Art et architecture baroques

Début des travaux : 1584

Fini : 1723

Les débuts de l'art et de l'architecture baroques

Le terme : Baroque

L'origine du terme baroque est quelque peu ambiguë. De nombreux spécialistes pensent qu'il est dérivé du portugais barrocco, qui désigne une perle imparfaite ou de forme irrégulière. D'autres, comme le philosophe Jean-Jacques Rousseau, pensent qu'il est dérivé de l'italien barocco, un terme utilisé pour décrire un obstacle dans la logique formelle à l'époque médiévale. Dans son usage croissant, le terme avait à l'origine des connotations négatives, les œuvres d'art qui en faisaient partie étant considérées comme bizarres et parfois ostentatoires. Mais dans l'ouvrage Renaissance und Barock (1888) de Heinrich Wölfflin, le terme est officiellement utilisé comme un simple descriptif pour désigner un style artistique distinct.

Caravaggio : L'appel de saint Matthieu (1599-1600)

La Contre-Réforme

Plutôt que d'avoir un moment unique de création, la période baroque a rassemblé un certain nombre de développements innovants à la fin des années 1500, en s'inspirant des styles de peinture différents et rivaux du Caravage, de l'école bolonaise dirigée par Annibale Carracci et de l'architecture de Giacomo Della Porta. Un facteur décisif dans la formation de l'intensité et de la portée du mouvement a été le patronage de la Contre-Réforme de l'Église catholique.

Le Conseil de Trente (1588) de Pasquale Cati da Lesi représente un rassemblement religieux à l'arrière-plan, tandis qu'au premier plan figure un groupe de saintes femmes réunies autour d'une femme qui symbolise l'Église triomphante. Sa robe bleue, sa croix et sa tiare symbolisent la clarté doctrinale.

À la suite du sac de Rome de 1527, et dans le but de s'opposer à la croissance du protestantisme, la Contre-Réforme a cherché à rétablir l'autorité de l'Église. En 1545, le pape Paul III a convoqué le premier concile de Trente, qui a réuni des dignitaires de l'Église et des théologiens pour établir la doctrine et condamner les hérésies contemporaines. Le Conseil a tenu 25 sessions sous la direction du pape Paul III et de ses successeurs, les papes Jules III et Pie IV, jusqu'en 1563. Les arts visuels et l'architecture font partie de la campagne de réforme, car le concile établit des directives pour l'art, notamment la représentation de sujets religieux tels que l'Immaculée Conception, l'Annonciation et l'Assomption de la Vierge, qui sont exclusifs au dogme catholique, afin de repositionner l'importance de l'église aux yeux du public. Toutefois, ces directives signifiaient également que les artistes pouvaient être interpellés si un responsable de l'église jugeait leurs œuvres représentant des sujets religieux comme étant offensantes. L'un des premiers exemples est celui du peintre vénitien de la Renaissance Paolo Veronese, traduit devant l'Inquisition pour défendre sa Cène (1573), pour laquelle il était accusé d'inclure "des bouffons, des Allemands ivres, des nains et autres scélératesses de ce genre". Lorsque l'œuvre a été rebaptisée Le festin dans la maison de Lévi, en référence à un contexte évangélique où des pécheurs étaient présents, elle a été jugée acceptable.

Cette estampe populaire du XVIe siècle montre la destruction d'images sacrées alors que la Suisse est balayée par un mouvement d'iconoclasme protestant.

La Réforme protestante s'opposait à l'utilisation d'images pour le culte religieux, mais la Contre-Réforme soutenait que cet art avait un but didactique et appelait à un nouveau type de représentation visuelle, simple mais dramatique, réaliste dans sa description et claire dans sa narration. Les chefs de file de ce mouvement affirmaient que l'art devait être facilement compris et fortement ressenti par les gens ordinaires, ce qui avait pour effet d'encourager la piété et de susciter un sentiment d'émerveillement à l'égard de l'Église. Alors que l'église et ses dignitaires étaient des mécènes notables depuis l'ère gothique, un nouveau programme de mécénat a été intentionnellement encouragé dans toute l'Europe. Les nouveaux ordres religieux qui faisaient partie du mouvement de réforme, comme les Jésuites, les Capucins et les Carmes déchaussés, ont été officiellement encouragés à devenir d'importants mécènes. Ce nouveau style baroque s'est répandu dans toute l'Europe, soutenu principalement par l'Église catholique dirigée par le pape à Rome et les souverains catholiques en Italie, en France, en Espagne et en Flandre. Il a également été diffusé par de puissants ordres religieux grâce à leur vaste réseau de monastères et de couvents.

Giacomo Della Porta

L'architecte Giacomo Della Porta, issu d'une famille de sculpteurs italiens, fut l'élève, puis le collaborateur de Michel-Ange et du principal architecte maniériste de Rome, Giacomo Barozzi da Vignola. Il a travaillé avec Barozzi à la construction de l'église du Gesù (1584) et, après la mort de ce dernier en 1573, il a achevé le projet en en réinterprétant le plan. Sa façade réduit le nombre d'éléments architecturaux, tout en regroupant ceux qui restent autour de l'entrée. En conséquence, la façade transmet un sentiment de tension dynamique que le visiteur ressent avant d'être enveloppé par le vaste espace de l'intérieur. Bien que la façade de l'architecte soit relativement simple par rapport aux églises baroques beaucoup plus ornées qui ont suivi, l'église a lancé le style baroque et est devenue le modèle des églises jésuites du monde entier jusqu'au XXe siècle.

L'église du Gesù à Rome (1584) présente la tension simplifiée mais dramatique qui a conduit l'historien de l'architecture contemporain Nathan T. Whitman à la qualifier de "première façade véritablement baroque".

Photo : Alessio Damato

École bolognaise

En peinture, les œuvres de l'école bolognaise antimanièriste dirigée par Annibale Carracci ont été les premières à être promues dans le cadre de la Contre-Réforme. Carracci, avec son frère Agostino et Ludovico, leur cousin, avait lancé l'Accademia dei Desiderosi, une petite académie d'art qui mettait l'accent sur les idéaux esthétiques de la Renaissance en matière de proportion, sur l'utilisation du dessin de figure et sur la précision de l'observation pour créer des figures réalistes mais héroïques dans des scènes captivantes. Son travail a attiré l'attention du célèbre mécène, le cardinal Odoardo Farnese, qui l'a fait venir à Rome et lui a demandé de peindre le plafond de la galerie du Palazzo Farnese pour célébrer le mariage du frère du cardinal.

L'autoportrait d'Annibale Carracci (vers 1605) présente des détails précis et une vitalité digne d'une esquisse.

La fresque qui en résulte, Les amours des dieux (1597-1601), a influencé le mouvement baroque, car Carracci a été le premier à utiliser la technique du quadro riportato qui encadre chaque scène comme s'il s'agissait d'une peinture de chevalet disposée sur un plafond. Il a également utilisé la quadratura, ou la peinture d'éléments architecturaux illusoires, comme en témoignent ses figures peintes d'Atlas et ses nus masculins classiques, qui ressemblent à des sculptures. Son œuvre a influencé Giovanni Lanfranco, Guercino, Pietro de Cortona, Carlo Maratta et Andrea Pozzo, qui sont tous devenus des peintres de plafond réputés pour leur quadrature et leur trompe-l'œil. Carracci a également eu une influence notable sur les futurs paysages et la peinture d'histoire, comme en témoignent les œuvres des peintres français Claude Lorrain et Nicolas Poussin, ainsi que sur le style baroque français.

Claude Lorrain : Embarquement de la reine de Saba (1648)

Michelangelo Merisi Caravaggio

Michelangelo Merisi Caravaggio, connu simplement sous le nom de Caravage, a parfois été surnommé "le père de la peinture baroque" en raison de son approche pionnière. Formé à Milan dans le style maniériste dominant, il a rapidement développé sa propre technique en utilisant le clair-obscur, des contrastes dramatiques de lumière et d'obscurité, et le ténébrisme, intensifiant le contraste dans des scènes atmosphériques sombres avec certains éléments fortement éclairés comme par un projecteur. Sa maîtrise du ténébrisme, qui signifie "sombre, mystérieux", était telle qu'on lui a souvent attribué l'invention de cette technique. Son réalisme radical, par lequel il peignait ses sujets tels qu'ils étaient réellement, avec leurs défauts, était également novateur et rendait ses œuvres controversées, tout comme sa préférence pour les sujets dérangeants.

L'Autoportrait en Bacchus (1593) de Caravage est largement reconnu comme étant l'autoportrait de l'artiste en tant que dieu romain de l'ivresse. Il est également appelé Bacchus malade, car il a une teinte de chair vert malade et coïncide avec l'hospitalisation de l'artiste.

Le Caravage devient l'artiste le plus célèbre de Rome avec ses tableaux du Martyre de saint Matthieu (1599-1600) et de l'Appel de saint Matthieu (1599-1600), commandés pour la chapelle Contarelli. Il reçoit par la suite un grand nombre de commandes religieuses, bien que certaines d'entre elles, dont la Conversion de saint Paul (1600-1601) et la Mort de la Vierge (1601-1606), soient rejetées par des mécènes qui trouvent son réalisme trop choquant. Néanmoins, son œuvre a eu une telle influence que les générations suivantes qui ont adopté son style ont été appelées Caravaggisti ou tenebrosi. Son œuvre a influencé de nombreux grands peintres baroques, dont Peter Paul Rubens, Giovanni Lorenzo Bernini, Jose Ribiera et Rembrandt van Rijn.

La Conversion de saint Paul (1600-1601) du Caravage représente le moment où le persécuteur romain des Juifs, frappé de cécité par la lumière divine, est tombé de son cheval. Comme l'a écrit Helen Langdon, la biographe de l'artiste, le tableau transmet "un sentiment de crise et de dislocation [alors que] le Christ perturbe le monde banal".

Le haut baroque

Marqué par la grandeur et l'accent mis sur le mouvement et le drame, le haut baroque a débuté vers 1625 et a duré jusqu'à environ 1700. Gian Lorenzo Bernini a dirigé et dominé cette époque, définissant le style baroque en sculpture. Son mécène, le cardinal Scipione Borghese, était l'un des hommes les plus riches et les plus puissants de Rome, et les premières sculptures du Bernin ont été créées pour le palais Borghese du cardinal. Des œuvres comme Le viol de Proserpine (1621-22) et Apollon et Daphné (1622-1625) mettent l'accent sur le réalisme dramatique, l'émotion intense et le mouvement, et comme l'a écrit l'historien de l'art Rudolf Wittkower, elles "inaugurent une nouvelle ère dans l'histoire de la sculpture européenne."

Apollon et Daphné (1622-1625) du Bernin représente une scène de la mythologie grecque où la nymphe Daphné supplie son père de la transformer en arbre pour échapper à la poursuite du dieu Apollon.

Lorsque le cardinal Scipione Borghese devint plus tard le pape Urbain VIII, le Bernin devint également l'architecte le plus important de Rome, comme en témoigne sa nomination comme architecte en chef de Saint-Pierre en 1629. Son Baldachin et la colonnade qu'il a conçue autour de la place Saint-Pierre (1656-1667) illustrent le style architectural du Haut Baroque. Comme l'écrit l'historienne de l'art Maria Grazia Bernardini, il est "le grand et principal protagoniste de l'art baroque, celui qui a su créer des chefs-d'œuvre incontestés, interpréter de manière originale et géniale les nouvelles sensibilités spirituelles de l'époque, donner à la ville de Rome un visage entièrement nouveau et unifier le langage [artistique] de l'époque".

La colonnade du Bernin (1656-1667) qui, entourant la place Saint-Pierre, souligne le mouvement d'enveloppement de l'église ainsi que le mouvement vertical de la ville vers la basilique Saint-Pierre, dont le toit bordé de statues est visible au premier plan.

Le principal rival du Bernin en matière d'architecture est Francesco Borromini, dont l'église de San Carlo alle Quattro Fontane (1624-1646) présente des murs ondulés, une tour ovale et une conception ovale radicalement innovante de l'église sous un dôme ovale. La peinture de plafond, qui fait appel à la quadrature et au trompe-l'œil, est également devenue une caractéristique notable du haut baroque et a été illustrée par Le triomphe du nom de Jésus dans l'église du Gesù de Giovanni Battista Gaulli (1669-1683) et l'Apothéose de saint Ignace d'Andrea Pozzo (1688-1694), tous deux à Rome.

Francesco Borromini : Église de San Carlo alle Quattro Fontane (1638-77)

Pozzo est également l'auteur de Perspectiva Pictorium et Architectorum (Règles et exemples de perspective propres aux peintres et aux architectes). Publié en deux volumes, d'abord en 1693, puis en 1698, il a influencé les artistes et les architectes de toute l'Europe jusque dans les années 1800.

Le frontispice de la traduction anglaise de 1770 de Perspectiva Pictorum et Architectorum (Règles et exemples de perspective propres aux peintres et aux architectes) d'Andrea Pozzo, publié en 1693.

Art et architecture baroques : Concepts, styles et tendances

Baroque espagnol

Le baroque espagnol s'est distingué par son style particulier, alors qu'une ambiance sombre et, parfois même, lugubre régnait dans la culture espagnole. La guerre de quatre-vingts ans (1568-1648), au cours de laquelle les Espagnols ont tenté sans succès de conserver le contrôle des Pays-Bas, et la guerre anglo-espagnole (1585-1604), au cours de laquelle l'Armada espagnole, qui tentait d'envahir l'Angleterre, a été vaincue, ont asséché les finances espagnoles et créé une crise économique. Dans le même temps, le catholicisme est marqué par la sévérité de l'Inquisition. Dans l'architecture, la grandeur et la richesse de l'église sont mises en valeur, tandis que les Jésuites, un ordre connu à la fois pour son plaidoyer intellectuel en faveur de la Contre-Réforme et pour son prosélytisme chrétien, font un usage extrême de l'ornement pour accentuer la gloire religieuse. Un des premiers exemples notables est la chapelle San Isidro de Pedro de la Torre (1642-1669), qui combine un extérieur orné avec un intérieur simple qui utilise des effets de lumière pour transmettre un sentiment de mystère religieux. L'accent mis sur la décoration baroque devient encore plus dominant, comme le montre l'Obradoiro de Fernando de Casa Novo (1738-1750), ou la façade de la cathédrale de Santiago de Compostelo. Cette façade a eu une influence dans toute l'Europe et dans les colonies espagnoles d'Amérique latine, car la cathédrale, lieu de pèlerinage vénéré depuis des siècles, était l'église la plus célèbre d'Espagne.

La façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle de Fernando de Casa Novo (1738-1750).

Photo de Vasco Roxo

Les retables dorés étaient un élément remarquable de l'architecture baroque espagnole, comme le montre le retable de l'église San Esteban de Salamanque (1693) de José Benito Churriguer, qui utilise des colonnes hélicoïdales et un usage intensif de l'or dans une surface extrêmement élaborée. Le style qui en résulte, mettant l'accent sur une surface en mouvement, a été appelé "entallador" et a été adopté dans toute l'Espagne et l'Amérique latine.

Le retable de José Benito Churriguer (1693) dans l'église de San Esteban était composé de plus de 4000 pièces de bois.

Contrairement à l'architecture qui mettait l'accent sur la splendeur catholique, la peinture baroque espagnole insistait sur les limites et la souffrance de l'existence humaine. Elle s'est distinguée par son souci de réalisme, fondé sur une observation précise, et s'intéressait moins aux effets théâtraux qu'à un sens convaincant du drame humain. Le Caravage a eu une influence précoce sur des artistes comme Francisco Ribalta et Jusepe Ribera, bien que la plupart des artistes espagnols aient pris le clair-obscur et le ténébrisme comme point de départ et aient développé leur propre style. Les dernières œuvres de Ribera mettent l'accent sur une couche de tons argentés superposés à de chauds tons dorés, comme on peut le voir dans La Sainte Famille avec Sainte Catherine (1648).

Le Jeune mendiant de Bartolomé Esteban Murillo (1645-1650) illustre à la fois ses peintures de genre populaires et son utilisation d'une chaude lumière dorée.

Bartolomé Esteban Murillo a développé l'estilo vaporiso, ou style vaporeux, qui utilise une palette délicate, des contours adoucis et un effet voilé de lumière argentée ou dorée. Ses œuvres sont à la fois des sujets religieux, comme L'Immaculée Conception (1678), et des peintures de genre, où il représente souvent des gens de la rue, comme dans Le Jeune Mendiant (1645). Son œuvre était très populaire, en raison de son élégance et de sa sentimentalité, et il a cofondé l'Académie des Beaux-Arts de Séville en 1660. Après sa mort, Juan de Valdes Leal est devenu le principal peintre de Séville, bien que son œuvre soit axée sur le drame, comme La fin de la gloire mondaine (1672), une allégorie de la mort, qui fait de son œuvre une sorte de précurseur du romantisme. Francisco de Zurbaran a été surnommé "le Caravage espagnol" pour ses sujets religieux comme La Maison de Nazareth (1630), bien que ses compositions soient plus sévères et plus sobres et se concentrent souvent sur une figure ascétique solitaire.

La Vieille femme faisant frire des œufs (1618) de Diego Velázquez est une œuvre de jeunesse, remarquable par son observation réaliste et son effet presque photographique.

Le principal peintre du baroque espagnol est Diego Velázquez, dont l'œuvre comprend de nombreux sujets : des œuvres de genre comme Vieille femme faisant frire des œufs (1618), des peintures historiques d'événements contemporains comme La reddition de Breda (1634-1634), des œuvres religieuses comme Le Christ crucifié (1632), des portraits célèbres comme Le portrait d'Innocent X (1650) et Les Ménines (1656), et l'un des rares nus espagnols, La Vénus de Rokeby (1644-1648), sujet déconseillé dans l'Espagne catholique. S'il a commencé par utiliser le ténébrisme, il a développé sa propre technique magistrale, qui utilise une palette de couleurs relativement simple, mais qui met l'accent sur les tonalités et les coups de pinceau variés.

Baroque français et classicisme français

L'architecture était l'expression dominante du style baroque français. Appelé classicisme en France, il rejetait l'ornementation au profit de la proportion géométrique et de façades moins élaborées. Alors que Louis XIV a invité le Bernin à venir en France pour soumettre un projet pour son château de Versailles en 1661, le roi a choisi le projet classique de Louis Le Vau avec Charles Le Brun comme décorateur. En tant que directeur de la tapisserie des Gobelins, le travail de Le Brun a eu une influence dans toute l'Europe. La Galerie des Glaces (1678-1686) de Versailles comprend des peintures de Le Brun et devient la norme pour les intérieurs royaux français. De même, les jardins, disposés en grilles géométriques pour faire écho à l'architecture et la mettre en valeur, sont un autre élément remarquable de Versailles.

La vue aérienne du château de Versailles (1661-1710) montre la grandeur baroque du site combinée aux proportions géométriques préférées des Français pour leurs bâtiments et leurs jardins.

Photo par ToucanWing

Dans le domaine de la peinture, les artistes français s'orientent également vers une sobriété plus classique. Claude Lorrain, connu simplement sous le nom de Claude, et Nicolas Poussin, sont les peintres français les plus importants, bien que tous deux aient travaillé à Rome. L'œuvre de Claude mettait l'accent sur le paysage et les effets de la lumière, et ses sujets, qu'il s'agisse de thèmes religieux ou classiques, étaient simplement l'occasion de l'œuvre, mais pas son centre d'intérêt. Si Poussin a commencé à peindre dans un style baroque, vers le milieu de la trentaine, il a commencé à développer son propre style. Des œuvres comme son Paysage avec Orphée et Eurydice (1650-1651) véhiculent une rationalité calme qui a influencé le développement ultérieur du néoclassicisme.

Le Paysage avec Orphée et Eurydice (1650-1651) de Nicolas Poussin représente une histoire grecque classique dans un paysage idéalisé où les contrastes de lumière et d'obscurité créent un effet dramatique.

D'autres artistes français, notamment Georges de la Tour, ont été influencés par le ténébrisme du Caravage, mais se sont détournés de l'action et des effets dramatiques. Peignant principalement des sujets religieux, il a innové en explorant la lumière nocturne, en utilisant des compositions géométriques et des formes simplifiées pour transmettre une spiritualité calme et réfléchie. L'œuvre de La Tour était influente à son époque, puisque le roi Louis XIII, Henri II de Lorraine et le cardinal Richelieu étaient ses mécènes. Des peintres de genre comme les frères Le Nain ont également appliqué le style baroque de manière innovante. Louis, Antoine et Mathieu Le Nain collaboraient à la plupart de leurs œuvres et leurs scènes de genre mettaient l'accent sur le réalisme du travail quotidien, comme en témoignent Le forgeron à sa forge (vers 1639) et Le repas des paysans (1642).

Marie-Madeleine à la flamme fumante (vers 1640) de Georges de la Tour, qui la montre regardant la flamme d'une seule bougie tout en tenant un crâne sur ses genoux, évoque un moment de réflexion spirituelle.

Le baroque russe

Le baroque russe est également appelé baroque pétrinien, en l'honneur de Pierre le Grand qui a promu ce style lors de la reconstruction de Saint-Pétersbourg, lorsqu'il l'a nommée nouvelle capitale russe en 1712. Il avait été inspiré par le baroque français à la suite de sa visite de 1697-1698 à Versailles et aux châteaux de Fontainebleau. Le palais Menshikov (1711-1727) est devenu un exemple précoce et remarquable du baroque russe. Des architectes tels qu'Andreas Schluter, Gottfried Schadel et Jean-Baptiste Alexandre Le Blond sont les chefs de file de ce style. Après la mort de Pierre le Grand, le style s'est poursuivi, mais est devenu plus luxueux et plus orné, comme l'a conçu l'architecte principal, Bartolomeo Rastrelli. Le style a ensuite été appelé baroque élisabéthain en l'honneur de l'impératrice Élisabeth Petrovona et les exemples les plus célèbres sont la cathédrale Smolny (1748-1764) et le palais d'hiver (1754-1762).

L'entrée du palais d'hiver de l'impératrice Elizabeth Petrovna (1754-1762), conçue par Bartolomeo Rastrelli.

La peinture baroque flamande

La peinture est l'élément distinctif du baroque flamand, et son caractère particulier trouve son origine dans des forces historiques et culturelles. En 1585, les forces catholiques espagnoles ont repris Anvers dans les Flandres, ou l'actuelle Belgique, et la région catholique a été séparée de la République néerlandaise protestante. En conséquence, les artistes flamands ont peint à la fois des sujets religieux de la Contre-Réforme et des paysages, des natures mortes et des œuvres de genre qui s'inspiraient encore de la tradition de l'Europe du Nord.

Peter Paul Rubens a été à l'origine du développement de la peinture baroque flamande. Son style haut baroque, connu pour la richesse de ses couleurs, son exubérance sensuelle et son mouvement, a inspiré aussi bien ses peintures religieuses, comme la Descente de croix (1614), que ses sujets non religieux, comme le Jugement de Pâris (1636). Ses nus féminins de femmes mythologiques et bibliques étaient particulièrement renommés et influents, car ils combinaient la sensualité avec une complexité d'allégorie et d'allusion. L'élève le plus remarquable de Rubens était Anthony van Dyck, qui devint plus tard célèbre principalement pour ses portraits, marqués par une élégance courtoise. En 1630, il fut nommé peintre de la cour de la princesse d'Orange et, grâce à ses relations royales, il devint le peintre de la cour d'Angleterre et fut anobli par Charles Ier, le roi d'Angleterre, en 1632. Les artistes flamands ont également peint des scènes de genre, les plus connus étant Adriaen Brouwer, Jacob Jordaens et David Teniers le Jeune.

Peter Paul Rubens a combiné des éléments classiques et contemporains comme dans Le Jugement de Pâris (vers 1636), représentant le mythe grec où Pâris décide si Héra, Aphrodite ou Athéna est la plus belle.

L'âge d'or néerlandais

Rembrandt van Rijn : La Ronde de nuit (1642)

L'âge d'or néerlandais est le seul exemple de style baroque employé dans une région protestante et, de ce fait, il a adopté une approche très différente, tant en architecture qu'en peinture. L'âge d'or hollandais a débuté vers 1648 avec la fin de la guerre de Trente Ans, alors que la République néerlandaise, qui s'était séparée de l'Espagne en 1588, obtenait enfin son indépendance. Dans les décennies qui ont suivi, la République, alimentée par sa domination du commerce mondial, est devenue une puissance économique avec une classe moyenne en pleine ascension. L'architecture baroque néerlandaise s'inspire principalement des travaux de l'architecte vénitien de la Renaissance Andrea Palladio (souvent appelé le palladianisme néerlandais), tout en conservant quelques éléments gothiques pour créer un style monumental sobre. La peinture hollandaise mettait l'accent sur les scènes de la vie quotidienne et les sujets profanes, et était à l'avant-garde du développement du paysage, de la nature morte et de la peinture de genre. Les sujets religieux étaient le plus souvent représentés en gravure pour illustrer les textes bibliques. À la même époque, un certain nombre d'artistes néerlandais de premier plan, dont Rembrandt, Johannes Vermeer , Frans Hals et Salomon van Ruysdael, ont peint dans le style baroque, en utilisant le clair-obscur et le ténébrisme. Ce style est visible dans la Ronde de nuit de Rembrandt (1642).

Le projet de Jacob van Campen pour le palais royal (1646) d'Amsterdam est un exemple remarquable du palladianisme néerlandais. Il s'agit du tableau l'hôtel de ville d'Amsterdam de Gerrit Adriaensz Berckheyde (1638-1698)

Développements ultérieurs - Après l'art et l'architecture baroques

La période baroque s'est achevée avec l'émergence du rococo à Paris vers 1720. Certains spécialistes qualifient le rococo de "baroque tardif", mais il adopte un style très léger et divertissant lié à la vie de cour. Néanmoins, les artistes baroques ont continué à exercer une influence sur la période rococo, comme Rubens a influencé Jean-Antoine Watteau, François Boucher et Jean-Honoré Fragonard.

La période rococo ayant été suivie par le style néoclassique en l'espace de cinquante ans, de nombreux artistes baroques sont devenus obscurs et négligés. Rubens et Rembrandt ont été redécouverts dans les années 1800, Rubens ayant influencé les romantiques Théodore Géricault et Eugène Delacroix, et Rembrandt les impressionnistes et post-impressionnistes. Les peintures de paysages de Claude ont influencé J.M.W. Turner, et Velázquez a exercé une grande influence sur Édouard Manet, Pablo Picasso et Francis Bacon.

Diego Velázquez: Las Meninas (1656)

Le Caravage a lui aussi été redécouvert, mais pas avant le milieu des années 1900, et son œuvre a ensuite influencé des photographes, des cinéastes et des artistes. Un certain nombre d'architectes contemporains, dont I. M. Pei, Richard Meier et Frank Gehry, ont noté un regain d'intérêt pour l'œuvre architecturale du Bernin. Gehry l'a qualifié de "l'une de mes plus grandes influences". De même, des artistes contemporains comme Jenny Saville, Lisa Yuskavage et John Currin reflètent l'impact continu des œuvres de Rembrandt et de Rubens.