La peinture néerlandaise de l'âge d'or - Histoire et concepts

Commencé : 1600

Fini : 1672

Les débuts de la peinture néerlandaise de l'âge d'or

Prédécesseurs

La peinture du Siècle d'or néerlandais s'est nourrie d'un certain nombre d'influences artistiques, notamment les paysages et les scènes de village de Pieter Bruegel l'Ancien, l'œuvre du " Maître des petits paysages " anonyme et les artistes de la Renaissance d'Europe du Nord (tels que Jan van Eyck, Albrecht Dürer, Hieronymus Bosch et le caravagisme d'Utrecht). Cependant, il s'agit avant tout d'un reflet de la domination culturelle, économique et scientifique de l'âge d'or néerlandais.

Pieter Bruegel l'Ancien

Les peintures de Pieter Bruegel l'Ancien, qui représentent la vie ordinaire d'un village dans un paysage panoramique, ont eu une influence déterminante sur l'art du Siècle d'or hollandais, en favorisant la popularité des œuvres de genre et des paysages, ainsi que l'accent mis par les Hollandais sur la représentation réaliste de l'existence quotidienne. L'œuvre de Breugel utilise souvent le "paysage mondial", une construction qui combine des éléments spectaculaires du paysage européen, vus d'un point de vue élevé, comme on le voit dans sa Parabole du semeur (1557). Le "composite idéalisé du monde vu d'un seul coup d'œil olympien", comme le décrit l'historien de l'art Simon Schama, était souvent utilisé dans un contexte biblique ou historique.

La Parabole du semeur (1557) de Pieter Bruegel l'Ancien montre un paysan en bas à gauche, le dos tourné symboliquement à la vue spectaculaire des montagnes et de la vallée qui remplit le tableau, alors qu'il sème les graines de la foi.

Le maître des petits paysages

Cet artiste anonyme, surnommé "le maître des petits paysages" après la publication de ses deux volumes de Petits paysages en 1559 et 1561 à Anvers, a eu une influence notable sur les artistes de l'âge d'or néerlandais grâce à ses vues rapprochées de lieux néerlandais reconnaissables. L'accent mis sur les caractéristiques uniques des paysages, des villages et de la vie rurale néerlandais était lié à un sentiment croissant de fierté pour l'identité et les valeurs néerlandaises. Si les peintres de l'âge d'or hollandais utilisaient à la fois la vue panoramique et la vue rapprochée, même les artistes qui utilisaient l'approche panoramique le faisaient pour représenter des lieux réels avec des détails précis.

Le Paysage avec vue d'un village (1559-1561) du Maître des petits paysages représente un petit et humble village comme s'il était vu par un voyageur s'approchant sur la route au premier plan à gauche.

La Renaissance de l'Europe du Nord

Les gravures d'Albrecht Dürer ont eu un impact notable sur l'épanouissement de la gravure au Siècle d'or néerlandais. Rembrandt van Rijn s'est inspiré de ses techniques et de ses motifs et a même réinterprété la Vie de la Vierge de Dürer (1503-1505) dans son Siméon avec l'Enfant Jésus au Temple (vers 1639). La pratique consistant à inclure des scènes de la vie quotidienne ainsi que des natures mortes dans les œuvres de Robert Campin et de Jan van Eyck a influencé le développement du travail de genre et de la peinture de nature morte. Les artistes hollandais étaient connus pour prendre un élément comme le lys dans un vase dans le Triptyque de l'Annonciation de Campin (vers 1425) et en faire le seul sujet du tableau.

Le caravagisme d'Utrecht

Un certain nombre de peintres néerlandais d'Utrecht, dont Hendrick ter Brugghen, Dirck van Baburen, Matthias Stomer et Gerrit van Horthorst, ont passé le début du XVIIe siècle à Rome où ils ont été influencés par la technique du ténébrisme du Caravage, qui consiste à manipuler la lumière et l'obscurité dans un tableau pour créer l'illusion de projecteurs, ainsi que par ses sujets. De retour à Utrecht, ils réinterprètent les scènes de genre du Caravage représentant des musiciens, des gitans ou des joueurs de cartes, comme dans Le Joueur de luth (1622) de Dirck van Baburne, qui a influencé Frans Hals et Judith Leyster, entre autres.

Dirck van Baburen, dans des œuvres telles que Le joueur de luth (1622), a été le premier à populariser les œuvres de genre montrant des musiciens ou des joueurs de cartes.

Frans Hals

Frans Hals a été l'un des premiers pionniers de la peinture néerlandaise de l'âge d'or, tant dans ses portraits que dans ses œuvres de genre. Il est devenu célèbre avec son portrait de groupe Le Banquet des officiers de la compagnie de milice de Saint-Georges (1616), et a été très recherché comme portraitiste dans les décennies suivantes pour ses traitements réalistes et individualisés. Il mettait l'accent sur le moment où le personnage était capturé et sur l'utilisation de la lumière naturelle, représentée par un coup de pinceau visible, pour transmettre la vitalité. Son travail de genre est tout aussi novateur, comme le montre son Yonker Ramp and His Sweetheart (1623), qui représente un cavalier et sa dulcinée dans un moment de gaieté. Il a influencé de nombreux peintres de l'Âge d'or ultérieurs, dont Adriaen van Ostade, Adriaen Brouwer et Judith Leyster.

Jan Bruegel le Jeune

Le Siècle d'or néerlandais a été le pionnier de la stilleven, ou nature morte. Cet élément dominant de l'art hollandais s'est développé en un certain nombre de sous-types dont la nature morte florale était la plus populaire. Jan Bruegel l'Ancien, fils de Pieter Bruegel, a été l'un des premiers pionniers de la nature morte florale, dans des œuvres comme ses Fleurs dans un vase en bois (1606-1607). Dans cette œuvre, il a représenté un bouquet extravagant dans un cadre simple, en combinant des fleurs rares et communes, et en exposant les fleurs sans les faire se chevaucher pour montrer chaque fleur rendue avec une précision scientifique. Il voyageait souvent afin d'observer et de peindre des fleurs rares, son enthousiasme pour le sujet lui valent d'être surnommé le "Bruegel des fleurs". La nature morte florale était incroyablement populaire chez les Néerlandais, et leur enthousiasme pour la collection de spécimens botaniques mondiaux a été reproduit sur les marchés commerciaux, comme en témoigne la "folie des tulipes", une période extravagante d'enchères et de spéculation sur les bulbes de tulipes rares qui se vendaient pour des sommes exorbitantes.

L'âge d'or néerlandais

En 1568, le mouvement vers l'indépendance des Pays-Bas a commencé avec la rébellion religieuse des Sept Provinces protestantes (les Pays-Bas actuels) contre la domination catholique de l'Espagne des Habsbourg, qui a déclenché la guerre de Quatre-vingts ans. L'indépendance vis-à-vis de l'Espagne a été officiellement déclarée en 1581, mais le gouvernement espagnol n'a reconnu l'indépendance des Pays-Bas qu'en 1648, à la fin de la guerre. La religion a joué un rôle de premier plan dans le conflit, et l'église réformée néerlandaise ainsi qu'un sentiment croissant de nationalisme néerlandais ont influencé l'âge d'or. L'art a lui aussi pris des directions indépendantes, mettant l'accent sur des sujets profanes, dépeints non pas avec la grandeur catholique, mais en mettant l'accent sur la vie humaine ordinaire et les traitements réalistes.

La bataille navale contre les Espagnols près de Dunkerque le 18 février 1639 (1659) de Willem van de Velde The Elder représente les forces navales néerlandaises qui, en détruisant l'armada espagnole, ont établi la suprématie navale mondiale des Pays-Bas.

Anvers, un important centre économique, comme d'autres villes de la Belgique moderne, avait rejoint la rébellion contre l'Espagne, mais a été conquise par les forces espagnoles en 1585. Les termes de la reddition de la ville comprenaient une disposition selon laquelle tous les protestants devaient quitter la ville dans les deux ans. En conséquence, de nombreux artisans et riches marchands se sont rendus dans le nord d'Amsterdam, créant ainsi un afflux d'entreprises et de main-d'œuvre qualifiée. La République néerlandaise a également accueilli d'autres réfugiés, notamment les huguenots protestants de France, les juifs séfarades d'Espagne et du Portugal, et les pèlerins de Grande-Bretagne, et une vie culturelle florissante et tolérante s'est développée. L'église réformée néerlandaise mettait l'accent sur l'éducation dans le cadre de l'étude de la Bible par l'individu, et l'université de Leyde est devenue un centre de philosophie, d'exploration scientifique et de découverte. Les penseurs et les scientifiques néerlandais ont joué un rôle de premier plan dans de nombreux domaines, notamment le célèbre philosophe Baruch Spinoza, le physicien Christiaan Huygens et l'ingénieur hydraulique Jan Adriaanszoon Leeghwate. D'autres intellectuels célèbres dont les idées avaient fait l'objet d'un examen religieux dans leur pays, notamment le philosophe français René Descartes et l'anglais John Locke, devaient trouver refuge dans la tolérance intellectuelle de la République.

Le Portrait de Baruch Spinoza (vers 1665) d'un artiste inconnu montre le principal philosophe de l'époque. La famille de Spinoza était composée de Juifs portugais qui avaient trouvé refuge aux Pays-Bas.

Le commerce mondial était le moteur de la prospérité néerlandaise, puisque la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, la première société multinationale par actions qui a créé la première bourse de valeurs, a été créée en 1602. Les Hollandais commerçaient à la fois en Europe, où ils achetaient des stocks de céréales, et en Asie, où ils avaient le monopole du commerce. Les épices, la porcelaine chinoise, les récipients japonais et les spécimens botaniques rares font partie d'un style de vie prospère. Leur richesse avait également des sources plus tragiques, provenant de la colonisation des Amériques et du monopole sur le commerce des esclaves vers les Amériques.

Cette assiette armoriée (vers 1645-1655) de Willem Jansz témoigne de l'amour des Néerlandais pour la porcelaine chinoise, qui était appréciée dans les riches foyers et qui a conduit au développement de la faïence de Delft en bleu et blanc.

Mécénat

La classe moyenne et la classe marchande sont devenues les principaux consommateurs d'art, comme l'écrivait l'écrivain britannique Peter Munday en 1640 : "En ce qui concerne l'art de la peinture et l'affection du peuple pour les tableaux, je pense que personne ne les dépasse." La plupart des œuvres étaient à petite échelle pour décorer les maisons. Certains chercheurs estiment que des millions d'œuvres d'art ont été créées à cette époque, l'art étant également devenu un moyen de s'affirmer. De nombreuses personnes accrochaient leurs plus belles œuvres dans les grandes pièces de leur maison, où elles rencontraient le public ou faisaient des affaires. Si, au début des années 1600, les scènes bibliques étaient très demandées, au milieu du siècle dernier, le marché était dominé par les portraits, les paysages, les natures mortes et les œuvres de genre.

La peinture néerlandaise de l'âge d'or : Concepts, Styles et Tendances

La nature morte

Un certain nombre de sous-types notables ont été développés sous l'égide de la peinture hollandaise de nature morte, qui comprend les vanités, les natures mortes florales, les ontbijtjes ("pièces de petit déjeuner") et les Pronkstilleven (une présentation ostentatoire de nourriture et de vaisselle coûteuse).

La Nature morte de Harmen Steenwyck : Une allégorie des vanités de la vie humaine (vers 1640) illustre non seulement le genre, mais reflète aussi les préférences de Leyde, en incluant des livres et des instruments de musique pour mettre l'accent sur le savoir humain et l'art.

Les peintures Vanitas étaient des natures mortes qui combinaient des objets finement ouvragés avec le symbolisme chrétien pour transmettre un message moral sur le caractère éphémère de la vie terrestre. Vanitas, qui signifie "vanité", s'inspire de l'avertissement biblique de l'Ecclésiaste selon lequel "tout est vanité", et ces peintures étaient un genre essentiellement protestant. Leyde, une ville néerlandaise connue pour son université qui jouait un rôle théologique important, est devenue un centre artistique précoce pour la peinture vanitas, comme le montre la Still Life de Harmen Steenwyck : Allégorie des vanités de la vie humaine (vers 1640). Le motif est devenu populaire dans tous les Pays-Bas, bien que chaque ville ait eu ses préférences en matière d'objets à inclure, comme Amsterdam qui préférait les fleurs, et La Haye, connue pour être un marché, qui préférait inclure de la nourriture, en particulier du poisson.

 Les scènes représentant des tables somptueuses étaient très populaires auprès des mécènes hollandais, et un certain nombre de sous-genres se sont développés, montrant des pièces de dîner, des pièces de petit déjeuner tardif, et la scène de marché. Les pièces de petit-déjeuner sont parmi les plus remarquables sur le plan artistique, en raison de l'importance qu'elles accordent à la composition et au traitement de la lumière. L'un des chefs de file du genre est Willem Claesz Heda, comme en témoigne sa Nature morte aux huîtres, au rhumier, au citron et au bol en argent (1634). Pieter Claesz est un autre grand partisan de ce style, bien que ses œuvres mettent souvent l'accent sur le thème de la vanité.

Le Petit-déjeuner (1648) de Willem Claesz Heda, qui montre une nappe en damas et de la verrerie fine, notamment un bol chinois bleu et blanc, illustre la vie confortable de la classe marchande dans une composition visuellement attrayante.

Le Pronkstilleven, qui signifie "nature morte ostentatoire", est né à Anvers et a été rapidement repris par la République néerlandaise. Les objets rares ou désirés obtenus par le commerce étaient souvent inclus, parmi une pléthore d'objets comprenant de la vaisselle coûteuse, des fruits et des fleurs rares et communs, des mets délicats et du gibier, le tout symbolisant un style de vie riche. Jan Davidsz de Heem était l'un des chefs de file de ce style à Amsterdam, comme en témoigne sa Table de desserts (1640). Willem Kalf a également joué un rôle dans le développement du genre, bien que son travail ait mis l'accent sur de petits groupements d'objets rares, comme on peut le voir dans Pronk Still Life with Holbein Bowl, Nautilus Cup, Glass Goblet and Fruit Dish (1678).

La Table des desserts (1640) de Jan Davidsz de Heem représente non seulement une abondance débordante de mets délicats, mais aussi des instruments de musique coûteux, de la vaisselle et un grand bol chinois bleu et blanc.

Les artistes les plus connus pour leurs natures mortes florales sont les femmes Maria van Oosterwijck, Rachel Ruysch et Maria Sibylla Meria. Rachel Ruysch était internationalement reconnue pour ses natures mortes florales qui utilisaient des compositions asymétriques et les effets de la lumière pour créer un sentiment de mouvement énergique. Elle a également connu un grand succès, ses œuvres atteignant des prix plus élevés que celles de Rembrandt van Rijn. Les pièces florales de Maria van Oosterwijck évoquent souvent des significations allégoriques et religieuses, comme dans sa Vanitas-Nature morte (1668), qui combine puissamment ces deux sous-types. Maria Sibylla Meria a privilégié une approche scientifique dans ses représentations de spécimens botaniques et zoologiques. Elle est aujourd'hui reconnue comme l'une des premières fondatrices de l'entomologie, étant la première à enregistrer le cycle de vie réel du papillon et d'autres espèces.

Le Vase aux fleurs de Rachel Ruysch (1700) associe une observation précise de chaque pétale à un sens aigu de la couleur.

Peinture de paysage

Au début des années 1600, le paysage est dominé par le "style tonal", dont Esaias van de Velde est le pionnier. Ce style, comme le montre sa Vue de Zierikzee (1618), mettait l'accent sur le ciel et représentait le paysage avec des contours flous, le tout baignant dans une couleur et une atmosphère unifiées. Ce style a été largement adopté, notamment par son élève Jan van Goyen, qui allait créer des œuvres dans la même veine, comme le Paysage de dunes (1629).

Le Paysage de dunes de Jan van Goyen (1629) est un exemple de la "mise au point douce" du style tonal.

Au milieu du XVIIe siècle, le paysage néerlandais a adopté ce que l'on a appelé un "style classique", inspiré et illustré par les œuvres de Jacob van Ruisdael. Tout en conservant un effet atmosphérique, ses œuvres mettent l'accent sur la composition, souvent centrée sur un moulin à vent, un arbre ou une tour "héroïque", et sur de forts contrastes entre l'obscurité et la lumière, comme on le voit dans son Moulin à vent à Wijk bij Duurstede. 

Le Moulin à vent de Wijk bij Duurstede (vers 1670) de Jacob van Ruisdael est un exemple du style classique et démontre également la remarquable observation de l'artiste des détails précis du mouvement aéronautique et hydrologique.

En même temps, il recourt à l'observation scientifique. L'œuvre de Van Ruisdael était à la fois prolifique et variée, puisqu'il a peint non seulement des paysages hollandais et des paysages marins, mais aussi des scènes de forêts nordiques et des montagnes. Il était également un professeur réputé, puisque son élève Meindert Hobbema est devenu un paysagiste de renom.

Haarlem et les champs de blanchiment (vers 1670-1675) de Jacob von Ruisdael utilise une perspective élevée et une vue panoramique pour représenter la ville de Haarlem et l'activité dans les champs de blanchiment, que les villageois ont recouverts de pièces de lin à blanchir.

Les paysages étaient si populaires que de nombreux sous-genres se sont développés, y compris des sous-genres généraux comme la scène au clair de lune, la scène de village, la scène de ferme et les scènes de forêt, ainsi que des genres spécifiques à un site comme les Haerlempjes, des paysages comprenant une vue de Haarlem, qui était auparavant orthographié Haerlem. Haarlem avec les champs de blanchiment (vers 1670-1675) de Jacob von Ruisdael est un exemple remarquable de ce genre.

Les sous-types les plus importants, qui ont influencé les mouvements artistiques et les artistes ultérieurs, sont les paysages urbains, les paysages avec des animaux au premier plan et les paysages italiens. 

Les paysages urbains néerlandais mettent souvent l'accent sur la vie urbaine, comme le montre La cour d'une maison à Delft (1658) de Pieter de Hooch. Les quelques paysages urbains de Jan Vermeer comprennent à la fois une vue plus panoramique de la ligne d'horizon, comme dans La vue de Delft (vers 1660-61), et une vue d'une rue de la ville, dans La petite rue (vers 1658).

La Petite rue de Jan Vermeer (vers 1658) dépeint un quartier ordinaire qu'il connaissait bien, puisque sa tante et sa famille vivaient dans la maison à droite.

Jan Both, chef de file des paysages italiens, a été influencé par Claude Lorrain, avec qui il a étudié à Rome. Les deux peintres ont produit des vues de paysages italiens idéalisés, contenant souvent des ruines classiques baignant dans une lumière dorée. Ce style, illustré par le Paysage italien avec vue sur un port de Both (1640-1652), était particulièrement apprécié des mécènes patriciens, et les gravures reproduisant des paysages italiens étaient parmi les plus populaires de l'époque.

Un certain nombre d'artistes se sont spécialisés dans la peinture de paysages où les animaux domestiques, généralement des vaches et des chevaux, occupent une place importante au premier plan. Aelbert Cuyp est un maître reconnu du genre, comme en témoignent ses Vaches dans une rivière (vers 1650). Les paysages des mécènes néerlandais étaient souvent liés à un sentiment de fierté nationale et comprenaient des éléments symbolisant diverses valeurs néerlandaises. Par exemple, la vache était considérée comme un symbole de la prospérité et des vertus de la vie rurale néerlandaise. De même, l'accent dramatique mis par Rembrandt sur un moulin à vent dans Le Moulin (1645-1648) évoque un symbole identitaire des Pays-Bas.

Les vaches dans une rivière d'Aelbert Cuyp (vers 1650) ont influencé des artistes ultérieurs, dont John Constable, et de nombreux peintres de Barbizon qui ont peint des scènes similaires de bétail pataugeant dans une rivière ou un étang.

Imprimerie

S'inspirant de la tradition nord-européenne de la gravure, les grands graveurs de l'âge d'or hollandais étaient Hercules Segers, Jacob van Ruisdael et, dominant presque tous les graveurs de l'époque, Rembrandt. Aussi célèbre pour ses gravures que pour ses peintures magistrales, Rembrandt était à la fois innovant et prolifique. Il traitait la plaque comme une toile, laissant de l'encre sur la plaque pour varier les différentes impressions d'une même gravure. Il a également retravaillé les plaques de manière innovante en grattant les zones gravées et en les redessinant à la pointe sèche. Ses sujets étaient aussi variés que ses peintures, incluant des scènes bibliques, des paysages, des portraits comme Jan Lutma (1656), des scènes de genre comme Goldsmith (1655), et des nus comme son Nu féminin couché (1658).

La mise au tombeau (vers 1654) de Rembrandt montre la deuxième version de l'estampe, les personnages mis en évidence émergeant de l'obscurité.

Innovateur tant dans ses paysages imaginaires que dans ses techniques d'impression pionnières, Hercules Segers a été décrit par l'historienne de l'art contemporain Nadine Orenstein comme "l'un des esprits artistiques les plus fertiles de son époque". Il a été le premier à utiliser un procédé de gravure à trois tons et une méthode précoce d'impression en taille-douce pour créer ce que l'on appelait des "peintures imprimées". En utilisant différentes couleurs de papier, qu'il peignait avant l'impression, puis en peignant l'impression elle-même à l'aquarelle, il créait des paysages lumineux en fonction de l'atmosphère et de la lumière du moment de la journée. Rembrandt admirait et collectionnait un certain nombre de ses estampes, comme en témoigne la réutilisation de l'estampe de Seger, Tobias et l'ange (vers 1633), dans sa propre œuvre, La fuite en Égypte (1653).

Le paysage rocheux avec une route et une rivière d'Hercules Segers (vers 1622-1625) utilise son procédé unique d'impression en trois tons pour dépeindre un paysage imaginaire dans la lueur du petit matin.

Les gravures de paysages de Jan van Ruisdael étaient également très admirées et ont eu une influence durable sur la peinture de paysage ultérieure. L'observation précise de ses lieux méticuleusement rendus, combinée à leur effet lumineux, comme on le voit dans son Marais forestier avec des voyageurs sur un banc (années 1640-1650), a eu une influence notable sur des artistes ultérieurs comme John Constable et ceux de l'école de Barbizon.

Le Marais forestier avec des voyageurs sur un banc (années 1640-1650) de Jacob van Ruisdael met l'accent sur l'énergie de l'arbre "héroïque" situé juste à gauche du centre, au feuillage précisément délimité, tout en transmettant la lumière qui scintille sur l'eau qui s'incurve au centre.

La peinture historique

Alors que l'académie considérait la peinture historique, une catégorie qui comprenait également les sujets bibliques, mythologiques et allégoriques, comme la plus haute forme de peinture, le goût et la sensibilité de l'âge d'or hollandais préféraient les œuvres représentant des sujets ordinaires. Néanmoins, des chefs-d'œuvre de la peinture historique ont été créés à cette époque, notamment par Rembrandt. S'étant d'abord concentré sur la peinture d'histoire, il a connu le succès en tant que portraitiste, mais son intérêt pour la peinture d'histoire ne s'est jamais démenti, comme en témoignent son Aristote contemplant le buste d'Homère (1653) et sa Lucrèce (1664). La catégorie permettait également de peindre des nus, et ses œuvres comme Bethsabée tenant la lettre du roi David (1654) sont les rares chefs-d'œuvre de nudité de l'époque.

La Lucrèce de Rembrandt van Rijn (1664) est la première des deux œuvres qu'il a peintes d'après le récit romain. Ici, Lucrèce est représentée juste avant son suicide, après avoir révélé à son mari et à sa famille qu'elle avait été violée.

Peinture de genre

L'âge d'or néerlandais a développé l'art de la peinture de genre. Il s'agit d'œuvres représentant des musiciens, des scènes de taverne, des femmes au foyer dans des intérieurs calmes, des scènes de cour, des occasions festives et des scènes de bordel, pour n'en citer que quelques-unes. Les scènes de vie villageoise de Pieter Bruegel, qui soulignent souvent la folie humaine, ont influencé le développement de ce que l'on appelait les kleyne beuzelingen, ou petites bagatelles. Frans Hals est à l'origine de cette évolution de la peinture de genre, comme en témoignent ses Joyeux compagnons à la fête de Noël (vers 1616-17). Judith Leyster, l'une des deux seules femmes à avoir été admises à la guilde des peintres du XVIIe siècle, était également un peintre de genre réputé, spécialisé dans les musiciens, les enfants en train de jouer et les couples joyeux. Souvent, la peinture de genre adopte un thème moralisateur, qu'il s'agisse de dépeindre la turpitude morale avec un effet comique, comme dans La maison dissolue de Jan Steen (v. 1663-1664), ou de souligner la vertu, comme dans Intérieur avec un jeune couple de Pieter de Hooch (v. 1662-1665).

Bien qu'elle ait été l'un des peintres de genre les plus estimés et les plus appréciés de l'époque, Judith Leyster a disparu de l'histoire de l'art ultérieurement, car ses œuvres, dont Le couple heureux (1630), présenté ici, ont été attribuées à Frans Hals.

Développements ultérieurs - Après la peinture néerlandaise de l'âge d'or

L'âge d'or néerlandais a commencé à décliner avec le début de la guerre franco-néerlandaise, lorsque les Français ont envahi les Pays-Bas en 1672. Pour expulser les envahisseurs, les Néerlandais ont brisé les digues, inondant ainsi une grande partie du pays, ce qui explique que les Néerlandais appellent toujours 1672 "l'année du désastre". L'économie s'effondre, tout comme le marché de l'art, ce qui a des répercussions sur les artistes, dont Vermeer, qui fait faillite. À la fin de la guerre en 1678, la puissance néerlandaise avait été sévèrement diminuée et le marché de l'art ne s'est jamais rétabli.

Néanmoins, les œuvres de genre hollandaises ont influencé les peintres français, notamment Jean Siméon Chardin, Jean Baptiste Greuze et Jean Honoré Fragonard, alors que le style rococo, mené par les Français, devenait dominant au début des années 1700. Cependant, en général, les œuvres de nombreux maîtres hollandais, dont Rembrandt, Hals et Vermeer, sont tombées en disgrâce à la fin du XVIIe siècle et au XVIIIe siècle. Le raffinement classique étant privilégié, le coup de pinceau de Hals est critiqué pour son côté bâclé et les critiques s'offusquent de l'humanisme grinçant de Rembrandt.

Rembrandt a été redécouvert au cours du mouvement romantique au début des années 1800. Le critique William Hazlitt l'a décrit comme "un homme de génie" qui "prenait n'importe quel objet, quel qu'il soit, quelle qu'en soit la forme, la couleur et l'expression, et de la lumière et de l'ombre qu'il y mettait, il sortait magnifique de ses mains". En conséquence, Rembrandt a informé Eugène Delacroix et J.M.W. Turner, par ce que Turner a appelé son "voile de couleur incomparable". Son influence sur les artistes s'est poursuivie tout au long du 19e siècle, touchant Vincent van Gogh, Auguste Rodin et l'Américain Thomas Eakins, et au 20e siècle, où il a eu un impact sur le travail de Pablo Picasso, Frank Auerbach, Francis Bacon et d'innombrables autres.

Jacob van Ruisdael a été redécouvert à la fin du XVIIIe siècle par John Constable, qui possédait quatre des gravures de l'artiste et en a copié un certain nombre d'œuvres. Par la suite, les paysages de Van Ruisdael ont eu une influence majeure sur l'école de Barbizon et l'école de la rivière Hudson.

En 1842, le critique d'art Théophile Thoré-Bürger redécouvre Vermeer, qu'il surnomme "le Sphinx de Delft", ainsi que d'autres peintres néerlandais du Siècle d'Or, dont Hals et Carel Fabritius. En conséquence, un certain nombre d'artistes, dont Gustave Courbet, James Abbott McNeill Whistler, Édouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro et Claude Monet, ont été influencés par la représentation réaliste de la vie ordinaire et les effets de la lumière. Le style brut de Hals a eu une influence notable sur les artistes ultérieurs du mouvement réaliste, notamment Gustave Courbet et Manet, ainsi que sur les impressionnistes Monet et Mary Cassatt.

En outre, les natures mortes néerlandaises ont eu un impact notable sur l'art occidental, puisque le sujet est resté populaire jusqu'à l'ère moderne, comme en témoignent les œuvres de Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Emil Nolde, Giorgio Morandi et la Variation sur une nature morte de de Heem (1915) d'Henri Matisse. La peinture de paysage néerlandaise a influencé le développement de l'école de Barbizon, de l'école de la rivière Hudson, du tonalisme et du luminisme.

Œuvres d'art et artistes de la peinture néerlandaise de l'âge d'or

Le joueur de luth

Artiste : Frans Hals - 1623

Huile sur toile - Musée du Louvre, Paris

Cette œuvre de genre représente un joueur de luth, le corps tourné vers le spectateur, tandis qu'il regarde gaiement à sa gauche. L'ouïe du luth, sculptée de manière complexe, occupe la moitié inférieure de la toile, tandis que la diagonale créée par le cou du luth qui s'étend hors du cadre donne une impression de mouvement. Le joueur semble être en plein mouvement, sa main droite grattant les cordes, sa main gauche jouant un accord sur le manche, tandis qu'il penche la tête de côté en souriant. Le motif rouge et noir de son costume de bouffon, marqué par des boutons jaunes proéminents, ajoute à l'air festif et divertissant, tandis que la lumière claire renforce le sentiment d'immédiateté.

La technique de peinture de Frans Hals, surnommée le "style brut", était innovante, car il utilisait des coups de pinceau rapides et libres pour créer un mouvement énergique. Son œuvre a transformé le genre introduit par Dirck van Buburen, car ses personnages se déplaçaient de manière réaliste, pris au milieu de l'action. Comme l'a écrit la critique d'art Roberta Smith, "principalement grâce au recadrage et à l'agrandissement, ces œuvres élèvent la peinture de genre à une forme de portrait clairvoyant... et dans leur sens du mouvement, elles préfigurent parfois l'instantané moderne".

D'autres peintres néerlandais de l'époque, dont David Bailly et Jan Steen, ainsi que l'Adrian de Lelie du XIXe siècle, ont copié cette œuvre ou en ont incorporé certains aspects. Le style brut de Hals a eu une influence notable sur les artistes ultérieurs du mouvement réaliste, dont Courbet et Manet, et du mouvement impressionniste, dont Monet et Mary Cassatt. Robert Henri, qui faisait partie du groupe américain des Huit, s'est rendu à Haarlem pour étudier le travail de Hals, dont l'influence est apparente dans la Jeune fille hollandaise en blanc (1907) d'Henri.

Autoportrait

Artiste : Judith Leyster - 1630

Huile sur toile - The National Gallery of Art, Washington DC

Cet autoportrait montre l'artiste à son chevalet, se tournant à mi-corps, le pinceau à la main, pour faire face au spectateur. La diagonale de son torse lorsqu'elle se tourne, le jeu de lumière suggérant le mouvement de son col en dentelle et de sa manche, et l'expression de son visage, lèvres ouvertes comme si elle commençait à sourire, créent un sentiment d'immédiateté vivante. Sur le chevalet à droite, un musicien animé, vêtu de bleu, joue du violon et chante. La peinture dans la peinture souligne encore plus l'autoprésentation de Leyster en tant que maître de la peinture de genre. Elle compare ici de manière innovante les arts de la musique et de la peinture dans les diagonales en écho de l'archet du musicien et du pinceau du peintre, tandis que son utilisation du recadrage donne à la peinture l'apparence presque aussi spontanée qu'un instantané.

Le traitement de Leyster est une innovation notable de l'autoportrait car, en fait, elle commercialise sa marque, le musicien représenté ici étant copié de son œuvre la plus populaire, Le couple heureux (1630). Dans le même temps, des radiographies ont montré que le tableau sur le chevalet était à l'origine un portrait de fille, probablement un autoportrait, et comme l'a écrit le critique d'art Peter Schjeldahl, "l'effacement littéral raconte une histoire mélancolique, mais le tableau est une joie et, rétroactivement, une icône féministe." Le pinceau de l'artiste pointe vers l'entrejambe du musicien, une allusion paillarde courante à l'époque. Sous les surfaces vibrantes de Leyster, note Schjeldahl, "les angoisses sociales et sexuelles vibrent avec l'immédiateté d'une alarme incendie".

Dans les années qui suivent sa mort, l'œuvre de Leyster disparaît, ses œuvres étant attribuées à Frans Hals ou à son mari, le peintre Jan Miense Molenaer. En 1893, le Louvre a acheté Le couple heureux (1630), croyant qu'il s'agissait d'une œuvre de Hals, pour découvrir la signature et la marque de fabrique de Leyster, un symbole d'étoile jouant sur la signification de son nom de famille "lodestar". Bien que l'œuvre ait été très appréciée par les critiques lorsqu'elle était attribuée à Hals, ils l'ont ensuite rétrogradée pour sa "faiblesse". Des spécialistes féministes de l'art, comme Linda Nochlin, et des artistes comme les Guerrilla Girls ont, à partir des années 1970, relancé l'intérêt pour l'œuvre de Leyster.

La leçon d'anatomie du Dr. Nicolaes Tulp

Artiste : Rembrandt van Rijn - 1632

Huile sur panneau - Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Cette peinture emblématique montre le Dr Tulp donnant une leçon d'anatomie, alors que les pinces de sa main droite soulèvent un tendon du bras partiellement disséqué d'un homme qui a été exécuté pour vol à main armée plus tôt ce matin-là. Tulp regarde les sept hommes rassemblés autour du cadavre tandis que sa main gauche fait des gestes pour expliquer un point anatomique. Les hommes, dont les cols blancs et les vêtements fins indiquent leur richesse, regardent dans diverses directions. Les trois hommes les plus proches du centre sont penchés vers l'avant, comme s'ils regardaient les mains de Tulp, tandis que les deux autres, à l'arrière, regardent vers le spectateur. Les deux personnes à l'extrême gauche, représentées de profil, font face à Tulp mais semblent regarder au-delà de lui, hors du cadre de l'image. Il en résulte un sentiment de mouvement dynamique et de complexité psychologique, car personne ne retourne le regard de Tulp ou ne regarde directement le cadavre pâle. L'umbra mortis, ou ombre de la mort, remplit le centre de la toile. Le corps de l'homme, dont les parties génitales sont recouvertes d'un morceau de lin blanc, évoque l'iconographie de la mort du Christ, bien qu'ici, le corps soit oublié, en même temps que son bras disséqué traduit sinistrement la réalité de la mort.

Dans cette œuvre, Rembrandt a transformé de manière innovante le portrait de groupe en se concentrant de manière spectaculaire sur l'événement en pleine action, plutôt que de simplement présenter une scène posée. En conséquence, l'œuvre devient une mise en scène, une sorte de documentaire graphique et un portrait magistral.

La Guilde des chirurgiens d'Amsterdam a commandé ce portrait de groupe, le premier portrait important de Rembrandt dans la ville. Les hommes ont assisté à la dissection publique annuelle de la guilde en 1632, présidée par le Dr Tulp, l'anatomiste de la ville. Dans la Hollande du XVIIe siècle, les cours d'anatomie étaient des événements sociaux notoires, accompagnés de musique, de conversation, de nourriture et de vin, qui se déroulaient dans les salles de conférence des théâtres et auxquels assistaient ceux qui pouvaient se permettre de payer l'entrée. L'apparence bien habillée de ces hommes, leurs cols blancs et leurs robes fines, témoignent de leur importance sociale, et pourtant, ils sont présentés comme s'ils étaient à la fois sensationnels et distraits, leur humanité éclipsant leur statut.

Manet a peint une copie de ce tableau en 1856 après l'avoir étudié lors d'un voyage aux Pays-Bas, et le réaliste américain Thomas Eakins a également été influencé par ce tableau pour peindre sa Clinique grossière (1875). L'homme exécuté Kindt a également pris une sorte de vie culturelle ultérieure, évoquée dans Les anneaux de Saturne (1999) de W. G. Sebald et dans La leçon d'anatomie (2014) de Nina Siegal, qui raconte son histoire.

Paysage de dunes près de Haarlem

Artiste : Jacob van Ruisdael - 1649

Huile sur toile - Musée du Louvre, Paris

Ce paysage, qui montre un chasseur et ses chiens escaladant une dune sur la droite, se concentre principalement sur le grand arbre au centre du cadre. Son volume épais se balance vers la gauche, attirant notre attention sur la ligne d'horizon de Haarlem au loin. À droite de l'arbre, la route ensoleillée s'incurve vers l'horizon et attire notre regard vers les cumulus dont les formes ondulantes et énergiques font écho au feuillage dense des deux arbres. Il en résulte un sentiment de grande énergie alors que, simultanément, l'élément figuratif du chasseur et de ses chiens transmet un sentiment de vie ordinaire en harmonie avec la nature alors qu'ils marchent vers la ferme aperçue au bout de la route sinueuse.

Avec son sens aigu de la composition, cette œuvre illustre la phase classique de Ruisdael. Sa technique innovante consistait à appliquer la peinture en couches épaisses afin d'accumuler des couches d'ombre et de lumière pour créer une impression de profondeur et de profusion de végétation. Dans le même temps, il recourt à l'observation scientifique, dépeignant des arbres botaniquement identifiables, ce qui amène l'historien de l'art Kenneth Clark à le décrire comme "le plus grand maître de la vision naturelle avant Constable".

Prolifique, van Ruisdael a travaillé dans presque tous les genres de la peinture de paysage du Siècle d'or néerlandais. Il a contribué à créer des motifs distincts, comme la représentation des moulins à eau. Il a influencé les artistes de son époque et son travail a eu un impact notable sur l'école de Barbizon et l'école de la rivière Hudson. Les artistes Thomas Gainsborough, J.M.W. Turner et John Constable ont tous étudié et copié ses paysages. Il a également influencé les impressionnistes, dont Monet, et le post-impressionniste Vincent van Gogh.

Bethsabée à son bain

Artiste : Rembrandt van Rijn - 1654

Huile sur toile - Musée du Louvre, Paris

Également appelée Bethsabée avec la lettre du roi David, cette peinture représente Bethsabée nue dans son bain, tandis qu'elle médite pensivement sur la lettre du roi dans sa main droite. Les riches couleurs, les draperies de cuivre et d'or en arrière-plan, auxquelles fait écho l'or étincelant des bijoux de Bethsabée, soulignent l'éclat lumineux de son corps nu. L'utilisation du clair-obscur, avec le lin blanc contrastant avec le fond sombre et les reflets de sa peau contrastant avec les plis légèrement ombragés du tissu, crée une présence sensuelle. Le corps est ici presque palpable, attirant le regard du spectateur. Le tableau s'inspire du récit biblique selon lequel le roi David, ayant vu Bethsabée se baigner, lui ordonna de venir dans son palais, bien qu'elle fût mariée à l'un de ses généraux, Urie. Lorsqu'elle a obéi et est tombée enceinte, David a envoyé son mari au front pour qu'il soit tué et qu'il puisse l'épouser. Leur enfant est mort-né et David, conscient de son péché, fait pénitence en s'asseyant en haillons et en cendres à la porte de la ville pendant un an. Pour les spectateurs religieux de l'époque, l'histoire biblique familière aurait ajouté un sentiment de présage fatal au moment dépeint ici, comme si Bethsabée réfléchissait non seulement à son dilemme moral et personnel, mais aussi à ce qui allait suivre. La servante, agenouillée à gauche pour lui laver le pied, a le regard discrètement baissé dans l'obscurité, comme si elle était consciente de la signification de la lettre.

À contre-courant de son époque, Rembrandt est le seul grand artiste du nu du Siècle d'or hollandais, bien qu'il ait transfiguré le genre en créant, comme l'a noté Simon Schama, "la première représentation d'une femme qui pense." On pense que le modèle de cette peinture est Hendrickje Stoffels, la compagne de Rembrandt, bien que cette attribution continue d'être débattue. Néanmoins, l'œuvre transmet l'intimité de la présence et de la pensée.

Cette œuvre a influencé La Nymphe surprise de Manet (1859-1861), la Femme aux cheveux peignés de Degas (vers 1885), La Toilette de Frédéric Bazille (1870) et le Nu assis et autre personnage de Picasso (1963). Picasso était particulièrement influencé par Rembrandt, qu'il prenait pour une sorte d'alter ego, affirmant que "tout peintre se prend pour Rembrandt."

Le Chardonneret

Artiste : Carel Fabritius - 1654

Huile sur panneau - Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Ce petit tableau représente un chardonneret européen, peint à l'échelle et mesurant environ 10 cm de long, perché sur sa mangeoire, à laquelle il est attaché par une fine chaîne en or qui s'enroule autour de l'anneau en laiton qui maintient la boîte en place. L'oiseau, représenté de profil, se tourne vers le spectateur avec une expression alerte et évocatrice.

Connu pour sa peinture innovante des effets de la lumière, Fabritius a utilisé ici la lumière et l'ombre véhiculées dans des tons subtils pour créer un effet tridimensionnel. Il a également utilisé des trompe-l'œil pour que le tableau semble réel, car il était accroché dans la cuisine, légèrement au-dessus du niveau des yeux, où les Hollandais gardaient souvent des chardonnerets comme animaux de compagnie. Comme l'a écrit Marco della Cava à propos de l'œuvre, il s'agit d'un "rendu austère et légèrement moderniste", avec son immédiateté fraîche et simple, mais le public calviniste de l'époque aurait également considéré le chardonneret comme un symbole de la résurrection, puisque ses taches rouges et le fait qu'il se nourrisse de chardons étaient associés à la passion du Christ.

Fabritius n'avait que trente-deux ans lorsqu'il a été tué et la plupart de ses œuvres ont été détruites lors d'une explosion de poudre à canon en 1654 à Delft, qui a détruit un quart de la ville. Néanmoins, il était l'un des élèves les plus admirés de Rembrandt et a influencé Vermeer.

Cette peinture énigmatique est au centre du roman de Donna Tartt, Le Chardonneret (2013), qui fait l'objet d'un long métrage du même titre.

Autoportrait

Artiste : Rembrandt van Rijn - 1659

Huile sur toile - The National Gallery of Art, Washington DC

Cet autoportrait représente l'artiste, coiffé d'un béret et vêtu d'un beau manteau au col relevé, le corps de profil de trois quarts, faisant face au spectateur avec un regard complexe. Son front légèrement froncé et ses yeux profonds expriment une force et une intensité résolues, tandis que la lumière, qui éclaire son visage dans de riches variations de tons chair avec des touches de rose, évoque la vitalité. Le tableau est fortement composé, sa forme pyramidale est soulignée par la lumière sur son épaule gauche et ses mains jointes éclairées, rendues de manière quelque peu impressionniste. Le fond brun, bien que sombre, est riche et varié du point de vue atmosphérique et contrebalance les tons plus sombres de son manteau. Il semble être entouré d'une sorte de gravité qui met en valeur son visage illuminé et lui donne un air de dignité.

Rembrandt avait frôlé la ruine financière en 1659, puisque l'année précédente, sa maison et ses biens avaient été vendus aux enchères pour payer ses créanciers, et la qualité sombre de cette œuvre, tout en reflétant, peut-être, la profonde auto-évaluation qui a suivi, est simultanément une déclaration de maîtrise artistique. En 1639, Rembrandt rencontre Balthasar Castiglione (1514-1515) de Raphaël, un portrait remarquable de l'érudit humaniste, connu comme un représentant idéal de la "maîtrise nonchalante" de la Haute Renaissance.

 Par la suite, Rembrandt a réalisé plusieurs esquisses de l'œuvre, ainsi qu'une gravure Autoportrait appuyé sur un seuil de pierre (1639), qui le représente dans une pose similaire, portant un béret similaire, mais plus contemporain, et des vêtements sombres. Cette œuvre devient, en fait, la réponse de Rembrandt à la Haute Renaissance.

Rembrandt est le plus grand portraitiste du Siècle d'Or hollandais, et presque moderne par l'importance qu'il accorde aux autoportraits, peints de manière continue tout au long de sa carrière. Il a influencé Van Gogh et Rodin et a eu un impact notable sur le XXe siècle en influençant Frank Auerbach, qui a loué ce qu'il appelait la "vérité brute" de l'artiste, et Francis Bacon. Comme l'a noté l'historienne de l'art Pilar Ordovas, "Rembrandt a été crucial pour Bacon en termes de marquage et de manipulation de la peinture". Dans cette œuvre tardive, son coup de pinceau est lâche et presque impressionniste, comme l'a écrit le critique d'art Mark Hudson : "Pourtant, c'est aussi la trajectoire que nous attendons de l'art : s'éloigner de l'étroitesse, de l'ordre et du contrôle, vers l'expressivité et l'abstraction". Comme Rembrandt s'invente en peinture, il invente l'art moderne au fur et à mesure."

Vue de Delft

Artiste : Johannes Vermeer - 1660-61

Huile sur toile - Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Ce paysage observé avec précision montre les bâtiments de Delft, la ville natale de l'artiste, ses toits et ses clochers, pris dans l'ombre et la lumière, sous les nuages qui s'amoncellent dans un ciel bleu. Les eaux du canal de Schie scintillent avec les courants ondulants et les reflets des bâtiments. Un certain nombre de personnes détaillées avec précision se rassemblent sur la rive à gauche, chacune d'entre elles étant représentative de la vie à Delft. Pourtant, c'est la lumière qui importe ici, car le ciel occupe près des deux tiers de la toile, ses tons contrastés créant des zones lumineuses et les ombres de l'aube. Comme l'a écrit l'historien de l'art Adriaan Waiboer, si "Vermeer capturait réellement ce qu'il voyait devant lui", il voulait surtout "créer une illusion particulière... il voulait peindre la lumière". Utilisant uniquement du blanc, de l'outremer, de l'ocre jaune et de la garance, une riche nuance de rouge, la palette de couleurs est très simple mais employée avec des tonalités subtiles pour créer un sentiment d'harmonie.

Vermeer a peint trois paysages de sa ville natale, et ce paysage urbain est considéré comme l'un de ses chefs-d'œuvre. Comme l'a écrit l'historienne de l'art Mariët Westermann, "les effets de lumière variés de la scène semblent si naturels... que l'œil ignore ce que l'esprit sait : que cette lumière est un grand artifice, qu'il s'agit d'une œuvre de peinture." Le tableau a conduit à la redécouverte de Vermeer lorsque le critique français Thoré-Bürger l'a vu en 1842, et a donc influencé les artistes suivants, notamment Camille Pissarro, Manet, Edgar Degas et Henri Fantin Latour. Ce tableau est également l'un des plus populaires de l'artiste, comme en témoigne sa reproduction par la Monnaie royale néerlandaise sur les pièces commémoratives en or de 2011. Le célèbre romancier français Marcel Proust a déclaré : "Depuis que j'ai vu la Vue de Delft au musée de La Haye, j'ai su que j'avais vu le plus beau tableau du monde", ce qui l'a amené à inclure l'œuvre dans son roman phare, Le souvenir des choses passées (1908).

La fille à la perle

Artiste : Johannes Vermeer - 1665

Huile sur toile - Mauritshuis, La Haye, Pays-Bas

Ce portrait iconique de renommée mondiale montre une jeune femme en vue de trois quarts alors qu'elle se tourne pour regarder le spectateur d'un regard intime mais mystérieux. La palette de couleurs de son costume, limitée à des nuances de jaune, de bleu et de blanc, contraste doucement avec les tons chair de son visage et ses lèvres rouges, attirant notre attention sur ses yeux lumineux. Elle regarde vers le spectateur comme si elle était attirée par un mot d'adresse, une boucle d'oreille en perle brillant contre les ombres douces de son cou. En mettant la perle en évidence, l'artiste a subtilement souligné le symbolisme chrétien des perles comme emblèmes de chasteté. En même temps, l'orientalisme de son turban et de sa robe crée un élément contrastant d'érotisme exotique. Comme il n'existe aucune perle connue de cette taille, il s'agit soit d'une perle de verre recouverte de nacre, soit d'une création de l'artiste.

L'œuvre de Vermeer était unique pour sa lumière liquide qui se traduisait par une luminescence caractéristique. Il a utilisé de manière innovante le "pointillé", une technique qui consiste à appliquer une peinture plus granuleuse en couches pour créer une sorte de transparence, et les glacis. L'arrière-plan de cette œuvre était à l'origine peint avec un glacis vert qui, avec le temps, s'est estompé pour ne laisser que la couche inférieure plus sombre.

Il a également transformé le travail de genre, car cette œuvre est une tronie - une représentation d'un type particulier ou d'un personnage de stock - qui est soit idéalisée soit exagérée, et portant le costume approprié, qui prend ici une individualité complexe. Comme l'a écrit le critique d'art Peter Schjeldahl, il a "refondu la peinture de genre conventionnelle dans les termes d'un réalisme perceptif aussi approfondi que le médium le permettait. La conviction de la réalité qui inondait ses toiles s'étendait des subtilités de la lumière aux significations du caractère."

Ce portrait intime et mystérieux a été surnommé "la Joconde du Nord", suscitant de nombreuses spéculations sur l'identité du modèle et sa relation avec Vermeer. Le public néerlandais l'a élu plus beau tableau des Pays-Bas en 2006, et son sujet est au cœur du roman de Tracy Chevalier, Girl with a Pearl Earring (1999), et du film du même titre en 2004. Banksy a réutilisé l'image dans une peinture murale intitulée Girl with a Pierced Eardrum (2015) à Bristol en Angleterre.