un mouvement très influent qui a cherché un nouveau "super-réalisme" dans un style qui a embrassé à la fois l’abstraction et le naturalisme. Parmi les artistes surréalistes célèbres qui travaillent en 3D, citons Salvador Dali (1904-89) qui produit son Sofa et son Téléphone au homard surréaliste Mae West Lips; Meret Oppenheim (1913-85) qui crée Furry Breakfast; et FE McWilliam (1909-1992) qui produit Eyes, Nose and Cheek. D’autres sculpteurs modernes comme Jean Arp (1886-1966) ainsi que Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975) - chefs de file de la sculpture britannique moderne - expérimentent de nouvelles formes d’abstraction biomorphique/organique, tandis que l’Américain Alexander Calder (1898-1976) était un pionnier de la sculpture mobile et de l’art cinétique, et David Smith (1906-65) développait la sculpture métallique abstraite. De nombreux sculpteurs ont développé leur style au cours du siècle : Alberto Giacometti (1901-66), par exemple, a commencé en mode surréaliste dans les années 1920 et 1930 avant de perfectionner ses œuvres figuratives semi-abstraites uniques. Voir aussi l’artiste anglo-américain moderniste Jacob Epstein (1880-1959), dont les œuvres figuratives audacieuses se sont révélées très controversées.

Sculpture d’après-guerre (1945-1970)

Aucune sculpture n’a émergé à New York ou à Paris pour comparer avec le style de peinture prédominant de l’expressionnisme abstrait (c.1945-62), bien qu’il y ait certainement eu innovation, principalement dans l’utilisation de nouveaux matériaux et une humeur croissante de conceptualisme - un style qui se concentre sur l’idée derrière l’objet 3D, plutôt que l’objet lui-même - ainsi qu’un flou entre la peinture et la sculpture. Les innovations majeures - principalement par des sculpteurs américains, mais voir Destroyed City (1953) du sculpteur russe Ossip Zadkine (1890-1967) - comprennent les "murs sculptés" de Louise Nevelson (1899-1988) - des assemblages composés d’objets trouvés, principalement du bois, pulvérisés en blanc, peinture noire ou dorée et disposée dans des étagères en forme de boîte occupant un mur; les sculptures en feutre de Robert Morris (né en 1931); les œuvres au néon et fluorescentes de Bruce Nauman (né en 1941); les œuvres de Cesar (1921-1998) faites à partir de pièces de voiture; les sculptures de rebut (p. ex., tas de téléphones cassés) Arman (Armand Fernandez) (né en 1928); l’art cinétique de Jean Tinguely (1925-1991) et la sculpture abstraite de l’artiste britannique Sir Anthony Caro (1924-2013).

Sculpture pop-art

Chronologiquement, le premier mouvement majeur d’après-guerre impliquant des sculpteurs, était le Pop-Art des années 1960, qui a pris naissance dans les travaux pionniers de Robert Rauschenberg (1925-2008) et Jasper Johns (né en 1930) dans les années 1950. Parmi les célèbres sculptures pop figurent : Japanese War God (1958) du pionnier Eduardo Paolozzi (né en 1924), Ale Cans (1964) de Jasper Johns, la toile, la mousse de caoutchouc et le carton Floor Burger (1962) et Giant Fag-Ends (1967) de Claes Oldenburg (né en 1929), et l’ingénieux Joe Sofa (1968) par les Italiens Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (né en 1935) et Paolo Lomazzi (né en 1936) - tous montrant des traces d’art surréaliste antérieur. La sculpture pop n’est pas sérieuse mais c’est très amusant.

Sculpture minimaliste

Contrairement au Pop art, le minimalisme des années 1960 explore la pureté des formes ultra-simplifiées jusqu’à l’absurdité. Parmi les célèbres sculpteurs minimalistes figurent Sol LeWitt (né en 1928) - l’artiste conceptuel américain connu pour ses constructions squelettiques et géométriques en forme de boîte; les formes simplifiées sans compromis de Donald Judd (1928-1994); l’artiste expérimental Walter de Maria (né en 1935); et le Massachusetts-né Carl Andre (né en 1935). La sculpture minimaliste peut être pleinement appréciée par toute personne titulaire d’un doctorat en interprétation des beaux-arts.

Art terrestre : Sculpture environnementale

Dans les années 1960, on assiste également à un tout nouveau type de sculpture connue sous le nom de Land Art (Earthworks, ou Environmental Art). Comme des enfants construisant des châteaux de sable sur la plage, les artistes se sont précipités dans la nature et ont creusé, excavé et remodelé le paysage naturel pour créer (ce qu’ils espéraient) de l’art. Le sculpteur environnemental pionnier est le pessimiste Robert Smithson (1938-1973). Plus récemment, le couple d’artistes Christo et Jeanne-Claude Javacheff a atteint la célébrité en enveloppant des parties de l’environnement dans des tissus colorés, tandis qu’Andy Goldsworthy (né en 1956) se spécialise dans les sculptures temporaires environnementales (p. ex., faites de neige) qui se décomposent ou disparaissent.

Sculpture contemporaine poste moderniste

En 1970, une quantité croissante d’art contemporain devenait extrêmement expérimentale - les critiques d’art pourraient dire farfelu, incompréhensible et kitsch-comme. A partir des années 1970, cette tendance a été baptisée "art poste moderniste". Personne ne sait vraiment ce que ce mot signifie, et, s’ils le font, ils ne peuvent pas l’expliquer. En ce qui concerne la sculpture poste moderniste, le mieux que l’on puisse dire est qu’elle pousse la sculpture à la limite de l’expression tridimensionnelle, et qu’elle traverse fréquemment d’autres formes d’art comme l’installation, l’assemblage pur et même le théâtre. L’un des sculpteurs poste modernistes les plus célèbres est le Britannique Anish Kapoor (né en 1954).

Damien Hirst

Le postmodernisme est illustré par les œuvres de Damien Hirst (1965), le leader ingénieux et axé sur le marché du mouvement des jeunes artistes britanniques des années 1980, qui a atteint la renommée mondiale pour The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991), un requin tigre mort mariné dans un réservoir de formaldéhyde - Est-ce une sculpture ou une installation? Personne ne le sait vraiment. D’autres œuvres controversées de Hirst comprennent : Virgin Mother (2005) une énorme œuvre dépeignant une femme enceinte humaine, découpée pour afficher le fœtus, le tissu musculaire et le crâne incrusté de diamant For the Love of God (2007). Les critiques affirment que Hirst n’est qu’un showman très novateur, mais les collectionneurs - ainsi que le public - semblent l’aimer. Que l’histoire ait le dernier mot sur cet artiste multimillionnaire.

Toutes les sculptures contemporaines ne sont pas aussi controversées que le requin mort d’Hirst. La fin du XXe siècle a vu de nombreux sculpteurs exceptionnels travailler dans des modes plus ou moins traditionnels, mais avec une conception moderniste. Exemples célèbres de la sculpture contemporaine comprennent : les sculptures en métal à grande échelle de Mark Di Suvero (né en 1933), les formes publiques monumentales de Richard Serra (né en 1939), les figures hyperréalistes de Duane Hanson (1925-96) et John De Andrea (né en 1941), les structures environnementales d’Antony Gormley (né en 1950), les fabuleuses figures réalistes de Rowan Gillespie (né en 1953), les œuvres novatrices de Jeff Koons (né en 1955) et les sculptures surréalistes de Louise Bourgeois (1911-2010).

Parmi les sculptures acclamées du début du XXIe siècle figurent des œuvres d’Eduardo Chillida (1924-2002) (par exemple, la pièce de fer Berlin, 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten), de Subodh Gupta (1964) et de Damian Ortega (1967), parmi d’autres œuvres trop nombreuses pour être mentionnées.

Sculpture architecturale

Bien qu’en dehors du cadre de cet article, il convient de mentionner les grandes œuvres emblématiques de la sculpture architecturale, y compris : Le Colosse de Rhodes, La Statue de la Liberté, La Tour Eiffel, La Colonne de Nelson, Le Picasso de Chicago, et le Pic de Dublin, entre autres.