Robert Delaunay

Peintre français 

Né : 12 avril 1885 - Paris, France

Décédé : 25 octobre 1941 - Montpellier, France

Enfance

Robert Delaunay est né en 1885 de parents excentriques de la haute société, George Delaunay et Berthe Félicie de Rose. Sa mère, personnage irresponsable aimant la vie mondaine, se faisait appeler "comtesse", bien que l'authenticité de ses prétentions à l'aristocratie française soit remise en question. Sa première vie à Paris est privilégiée mais tendue - ses parents divorcent alors que Delaunay n'a que quatre ans et il voit à peine son père par la suite. Recueilli par son oncle et sa tante, il est élevé dans une grande propriété à La Ronchère, près de Bourges, reflétant par hasard l'expérience de l'enfance de sa future femme, Sonia, également élevée par un oncle et une tante fortunés à Saint-Pétersbourg.

Formation initiale

Le jeune Delaunay est un élève médiocre, qui passe ses cours à peindre à l'aquarelle derrière le couvercle de son bureau. Il n'a pas reçu de formation artistique formelle, mais son oncle l'envoie à l'Atelier de Ronsin, pour faire un apprentissage en conception de théâtre à Belleville. C'est là qu'il apprend à créer des décors de théâtre à grande échelle, ce qui influencera plus tard son travail scénique et mural.

En 1903, Delaunay se rend en Bretagne, où il fait la connaissance d'Henri Rousseau et se tourne vers la peinture, inspiré initialement par le travail du groupe de Pont Aven qui y avait peint de 1886 à 1888. De retour à Paris, Delaunay rencontre l'artiste Jean Metzinger. Les deux hommes deviennent des amis proches et réalisent une série de petites compositions en mosaïque inspirées par les techniques divisionnistes ( néo-impressionniste ) de Georges Seurat. Leurs expériences sont notées dans un article du critique Louis Vauxcelles en 1907.

L'Homme à la tulipe (Portrait de Jean Metzinger) 1906

En 1909, Delaunay rencontre par hasard une jeune artiste passionnée, Sonia Terk, qui deviendra sa femme et sa collaboratrice pendant 30 ans, formant l'un des partenariats créatifs les plus remarquables de l'histoire de l'art. Riche émigrée russe récemment venue à Paris pour suivre une formation à l'Académie de la Palais, Sonia Terk était déjà mariée à Wilhelm Uhde, critique d'art et galeriste allemand homosexuel, dans le cadre d'un mariage de convenance. Robert et elle entament une liaison passionnée et lorsqu'elle tombe enceinte, Uhde consent à divorcer. Elle épouse Delaunay l'année suivante et se rend vite compte que l'impétueux et enfantin Delaunay ne sera pas un mari ou un père conventionnel : pendant la majeure partie de leur vie conjugale, elle sera le principal soutien de leur famille. Les jeunes mariés louent un appartement dans la rue des Grands Augustins, la même rue que celle où habite Pablo Picasso, et s'ouvrent au nouveau monde passionnant qui les entoure. Ils peignaient ensemble, s'inspirant des couleurs vives et des motifs qu'ils voyaient dans les lumières électriques du boulevard St Michel, où ils se promenaient le soir. "Nous respirions la peinture comme d'autres vivent dans l'alcool ou le crime", devait plus tard écrire Sonia dans son journal.

Saint Severin no 3 (1909)

Période de maturité

Avant la première guerre mondiale, Paris est l'épicentre du mouvement d'avant-garde. Delaunay s'immerge dans le monde de la découverte esthétique, de l'innovation et de l'expérimentation qui explose autour de lui. Il expose aux côtés de nombreux acteurs clés de Paris au Salon d'Automne (1903, 1906) et au Salon des Indépendants de 1904 à 14, développant une fascination croissante pour la couleur en tant que sujet en soi. Il cherche à interpréter la ville moderne à travers la couleur et le rythme. En 1911, Sonia donne naissance à leur fils unique, Charles, et un an plus tard, à l'âge de 27 ans, Delaunay présente sa première exposition personnelle à la Galerie Barbazanger à Paris. Son travail est admiré par les expressionnistes allemands Wassily Kandinsky, August Macke et Franz Marc. En 1912, il est invité par Kandinsky à participer à la première exposition du Blaue Reiter en Allemagne, ainsi qu'à contribuer à Der Sturm, le prestigieux almanach produit par le groupe.

Red Eiffel Tower (La tour rouge) (1911-12)

Delaunay croit en la peinture gestuelle et grandiose et connaît des périodes de productivité frénétique, travaillant de l'aube au crépuscule, parfois sans se laver pendant des jours. Entre ces périodes, il ne touchait pas un pinceau, mais faisait de longues promenades et s'occupait de ses plantes. La série de tours Eiffel qu'il peint à cette époque attire l'attention du monde de l'art et lui vaut d'être inclus dans de grandes expositions et des expositions collectives en Europe, notamment dans la salle cubiste du Salon des Indépendants avec Metzinger. À la suite de cette exposition, son travail devient de plus en plus non-objectif, ce qui conduit à l'émergence de motifs pour lesquels Delaunay est aujourd'hui connu, tels que les cercles tournoyants et les formes géométriques de ses fenêtres. En réponse à son travail, le critique André Warnod parle d'une "nouvelle école florissante" qui rompt avec l'art du cubisme. La même année, son ami intime et poète, Guillaume Apollinaire, invente le terme "orphisme" pour décrire les peintures de Delaunay, ainsi que celles de Sonia et de l'artiste Frantisek Kupka. Ce nom, dérivé d'Orphée, joueur de lyre de la mythologie grecque, assimilait l'énergie des peintres à une pulsion primitive de création. Apollinaire a également écrit que Picasso occupait un camp et Delaunay l'autre - avec Kandinsky et Duchamp comme disciples. Cet embellissement de ses réalisations a provoqué des remous. En fait, Delaunay préférait appeler son travail "simultané" plutôt qu'"orphique", car il pensait que cela évoquait l'esprit du nouvel âge, mais cela a également suscité une controverse pour Delaunay, car les futuristes italiens ont revendiqué ce concept.

Les fenêtres simultanées [2e motif, 1re partie] (1912)

Bien que Delaunay ait obtenu un certain soutien pour son travail, sa recherche de l'attention et son franc-parler sont épuisants et Sonia doit souvent intervenir lorsqu'il contrarie les autres avec des affirmations égocentriques telles que "avant moi, la couleur n'était que de la couleur". Gertrude Stein a résumé sa personnalité en écrivant : "Il se voit comme une grande figure solitaire alors qu'en réalité, c'est un moulin à paroles sans fin qui parle de lui et de son importance à n'importe quelle heure du jour et de la nuit". Au cours de cette période, Delaunay se met à dos ses étudiants et ses collègues à cause de son caractère emporté.

Le dimanche, les Delaunay ouvrent leur maison aux artistes, poètes, musiciens et écrivains, dont Henri Rousseau, Metzinger, Guillaume Apollinaire, Fernand Léger, Albert Gleizes, Henri Le Facconnier et Blaise Cendrars. Le jeudi, le groupe allait danser au Bal Bullier à Montparnasse, arrivant tard pour faire son entrée en portant les créations simultanées excentriques de Sonia. Les Delaunay sont toujours au centre de la scène, Sonia portant des robes multicolores élaborées et Robert des costumes assortis de couleur écarlate, verte et autres couleurs criardes. Le groupe porte également des chaussettes multicolores pour pouvoir danser le tango sans chaussures. Leurs tenues sont qualifiées de "futuristes" par Giacomo Balla et attirent l'attention des médias internationaux ; les créations de Sonia sont décrites par Apollinaire comme transformant "la fantaisie en élégance". À l'instar des futuristes, Robert est obsédé par la nouvelle ère de la technologie et de la vitesse, et se rend fréquemment au dirigeable de St Cloud, près de Paris. C'est de là qu'est née l'œuvre inspirée "Hommage à Blériot" en 1914, une "allégorie de la nouvelle ère" ainsi qu'une illustration de sa théorie selon laquelle la couleur peut devenir forme et sujet.

Les Delaunay sont en vacances lorsque la Première Guerre mondiale éclate en août 1914, mais contrairement aux autres membres de leur cercle, ils restent aussi loin que possible des combats, d'abord au Portugal puis dans le nord de l'Espagne, pays neutre. Robert s'engage finalement en 1916, mais il est déclaré inapte au service en raison d'un gros cœur et d'un poumon affaissé. En 1917, les revenus de Sonia sont coupés par la révolution russe et elle se tourne vers la création de mode pour subvenir aux besoins de sa famille, créant sa propre boutique, Casa Sonia. Cette période s'est avérée lucrative pour les deux artistes lorsque Robert a rencontré l'exilé russe Sergei Diaghilev et le reste du Ballet russe, qui avait été quelque peu épuisé par la guerre. Robert est chargé de concevoir et de réaliser le décor de leur prochaine représentation, tandis que Sonia crée les costumes.

En 1920, les Delaunay retournent à Paris, où Sonia s'établit comme une créatrice de mode à succès, afin que Robert puisse poursuivre son art. Ils louent un grand appartement et reprennent leurs salons du dimanche, attirant un nouveau groupe de jeunes artistes, dont Tristan Tzara, Francis Picabia, André Breton, Jean Cocteau, Jean et Sophie Arp. L'appartement devient une œuvre d'art vivante, respirant en même temps que leurs amis dada et surréalistes ornent les murs de peintures, de poèmes et de signatures. Cependant, comme toujours, ils vivent au-dessus de leurs moyens et les huissiers se rendent fréquemment à l'appartement ; en 1922, l'argent est si serré que Sonia doit vendre son tableau d'Henri Rousseau, Le charmeur de serpents, au Louvre pour 50 000 francs. Avec cette somme, Robert achète leur première voiture et trouve ainsi le seul passe-temps qui le détend : la conduite automobile. Les Delaunay sont connus pour leur progressisme - ils possèdent une voiture, un téléphone et une radio avant tous leurs amis et sont les premiers à rétablir des liens avec les artistes allemands après la Première Guerre mondiale. Cependant, sur le plan artistique, Robert est à la traîne par rapport à son épouse entreprenante - il n'a pas exposé depuis 1913, à l'exception d'une exposition personnelle en 1922 qui n'a pas eu beaucoup de succès malgré la présence fidèle de ses nouveaux amis surréalistes.

Les dernières années et la mort

Au milieu des années 1930, la réputation de Robert s'est ternie et il est dans un cycle de production d'œuvres inachevées qui manquent de conviction. Il passe du temps à mener ses recherches, qui semblent infructueuses, sur le développement de nouveaux pigments et l'utilisation de la pierre et du sable pour fabriquer de la laque. À la fin des années 1920, il se tourne vers le travail figuratif, puis revient à l'abstraction totale. Le point le plus bas est la création d'un nu pour le salon de la salle des ambassades à l'Exposition universelle de 1925, qui est jugé inapproprié et retiré. La même année, ils ont tous deux 40 ans et Sonia, qui est désormais une styliste très prospère à la tête de 30 boutiques, commence à se languir de la peinture de sa carrière antérieure. Robert encourage ce retour à la curiosité intellectuelle en disant : "Produire, c'est bien, mais nous devons aussi promouvoir nos idées". Avec le krach de Wall Street en 1929, la mode de la couture décline car il est devenu "de mauvais goût de paraître riche". Sonia prend la décision de fermer sa boutique et le couple abandonne son appartement, déclarant : "Nous allons peindre et vivre comme avant".

Rythme sans fin (1934)

L'argent est rare et les deux artistes sont encouragés par des amis à s'inscrire au chômage, mais la fierté de Robert les en empêche. Le couple rejoint le groupe Abstraction Creation en 1932 et quatre ans plus tard, il est invité à participer à l'Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937, qui met l'accent sur l'art public. Robert prend en charge le projet, travaillant avec cinquante artistes sans emploi dans un grand garage pour produire d'immenses peintures murales pour le pavillon de l'aéronautique, sur le thème de la romance du voyage en train. Pendant cette période, ils "vivent comme des moines", selon Sonia, Robert faisant preuve d'une énergie et d'un engagement renouvelés envers le projet. Ses expériences antérieures avec la pierre se sont avérées précieuses, car il a trouvé des moyens de produire des peintures murales résistantes aux éléments. L'exposition a été un succès, et le pavillon de Robert a reçu des critiques très positives de la part de ceux qui l'ont vu. Cependant, il est éclipsé par l'immense succès du Guernica de Picasso dans la même exposition, ce qui ne fait qu'attiser l'envie qu'il éprouve depuis longtemps pour l'artiste espagnol.

Entrée du Hall des réseaux du palais des Chemins de fer (1937)

L'Exposition internationale relance la demande pour les Delaunay et, un an plus tard, Robert produit ce qui sera sa dernière série - des décorations pour la salle des sculptures du Salon des Tuileries. Fort de ces succès, le couple fait de grands projets de voyage à New York, mais le temps joue contre eux et, à l'approche de la Seconde Guerre mondiale, ils s'enfuient dans le sud de la France pour éviter l'invasion nazie. Ce déménagement est préjudiciable à la santé de Robert, qui se détériore et meurt d'un cancer en 1941 à Montpellier, en France. Sonia a vécu trente ans de plus et, avec leur fils Charles, elle a géré les biens de Robert et a rendu hommage à sa mémoire à travers son œuvre.

L'héritage de Robert Delaunay

La réputation de Robert Delaunay a fluctué tout au long de sa vie et après sa mort, de sorte qu'il est difficile de déterminer son héritage dans l'histoire de l'art moderne. Cependant, c'est sans aucun doute dans la période grisante qui a précédé la Première Guerre mondiale que son influence sur les autres artistes et écrivains a été la plus prononcée. Son texte "Note sur la construction de la réalité dans la peinture pure" (1912) a été considéré par de nombreux critiques comme fondamental dans l'évolution de la théorie de l'art abstrait ; dans un article, Apollinaire attribue même à Delaunay l'influence de l'utilisation de la lumière par Picasso. Que cela soit exact ou non, il est certain qu'en 1912-13, Delaunay était considéré par beaucoup comme occupant une position contradictoire et équivoque par rapport au cubisme, ce qui a inspiré de jeunes artistes à la recherche de nouvelles orientations. C'est le cas du jeune Américain Morgan Russell, qui découvre les harmonies de couleurs vibrantes des toiles de Delaunay en 1912. Peu après, Russell a fondé le mouvement Synchronist avec Stanton McDonald Wright, qui a développé la théorie des couleurs de Michel Chevreul et Ogden Rood, comme l'avait fait Delaunay lui-même. Plus tard, Russell et Wright nieront cependant tout lien avec l'orphisme.

Rhythm n1 (1938)

La relation de Delaunay avec le futurisme est également controversée. Son incorporation de l'architecture moderne dans un espace pictural fragmenté et dynamique suggère un rôle dans le développement du langage visuel futuriste, particulièrement évident dans les Visions simultanées d'Umberto Boccioni (1912). L'artiste italien avait en fait visité Paris en 1911 et aurait vu les séries de Saint-Séverin et de la Tour Eiffel de Delaunay. À l'époque, les deux mouvements rejettent toute comparaison, mais après la mort de l'artiste, Fernand Léger déclarera : "C'est avec Robert Delaunay à nos côtés que nous avons rejoint la bataille" [vers l'abstraction] (1949).

Après avoir exposé ses œuvres à la première exposition Der Blaue Reiter, Delaunay a fait sensation : les blocs de couleurs vives que Klee a utilisés dans ses aquarelles tunisiennes (1914) rappellent la série des Fenêtres de Delaunay, et le critique Theodore Daubler l'a qualifié de "premier expressionniste connu" en 1916. D'autres commentateurs soulignent des liens avec Die Brucke. Pour Mark Rosenthal, les formes expressionnistes déformées du Saint Severin de Delaunay sont clairement visibles dans l'art de Lyonel Feininger, dans les scènes de rue d'Ernst Kirchner et dans les décors de film du Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine (1920).

Les liens étroits que Delaunay a entretenus de son vivant avec Kandinsky, Hans Hoffman et Diego Rivera suggèrent également un lien possible avec l'expressionnisme abstrait, puisque tous ces artistes étaient des figures de proue du développement de l'école de New York dans les années 1940. L'utilisation innovante par Delaunay de la cire encaustique (développée alors qu'il n'avait pas accès aux matériaux artistiques en Espagne), de la peinture architecturale à grande échelle (La Ville de Paris, les peintures murales des années 1930) et de la couleur comme véhicule d'expression peut être indirectement liée au travail de Jackson Pollock, Barnett Newman et Mark Rothko.

En 1945, quatre ans seulement après sa mort, le nom de Delaunay était pratiquement inconnu. Son épouse, Sonia, qui était alors bien établie dans sa carrière de designer, a travaillé sans relâche pour rétablir la réputation de son défunt mari en tant que pionnier de l'art abstrait. Elle a persuadé des galeries d'exposer ses œuvres et, en 1963, a fait don de 114 de ses œuvres au Musée d'art moderne de Paris, contribuant ainsi à replacer son nom dans la conscience du public. Cependant, c'est dans son vaste corpus d'œuvres que réside son héritage le plus direct. Elle a gardé vivantes leurs théories communes de la simultanéité à travers sa production prolifique de vêtements, d'objets ménagers, de reliures de livres, de tissus et de peintures, tous caractérisés par des formes abstraites colorées qui rappellent les premières œuvres orphiques de Robert.